Tinta verde

CHARLES DICKENS: 200 años de su natalicio

2012-01-28T23:57:00.000-03:00

Charles Dickens

El próximo 7 de febrero se cumple el bicentenario del nacimiento del escritor inglés Charles Dickens y se celebrará con la reapertura de su casa.

Los 200 años del natalicio de Dickens han movilizado a Inglaterra con un gran número de actividades entre las que destacan programas culturales, homenajes y la reapertura de su casa museo.

También el Instituto de Cine Británico proyectará una retrospectiva del autor “Dickens en pantalla”.
En latitudes como España será lanzado el libro titulado “Dickens enamorado” un inédito que reúne la cartas entre el escritor y su enamorada María Beadnell, con quien tuvo un amor prohibido.

La reapertura de la casa-museo en Portsmouth, Inglaterra, será la cereza del pastel de los festejos.
En el ahora museo del autor de ‘David Copperfield’ se podrán observar decenas de fotografías de él y sus familiares, así como un busto de su padre John Dickens.

También se podrá conocer su dormitorio y una réplica de su escritorio donde relató algunas de sus novelas más famosas. La casa de Dickens será reabierta hoy 28 de enero para los visitantes.

http://www.provincia.com.mx/2012/01/celebraran-bicentenario-de-charles-dickens-con-reapertura-de-su-casa/

Biografía:

(Portsmouth, Reino Unido, 1812-Gad's Hill, id., 1870) Escritor británico. En 1822, su familia se trasladó de Kent a Londres, y dos años más tarde su padre fue encarcelado por deudas. El futuro escritor entró a trabajar entonces en una fábrica de calzados, donde conoció las duras condiciones de vida de las clases más humildes, a cuya denuncia dedicó gran parte de su obra.

Autodidacta, si se excluyen los dos años y medio que pasó en una escuela privada, consiguió empleo como pasante de abogado en 1827, pero aspiraba ya a ser dramaturgo y periodista. Aprendió taquigrafía y, poco a poco, consiguió ganarse la vida con lo que escribía; empezó redactando crónicas de tribunales para acceder, más tarde, a un puesto de periodista parlamentario y, finalmente, bajo el seudónimo de Boz, publicó una serie de artículos inspirados en la vida cotidiana de Londres (Esbozos por Boz).

El mismo año, casó con Catherine Hogarth, hija del director del Morning Chronicle, el periódico que difundió, entre 1836 y 1837, el folletín de Los papeles póstumos del Club Pickwick, y los posteriores Oliver Twist y Nicholas Nickleby. La publicación por entregas de prácticamente todas sus novelas creó una relación especial con su público, sobre el cual llegó a ejercer una importante influencia, y en sus novelas se pronunció de manera más o menos directa sobre los asuntos de su tiempo.

En estos años, evolucionó desde un estilo ligero a la actitud socialmente comprometida de Oliver Twist. Estas primeras novelas le proporcionaron un enorme éxito popular y le dieron cierto renombre entre las clases altas y cultas, por lo que fue recibido con grandes honores en Estados Unidos, en 1842; sin embargo, pronto se desengañó de la sociedad estadounidense, al percibir en ella todos los vicios del Viejo Mundo. Sus críticas, reflejadas en una serie de artículos y en la novela Martin Chuzzlewit, indignaron en Estados Unidos, y la novela supuso el fracaso más sonado de su carrera en el Reino Unido. Sin embargo, recuperó el favor de su público en 1843, con la publicación de Canción de Navidad.

Después de unos viajes a Italia, Suiza y Francia, realizó algunas incursiones en el campo teatral y fundó el Daily News, periódico que tendría una corta existencia. Su etapa de madurez se inauguró con Dombey e hijo (1848), novela en la que alcanzó un control casi perfecto de los recursos novelísticos y cuyo argumento planificó hasta el último detalle, con lo que superó la tendencia a la improvisación de sus primeros títulos, en que daba rienda suelta a su proverbial inventiva a la hora de crear situaciones y personajes, responsable en ocasiones de la falta de unidad de la obra. En 1849 fundó el Houseold Words, semanario en el que, además de difundir textos de autores poco conocidos, como su amigo Wilkie Collins, publicó La casa desierta y Tiempos difíciles, dos de las obras más logradas de toda su producción. En las páginas del Houseold Words aparecieron también diversos ensayos, casi siempre orientados hacia una reforma social.

A pesar de los diez hijos que tuvo en su matrimonio, las crecientes dificultades provocadas por las relaciones extramatrimoniales de Dickens condujeron finalmente al divorcio en 1858, al parecer a causa de su pasión por una joven actriz, Ellen Teman, que debió de ser su amante. Dickens hubo de defenderse del escándalo social realizando una declaración pública en el mismo periódico. En 1858 emprendió un viaje por el Reino Unido e Irlanda, donde leyó públicamente fragmentos de su obra. Tras adquirir la casa donde había transcurrido su infancia, Gad’s Hill Place, en 1856, pronto la convirtió en su residencia permanente.

La gira que inició en 1867 por Estados Unidos confirmó su notoriedad mundial, y así, fue aplaudido en largas y agotadoras conferencias, entusiasmó al público con las lecturas de su obra e incluso llegó a ser recibido por la reina Victoria poco antes de su muerte, acelerada por las secuelas que un accidente de ferrocarril dejó en su ya quebrantada salud.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dickens.htlm

Literatura Antropológica: Nuevas Tendencias de la Narrativa Nacional

2011-12-29T15:31:00.000-03:00

Investigación en la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad Austral de Chile

El Dr. Iván Carrasco, con su proyecto Fondecyt Regular N° 1100344, adjudicado en el 2010, busca incorporar una nueva categoría al estudio de la literatura chilena.

Escrito por: Fernanda Luzzi Haussmann -
Periodista Facultad de Filosofía y Humanidades
Universidad Austral de Chile
Email: fernandaluzzi@gmail.com

Es una literatura no conocida, valorada ni leída como tal, pues se ha desarrollado en publicaciones, congresos y diálogos propios de los espacios intelectuales de la antropología nacional. Lo que el Doctor Carrasco busca, con esta investigación, es fundamentar que sí existen textos literarios-antropológicos, aunque no se los considere así en los círculos literarios, “es un trabajo extremadamente creativo y muy riguroso, pues debo explicar por qué estos textos de corte antropológico son literarios también”, asegura el docente.

Existe un sector aún no descrito en la literatura chilena actual, conformado por un tipo de texto diferente que aparece como parte del discurso antropológico y que remite a dos órdenes de pensamiento, posee un estilo propio, un conjunto de temas limitados por la formación profesional de los autores y cumple un funciones cognitivas, testimoniales y autobiográficas.

El proyecto ya se encuentra en una segunda fase, en el segundo tercio del tiempo estimado por Fondecyt para la realización de esta iniciativa. Trabajan, junto al Doctor Carrasco, las estudiantes de postgrado Pilar Valenzuela y Daniela Bahamonde, las que preparan, actualmente, sus tesis para obtener los grados de Doctor en Ciencias Humanas y Magister en Literatura Hispanoamericana Contemporánea respectivamente. También participa el antropólogo Miguel Alvarado (docente de la UMCE, doctorado en Ciencias Humanas en la UACh) como co-investigador de “Literatura Antropológica en Chile”.

La Literatura Antropológica tiene una base teórica que combina ambas tendencias, es un fenómeno sin explicación hoy por hoy, por lo que se debe fundamentar teóricamente. Los objetos de análisis son complejos, se debe construir un nuevo objeto de estudio, puesto que es la primera vez que se habla de este tipo de narrativa.

Una vez ordenados y definidos los textos a revisar, se seleccionaron los más representativos, que fueron analizados desde una perspectiva deductivo-inferencial con apoyo de categorías de origen semiótico, filosófico y retórico de reconocidos autores. Las publicaciones antropológicas-literarias son textos creativos que se pueden dividir en narrativos y poéticos.

A la fecha no es posible hablar de resultados, pues para que la investigación resulte exitosa no es suficiente demostrar la existencia de esta nueva literatura con métodos de investigación científica solamente, sino lo más importante es que el canon literario o comunidad literaria la acepte como tal.

Por lo mismo, para el Doctor Carrasco es importante asistir y participar en diversos Congresos y Seminarios, espacios donde puede dar a conocer parte de su investigación y comenzar a establecer los conceptos y definiciones de la Literatura Antropológica chilena, para que se comience a hablar al respecto y se acepte.

Como lo mencionamos anteriormente, es la primera vez que se estudia este tipo de literatura, por lo que para el equipo del proyecto es un desafío lo exitoso que pueda resultar el estudio, pues, de ser aceptado por la comunidad literaria, lo realizado por Iván Carrasco será innovador y sentará precedentes para investigaciones futuras sobre literatura en Chile.

Para comenzar a demostrar la importancia de este tipo de narrativa para el país, es que el Doctor Carrasco ha publicado artículos, referentes a su investigación, en revistas especializadas, las que se conocerán el próximo año. “No informo resultados, porque los datos deben ser fidedignos y ello se obtendrá al finalizar la investigación, en un año más, pero sí doy a conocer avances para que la comunidad literaria comience a aceptar esta teoría”, afirma el académico.

Aunque no parezca cierto, investigar la relación entre fenómenos de distinta naturaleza es bastante agotador y demandante, pues hay que leer y contrastar muchos textos y teorías, pero, para el Doctor Carrasco, resulta enriquecedor ver que lo que está intentando demostrar sí le parece lógico a otros, sí le hace sentido a miembros de la comunidad literaria.

Con los resultados que se obtengan de la investigación, se espera introducir el concepto de Literatura Antropológica en el campo de los estudios literarios, haciéndolo accesible a investigadores y estudiantes a través de la publicación de artículos, ponencias en congresos y conferencias.

“Es importante enfatizar que esta es una investigación del ámbito cultural de la sociedad chilena, elemento propio del desarrollo de la poesía nacional y una de las dimensiones más importantes de nuestra cultura”, finaliza y afirma el Doctor Carrasco.

Fuente: http://noticias.uach.cl/principal.php?pag=noticia-externo&cod=41745"

Bombal, la película: la juventud salvaje de la autora de La Amortajada

2011-11-27T21:22:00.000-03:00

Enlaza con el artículo anterior

El filme de Marcelo Ferrari opta por concentrar su historia en pocos días del año 1941.

por Rodrigo González M.

Tenía apenas 30 años y había publicado La última niebla, La amortajada y El árbol. Es decir, las obras por las que sería conocida el resto de su vida.También se había casado con el pintor argentino Jorge Larco, un buen amigo que en realidad era homosexual. Y, a los 29, había intentado contraer matrimonio con el doctor Carlos Magnani, otro argentino, pero que la doblaba en edad: tenía 62 años. Magnani, sin embargo, la engañó y terminó en el altar con una chica de 22.

Mujer de juventud frenética, María Luisa Bombal recuerda un poco a Arthur Rimbaud, el gran poeta francés que creó y vivió todo antes de los 21 años, para pasar los restantes 16 de su vida dedicándose a los más diversos oficios. La autora chilena dejó su huella en la literatura local durante la década del 30, recién llegada de París, entre los 25 y 30 años. En ese período cosechó sus aventuras amorosas más tormentosas y despertó el respeto de Neruda y Borges. Luego, durante cuatro décadas, su existencia fue una larga añoranza por tiempos mejores.

La creativa juventud de María Luisa Bombal (1910-1980), que concluye cuando le dispara a su esquivo amor Eulogio Sánchez Errázuriz, en enero de 1941, es el período que nutre la nueva película de Marcelo Ferrari. El trabajo se llama Bombal y llegará a salas en el primer semestre del 2012, antes de que TVN emita una miniserie de televisión. Pero antes, el filme se estrenará en el Festival de Cine de Valdivia, que va del 11 al 16 de octubre.

"Nos tomamos la libertad de hacer un retrato de María Luisa Bombal en poco tiempo, relatando los días más intensos de su vida. Y eso es porque no existe la intención de hacer una descripción biográfica", explica el director, que firma con Bombal su segunda película, tras Sub terra (2003).

"En rigor, deben ser unos 20 días los que contamos en la vida de Bombal. Todo en 1941. Pero hay algunas licencias que nos tomamos: por ejemplo, su matrimonio con Jorge Larco fue mucho antes que el episodio del disparo a Eulogio Sánchez. Sin embargo, acá los colocamos en forma paralela", dice el realizador.

Mujer de grandes contradicciones, María Luisa Bombal se codeó con las vanguardias literarias de su época y, al mismo tiempo, mantuvo una relación romántica con el mencionado Sánchez, un hombre tan mujeriego como ideológicamente conservador: fundó el movimiento de ultraderecha Milicias Republicanas. Fue protegida de la autora criollista Marta Brunet. En Buenos Aires hizo amistad con Borges, quien calificó a La amortajada como "libro de triste magia, libro de oculta organización eficaz, libro que no olvidará nunca nuestra América".

El interés de Marcelo Ferrari por llevar este personaje al cine tiene que ver, además, con lo que él llama la "intensidad" de la vida de la autora de La última niebla. "Fue capaz de otorgarles una voz erótica a las mujeres. Y lo hizo con atrevimiento y con poesía. Eso es quizás lo que más me interesa al hacer la película", explica Ferrari. "Cuando hablo de ella con los actores, a veces nos referimos a María Luisa como una especie de escritora punk de su época. Ella se mueve en el mundo sólo guiada por sus emociones y se ciega. Su intensidad es tal que a veces pierde la cordura".

De 85 minutos de duración, Bombal es protagonizadapor Blanca Lewin, en el rol de María Luisa Bombal; Marcelo Alonso, como Eulogio Sánchez, y Alejandro Goic, en el papel de Jorge Larco. También contribuyen Montserrat Prats, como una prima y confidente de la autora de El árbol, y María José Prieto, en el carácter de Clara, la mujer con que finalmente se queda Sánchez.

En el trailer de la cinta saltan a primera vista dos aspectos: el desenfado con que la escritora tenía relaciones sexuales y su clara dependencia del alcohol. "Hacia el final de su vida, el alcoholismo la marcó y todo fue muy triste. Se quedaba dormida en lugares públicos, Nosotros lo que hacemos en la cinta es dar pistas de esta inminente enfermedad", dice el realizador. "Además, la mostramos disfrutando su sexualidad, sin complejos, como realmente era ella. No es exhibir el erotismo con ánimo morboso, sino que colocarlo en la dimensión que María Luisa le daba. Y, bueno, hay que decir que eso también fue lo que fascinó a hombres como Eulogio Sánchez", explica.

El amor indomable que Bombal sintió hacia el aviador Sánchez es la carne de varias de las escenas más gráficas de la película, incluyendo su intento de suicidio y, por supuesto, aquellos tres disparos de antología que el 21 de enero de 1941 buscaron liquidar la vida de éste. El episodio fue en las afueras del Hotel Crillón, y aunque no le costó la existencia a Sánchez, sí significó para la escritora la decisión de partir a Estados Unidos. Ahí pasaría 30 años.

En los 70 estuvo a punto de ganar tres veces el Premio Nacional de Literatura, pero los galardones fueron a parar a ilustres desconocidos. Sin embargo, hace mucho tiempo que ya nada importaba demasiado. En 1956, Sánchez murió en un accidente aéreo. Bombal viviría el resto de su vida "atacada por la melancolía", lejos de los estremecedores días de su juventud.

Fuente: http://diario.latercera.com/2011/09/04/01/contenido/cultura-entretencion/30-82550-9-bombal-la-pelicula-la-juventud-salvaje--de-la-autora-de-la-amortajada.shtml

María Luisa Bombal - La última niebla

2011-11-27T21:09:00.000-03:00

por Ignacio Valente

Es un gozo ver cómo se reeditan y leen y releen las obras de María Luisa Bombal. Editorial Andrés Bello publica, ahora en un pequeño volumen de 100 páginas, La última niebla, seguida de tres relatos: "El árbol", "Las islas nuevas" y "Lo secreto". Estos tres cuentos, por su calidad, merecen comentario aparte. A la novela, que data de 1935, parece no haberle pasado el tiempo, como a los clásicos. En este casi medio siglo se han sucedido las generaciones literarias, se han innovado los procedimientos, ha cambiado el mundo. Ya no se escribe así, qué duda cabe: no son los ángeles del sueño ni los fantasmas del corazón femenino los que tienen la palabra, sino otros dioses -con frecuencia diosecillos- de la tierra. Y, sin embargo, en este lapso nos cuesta encontrar una novela chilena que pueda trascender así su tiempo y su lugar, revelando una experiencia tan universal -el amor, como siempre en la autora- bajo el sortilegio de un lenguaje narrativo y poético tan perdurable.

La última niebla es el relato de una frustración y un delirio femeninos, narrado en primera persona por una mujer sedienta de entrega, que teje con las dos hebras mágicas de la realidad y el sueño la trama de un romance absoluto. El amor nacido de un encuentro fortuito y casi irreal, se proyecta sin límites sobre un mundo de enamorada alucinación. La mujer vive de un recuerdo y quizá de un puro sueño, más reales, sin embargo, que el rutinario presente de su existencia actual. El amante perdido y tal vez inexistente, tiene aspiraciones fugaces en medio de la niebla, rodeado siempre de un halo luminoso y evanescente: viene a llevársela desvanecida, una tarde de viento; cruza el camino, junto al estanque donde ella se baña, en un carruaje cerrado; viene y se esfuma, en apariciones de consistencia onírica, de las cuales ella misma terminará por dudar. Resulta inútil separar los hechos positivos y las ilusiones delirantes de este amor, pues la novela ocurre entera dentro de la conciencia, una conciencia femenina desgarrada que jamás se instituye en norma objetiva o exterior de la verdad: la verdad es este amor aunque este amor no fuera verdad.

Nos maravilla el desdén que M. L. Bombal se permite hacia lo exterior, descriptivo, pintoresco, explicativo. No hay aquí referencias, antecedentes, introducciones: las personas y cosas de este mundo -la casa de campo, el marido, una muchacha muerta, los parientes, en las primeras páginas- aparecen reveladas de modo instantáneo en la situación misma, en el presente de la conciencia que los siente y sueña, a golpes de emoción. Estamos tan lejos del naturalismo como de la novela psicológica: la poesía -un lirismo impresionista- tiene la palabra. Los procesos del amor, que exigirían largas y doctas explicaciones a la psiquiatría, la fenomenología o el análisis existencial, son iluminados de golpe por la intuición poética, que tan bien sabe la autora desplegar en forma narrativa.

De allí la densidad de esta breve novela. No sobra un adjetivo. Su velocidad está hecha de pura síntesis; sus cambios de tiempo no son los trucos formales que prodiga tanta novela actual, sino los saltos naturales de la conciencia. El tiempo de este relato posee la asombrosa discontinuidad del transcurso interior, de la duración vital, la durée de Bergson. Hay morosidades y prisas, pero ellas no nos hacen pensar en virtuosismos formales, sino en el ritmo natural de la vivencia. En general, no se percibe artificio o esfuerzo técnico en esta prosa; su esencia poética lo vivifica todo con un ánima encantada que exime de todo aparente trabajo formal.

La continua presencia de la naturaleza en el relato es siempre antropomórfica. La lluvia, el paisaje del campo, el vendaval, el otoño, participan expresivamente de la misma respiración interna del alma, la prolongan y revelan. Esta Einfuhlung, proyección afectiva sobre lo inanimado, se hace más intensa en torno al elemento central de la naturaleza y del espíritu: la niebla. La niebla es el poder brumoso que confunde las regiones del ensueño y de la realidad; de allí su presencia continua sobre las casas, calles y campos, presencia que confiere una soledad sorda y a la vez un recogimiento íntimo y femenino a las situaciones. Pero la niebla es también la fuerza ciega de lo hostil y resistente, que contraría la luminosidad de los designios humanos, sobre todo de los designios amorosos.

Un relato como éste no podría ser narrado sino en primera persona. Aunque su esencia poética esta bien diluida en el transcurso narrativo, apenas hay, sin embargo, construcción objetiva de personajes y argumentos: prima siempre el flujo interior de la conciencia, que va revelando la secreta identidad de personas y cosas al ritmo de la emoción. Las imágenes líricas, a su vez, no son nunca construcciones formales a partir de elementos inmóviles o abstractos o pensados: son imágenes primarias, silvestres, dinámicas, en estado natural. Son imágenes que amaría un Gastón Bachelard: móviles, prístinas, capaces de irradiación. El lenguaje, por su parte, está invadido de profundos ritmos, asociaciones subliminales, parentescos lingüísticos, y de un sentido musical espontáneo que aligera esta excelente prosa narrativa. Muchas veces me he quejado yo de otras prosas "contaminadas" de poesía, poeticoides, imprecisas; la de M. L. Bombal, en cambio, está vivificada por la poesía, sin perder un ápice de su índole narrativa.

La revelación central de esta novela es la esencia de la femineidad en torno al fenómeno del amor: esencia que se manifiesta con una pureza y concentración que a menudo no consiguen los tratados más clásicos sobre el tema. El misterio femenino, su fisiognómica -expresión corporal del enigma de la mujer en sus formas y gestos-, sus ánimos tornadizos, su confusión íntima, su emotividad como centro de la persona, se nos revelan espléndidamente en este sueño enamorado. Ninguna mujer real coincide con la femineidad pura; todas tienen un algo viril. Nuestro personaje, en cambio, es la femineidad. De allí su carácter trágico, su amor imposible, su fracaso. Y también su belleza irreal.

Fuente: http://www.letras.s5.com/bombal0512.htm

Invitación Recital Poético Taller Literario Gredazul

2011-11-08T11:20:00.000-03:00

Están todos invitados a disfrutar de buena poesía este

miércoles 16 de noviembre a las 19:00 horas.

Presentación libro póstumo del poeta Eduardo Díaz Espinoza

2011-11-03T09:54:00.001-03:00

En la Sala Camilo Mori de la Feria Internacional del Libro de Santigo, este viernes 4 de noviembre a las 17:00 horas será presentado el libro "IDENTIDAD CULTURAL DE LA II REGIÓN A TRAVÉS DE SUS CREADORES LITERARIOS EN EL BICENTENARIO" del nortino poeta e investigador Eduardo Díaz Espinoza.

Obra inédita e investigativa que el escritor antofagastino preparó con rigurosidad los años previos a su muerte. En sus meses finales intentó concretar la edición de este estudio pero la muerte lo sorprendió en estos menesteres. Sus colaboradores más cercanos dieron término a esta edición que se presentará mañana viernes en la FILSA.

Luisa García

Relaciones equívocas: el prostíbulo y la literatura hispanoamericana actual

2011-10-09T23:25:00.000-03:00

Roberto Hozven

Facultad de Letras, P. Universidad Católica de Chile

Desde el "Prólogo" de su libro Sexualidad y cultura en la novela hispanoamericana. La alegoría del prostíbulo (Santiago de Chile: LOM, 2003), entre otras síntesis pertinentes, Rodrigo Cánovas escribe:

"si la prostituta es una mercancía libidinal (siendo el music hall el producto erótico a gran escala en la vida citadina europea de la primera mitad del siglo XIX), la literatura es su doble en el ámbito de las imágenes y el periodismo, en la comunicación" (7).

Esta afirmación tiene varios sentidos concurrentes: para comenzar, el nexo sorprendente establecido entre la prostituta y la literatura. Nexo que se fundaría sobre el hecho de que ambas son mercancías y ¡libidinales! Como mercancías, ambas, la prostituta y la literatura, son bienes muebles que se transan, clandestinamente y no, en las ferias, calles y hasta aeroplanos que sobrevuelan Santiago -como nos lo mostró recientemente un documental televisivo. Como signos, ambas encarnan del modo más álgido y próximo las instituciones donde se practican y se nombran las pasiones y manías sorpresivas que definen los rituales imaginativos de la libido humana, lo que comúnmente llamamos una erótica. Asunto predilecto de la poesía, la novela y el ensayo modernos, en los que el prostíbulo, la prostituta y la literatura, de distintas maneras pero siempre mancomunados, han estimulado nuestra imaginación y conmovido nuestra libido, especialmente desde los autores libertinos (Laclos, Diderot) hasta nuestro contemporáneo Henry Miller, pasando por Charles Baudelaire, el fundador de la poesía moderna. En fin, la prostituta y la literatura, sea como bienes o como signos, implican un sistema cultural que las sujeta a condiciones de producción, territorios de circulación donde se ejercen así como a hábitos y reglas de consumo libidinales no menos coercitivos y específicos que los de cualquier otro bien menos provocativo.

Una de las condiciones culturales que comunican a la prostitución con la literatura hispanoamericana es -creo- el triángulo que ambas forman con el melodrama. Ese género patético donde el querer quema, pero conceptualmente vergonzante por su manera sentimentaloide de vivir las emociones. El melodrama se siente, pero no puede declararse. Sin embargo, esta experiencia inconfesa, espuria, fija sentimientos socialmente válidos; sentimientos por los cuales la industria cultural nos hace comprender la realidad a la manera de una farándula, a la vez gozosa, sufriente y trascendental. Todos somos Cristos, Magdalenas y Marías profanos, dispuestos a vivir la realidad como un camino zigzagueante entre el logro fantasioso y su más estrepitoso fracaso social. El melodrama vacila así entre la esperanza más insensata y su escepticismo más radical -como observa Carlos Monsiváis. De alguna manera, burgueses, clase media, proletariado y lumpen comulgamos patéticamente con estas ruedas de carreta intercambiándonos deseos, fantasmas y martirios secretos que nos inducen, enseguida, a comportarnos inconscientemente de acuerdo con ellos. Se entiende la apetencia de nuestra literatura por el espacio del prostíbulo y sus personajes melodramáticos, a través de cuyos territorios y correrías pueden vislumbrarse "las ilusiones y desilusiones del cambio social en los inicios de nuestra modernidad" (8).

Limitémonos a comentar, sinópticamente, dos de los ocho acuciosos y brillantes estudios semióticos (más que "formalistas"-como declara con modestia el autor) que Rodrigo Cánovas ha dedicado a cada una de las correspondientes novelas hispanoamericanas en las que el prostíbulo figura como un motivo mayor: Pantaleón y las visitadoras, de Mario Vargas Llosa; El lugar sin límites, de José Donoso; Juntacadáveres, de Juan Carlos Onetti; La casa verde, de Mario Vargas Llosa; El zorro de arriba y el zorro de abajo, de José María Arguedas; Juana Lucero, de Augusto D'Halmar; Santa, de Federico Gamboa, y Nacha Regules, de Manuel Gálvez.

En el nivel local hispanoamericano, el burdel "aparece como un modelo reducido, desde el cual se reconstruyen por analogía los demás espacios de la sociedad como estériles y regresivos" (14). En Juana Lucero, novela del año 1902 del chileno D'Halmar, el burdel es la Casa de Modes, de inspiración y resonancia parisinas, "en la cual parecen replicadas situaciones de otras casas y lugares" de Chile. Este burdel, que opera como una casa de citas bajo la mascarada glamorosa de la Maison de Modes, anticipación del estilo Coco Chanel, el prostíbulo cita y condensa los vicios de otras casas chilenas. Por ejemplo, lo que ocurre detrás de las paredes equívocas de la casa de misiá Loreto Garrido, trotaconventos y cahuinera evocadora de la imagen de la Celestina o los vicios del hogar hipócrita de los Caracuel, cuyo dueño de casa viola y fecunda, para su mal, a la humilde Juana quien, a consecuencia de su preñez, es expulsada como indeseable de la casa familiar.

En Juntacadáveres, novela del año 1964 del uruguayo Onetti, el prostíbulo ya no cita ni condensa los vicios sociales de otras casas hispanoamericanas contiguas, como el Juana Lucero de D'Halmar. El burdel onettiano aspira a fijar un vértigo: quiere concretarse como ese lugar utópico "al cual los hombres acuden para recordar lo que se anheló" (70). Ese lugar pleno, feliz, donde cada hombre podría encontrar su mujer perfecta. Como el falansterio (esa comunidad autónoma de producción y consumo concebida dentro de un sistema socialista), soñado por Fourier y ensayado en la novela por Marcos, el deuteragonista; el prostíbulo concebido y creado por Junta Larsen -el macró protagonista de la novela y apodado Juntacadáveres por reclutar prostitutas tan deterioradas como cadáveres-, su prostíbulo -digo- compite con el falansterio en su intento de crear una unidad social cumplidora de la felicidad humana. Más aún, dentro de su mundo invertido, todo él configurado por antivalores apreciados como positivos, Larsen, el Juntacadáveres, trata de crear un espacio trascendente que nos haga "vivir la ilusión del paraíso perdido [aunque más no fuere] desde la visión de su ruina" (74). El prostíbulo, en Juntacadáveres, no solo desborda de libido la función social del falansterio fouriano sino que también varía perversamente, en su envés profano, la sublimación religiosa de la Iglesia. Aclaro: la celebración del antivalor, tal como lo plasma con fría rabia sedimentada esta novela, es también la cara nostálgica y ardiente con que la sátira lamenta la pérdida irreversible de la utopía. En este sentido, el prostíbulo de Juntacadáveres viene a configurar el envés de una iglesia; motivo por el cual el padre Bergner, párroco del pueblo, se encargará de "poner el cielo ‘al derecho' en Santa Marta" expulsando al macró. Poner el cielo al derecho significa también desengañar a los habitantes del pueblo de las pretensiones salvíficas del burdel, desengañarlos, entre otras, del "engaño del ojo" a que inducen sus inocentes paredes color azul cielo. Cánovas concluye: "Desde esta matriz común el texto genera el burdel, el falansterio y la finca como espacios simétricos" (79) -a los que yo me permito agregar la misma iglesia que figura en la novela.

Volvamos al segundo término de la afirmación epigramática inicial de Cánovas: ¿en qué sentido la literatura, mercancía libidinal como el prostíbulo, es su doble en el ámbito de las imágenes y de la comunicación?

Comencemos recordando algo que por sabido a menudo descuidamos: desde el romanticismo a hoy día entendemos por literatura la expresión de una subjetividad que, al mismo tiempo, representa figurativamente el Zeitgeist de una época y nación. Interpelando al mundo con su escritura, el hombre de letras reencuentra en ella, distorsionados, su rostro y el de su tiempo. Pero también, inversamente, su escritura sintomatiza un elemento fundamental de la modernidad: la desterritorialización de la cultura. Ésta ocurre cuando su escritura crea espacios que comunican deseos privados con tópicos cosmopolitas, valores universales con conflictos locales que los desdicen y resemantizan. En otras palabras, reaparece la vieja querella entre los antiguos y los modernos, entre el casticismo y el europeísmo o el criollismo y las vanguardias. El escritor moderno, especialmente el hispanoamericano, sabiéndose de esta tierra, a menudo encuentra su alma en otra, como si estuviera condenado a buscar en su tierra la otra y, en la otra, la suya -como escribe Octavio Paz.

Dado que no tenemos mucho tiempo, imitemos un gesto escritural frecuente en la escritura epigramática de Cánovas: el cortocircuito enfático. Diría, entonces, que la literatura hispanoamericana reedita el gesto esencial que define a todo contrato prostibulario: el de desear a quien no la desea. En efecto, la literatura hispanoamericana, desde sus márgenes neocoloniales, ha deseado desde lejos y desde siempre la cultura y el glamour (para ella sinónimos) de los centros metropolitanos, recibiendo de vuelta su indiferencia, si no menosprecio, hasta los tiempos recientes del "Boom". Y el "Boom", precisamente, surge como esa instancia híbrida, hecha de procesos contradictorios, por las cuales la literatura hispanoamericana neutraliza la primacía de los centros descubriendo dentro de sí misma la centralidad de sus márgenes. En otras palabras, valora su hibridismo, su haber sido "ni chicha ni limonada" frente al fundamentalismo de cualquier polaridad excluyente: Europa o Tercer Mundo, blancos o indios, izquierdas o derechas, golpistas o golpeados. Como una prostituta, ubicada en los intersticios de los cuerpos sociales (entre los deseos del esposo y el repudio de la familia Caracuel; entre el proyecto utópico de Larsen, hecho de antivalores, y el asco ético del cura; entre las necesidades libidinales de los milicianos en los trópicos y la imposibilidad del ejército de reconocerlos como tales en Pantaleón y las visitadoras), la literatura hispanoamericana contemporánea, de modo abierto y no ya clandestino, se va con los dos términos de la oposición, se va con los golpistas, así como con los golpeados; incluye a los dominantes, así como a los dominados; abraza la norma, así como a su réplica polémica en un solo abrazo fecundo y críticamente gozoso. Nuestra literatura actual aprende el gesto ventrílocuo de hablar desde la zona clandestina, casi siempre oculta, donde la gente reside de modo inestable e inquietante. Esta zona oculta e inestable (a menos que uno se viva como un dogmático irredento) está hecha de la transfugacidad y transferencia de nuestros sentimientos y deseos, los que, incluso, nos llevan desapercibidamente a adoptar maneras, hábitos e ideas de quienes repudiamos o hasta consideramos nuestros enemigos. La prostituta y la literatura encarnan frente a nosotros todo lo que debiendo estar o debiendo haber quedado escondido sale y puede ponerse a circular, amenazadoramente, sacando a luz nuestras desvergüenzas. A esta amenaza alude el conocido dictum nietzscheano: "los hijos son los secretos de los padres". Y que reconocemos en esa situación inquietante en que una hija o hijo se ponen imprudente (o agresivamente) a comentar nuestros dichos íntimos dentro del espacio público de nuestros invitados oficiales. Esta intersección confesional, a contrapelo de nuestros intereses públicos pero catártica para los íntimos, es también prostibularia y literaria, como bien ha sabido sacar partido de ella toda la literatura, desde la Comedia del Arte a la de hoy día. Particularmente la literatura de hoy, aquella que inserta a sus personajes -a nosotros -en una serie multidimensional de realidades discontinuas, haciéndonos sentir traidores inconfesos o macrós fundadores de prostíbulos trascendentes, fundados sobre antivalores que se comunican, subrepticiamente, con el ayuntamiento, con instituciones de ahorro y con la iglesia -como en la novela Juntacadáveres. Ha sido por este gesto-puente, a la vez prostituto y literario, por el cual la literatura hispanoamericana ha entrado exitosamente, de modo paradójico, a la modernidad que la esquivaba.

Bien, este fue mi recorrido comprensivo por el libro Sexualidad y cultura en la novela hispanoamericana. La alegoría del prostíbulo, de Rodrigo Cánovas. Hay otras comprensiones. Para concluir enumero algunas:

	a) el prostíbulo como un lugar heterotópico, "es decir, como un lugar que tiene la virtud de incluir todos los demás espacios recreados por la cultura, de confrontarlos, deformarlos, invertirlos y, finalmente, anularlos" (6);
	b) el prostíbulo como un espejo enrevesado de la nación, donde el erotismo y las uniones y desuniones amorosas tienen un carácter alegórico; en cuanto fundan imaginariamente la nación "resolviendo en este ámbito problemas étnicos, ideológicos, económicos o regionales" (15);
	c) el tránsito desde el prostíbulo de la novela naturalista (Juana Lucero, Santa y Nacha Regules), donde éste constituye contra-relatos de la imagen de una fundación moral sólida de nuestras naciones, al prostíbulo de la novela contemporánea (El lugar sin límites, Juntacadáveres, Pantaleón y las visitadoras, etc.), donde el prostíbulo interroga exclusiones enunciativas que afectan nuestra existencia y su sentido (8);
	d) la interpretación alegórica del prostíbulo donosiano, en El lugar sin límites, como un espacio demoníaco, infierno que es el revés del cielo y de la hacienda, su encarnación telúrica. Dentro de este análisis, me impresionó la sutileza y contundencia con que Cánovas rubrica su interpretación, demostrando la red anagramática que vincula a los nombres de los personajes de la novela: la letra V (de Pancho Vega) reaparece desdoblada e invertida en la letra M (de Manuela, el travesti que lo excita haciéndole ver su homosexualidad latente), así como de EMa (su mujer) y de NorMa (su hija), "instaladas en el cielo talquino". Del mismo modo, la M, patas para arriba, se lee como la W de Wurlitzer (la música celestial). Es decir, las letras duplican las funciones que realizan sus nombres, y los nombres alegorizan el sentido de las acciones que realizan los sujetos que los portan. En suma, Cánovas nos restituye la gramática de la poesía que regula la narrativa de Donoso y, lo mejor, en una prosa epigramática (porque preñada de sentidos múltiples en su brevedad), didáctica (porque nos enseña aprendiendo con nosotros) y familiarmente reflexiva (cuando nos hace descubrir lo extraño en lo cotidiano, a la manera reflexivamente entretenida de una fábula).

Por todo lo anterior, es un libro que puede ser leído con provecho por estudiantes y especialistas, por "moros y por cristianos".

Fuente: http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_isoref&pid=S0718-22952004000100006&lng=es&tlng=es

Presentación libro de Stella Díaz Varin

2011-10-07T11:20:00.001-03:00

Stella Díaz Varin - Fotografía de Memoria Chilena

Invitación
Acuso recibo de esta invitación enviada por la poeta Claudia Curimil:

Hoy a viernes 7 de Octubre se presenta la Obra Reunida de la poeta Stella Díaz Varín (1926-2006) a las 19:30 en la Posada del Corregidor - Esmeralda 756, Santiago Centro.

Programa
“Obra Reunida”, de Stella Díaz Varín

Editorial Cuarto Propio

Posada del Corregidor

Esmeralda 756, Santiago, Chile

Hora de convocatoria: 19:30 hrs.
Hora de término: 22:00 hrs.

Cronograma

19:30 hrs.: Audio con la lectura de 3 poemas con la voz de Stella Díaz Varín

19:45 Bienvenida, presentaciones

21:00 Hrs. Lectura de poemas de “Obra Reunida” con la participación de varios poetas

21:40 Hrs. coctel y cierre

_____________________________________________________

EXCECRACIÓN DE LA MATERIA

Crujiente, errante en medio del camino,

con la cruz abatida de mis brazos

caídos del altar de mi costado.

Sola y herida en medio del camino,

como un roble azotado por la tormenta,

sin la primera posesión del agua,

sin el último beso de la espera.

Sola, como en el páramo,

con la quietud de quien nada desea,

sin la inquietud de tu primer quejido,

viendo de las entrañas de los cardos

salir palomas, penetrar distancias;

viendo la cabalgata silenciosa,

fantasmal de las garzas emigrantes.

Como se desperezan mis serpientes,

Ay, mi selva interior, cómo me llama.

Quiero, aúnque herida y azotada y breve,

un descanso de flores en la cripta

sin el último hedor de una osamenta

y con la fuente abierta del espíritu.

Basta de la materia sin estirpe

que el ídolo de oro, siempre es barro.

Nunca produjo en mi, llanto de histeria

Profundo anhelo ni emoción profunda.

Quiero quedarme así, como fui siempre,

con el delirio de alcanzar la Hostia,

sin la profundidad de mis cavernas

por lo tanto, sin ruidos y sin voces.

Sin la profanación de tu mirada.

que horada vientres desde la distancia

¿Es que tiene sus límites la idea

y el ansia puede conquistar el ansia?

Quiero dejarme estar, aunque me azote

la tempestad de tus orgías, cuántas,

ya no recuerdo cuántas veces fuiste

el despreciado espectro del deseo

en mi sueño, en mis ojos, en mis manos.

Ahora, ya no temo,

tengo de bronce puro mis colinas, y el alma,

con su túnel de misterios donde podría cobijarse tanto

se me ha ido esta noche, al presentirte.

Por último, la roca ¿ no es feliz

en su engranaje solitario y verde,

no la acarician las espumas pálidas

con su lengua infernal de sal y hierro?

Y ella, ¿no está llorando sabias lagrimas?

¿alguien la ha visto darse a las espumas?

Nadie.

DEL PECADO Y SU SIMBOLO

Amor,

Yo he mancillado las entrañas del árbol.

Las golondrinas volaron del alero

hacia extraños veranos.

Amor,

no repitas la plegaria del árbol

ni me digas amante.

El silencio del agua, desde el límite

de tu absurda presencia,

desparramó la ausencia de mis huecas palabras.

Maldigo entre las sombras, el espejo

que copia de mi boca su mueca descarnada,

y el polvo de mis huesos se mece en tus trigales

y de insomnio, ríe el alma.

Si he mancillado el árbol en su efigie

y bebo del licor de la amapola en su cráneo de mieles

si he hundido mi violento meditar inaudito

en el cielo de brumas que me cubre las sienes

si el huerto se estremece de mi propio cadáver

si el fuego me circunda,

si he bebido el venero de mi celeste arteria

¿Qué podría ofrecerte?

Después que fui contigo al Apocalipsis,.

se trastocó de hieles mi copa rebosante,

y después el andar, y el andar y después.

la muerte con su muerte…

No. Ya no podría serte.

¿No ves que la muralla, y el abismo y la hoguera

me separan del alma?

Amor, no repitas la plegaria del árbol

que me quema los ojos una lagrima tuya

y he de vencer la absurda fortaleza del llanto.

Amor,
no repitas la plegaria del árbol

ni me digas amante.

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Nacida en La Serena en 1926, Stella Díaz Varín fue una mujer aguerrida y polémica. En su juventud publicó sus primeros poemas y colaboró con algunos diarios regionales. El 1 de mayo de 1947 llegó a Santiago para estudiar medicina, carrera que no concluyó. En 1949 publicó su primera obra, Razón de mi ser. En 1986 recibió el premio Pedro de Oña por su libro Razones previsibles.

Su última publicación, Stella extragaláctica, recibió el Fondo del Libro en su versión 2006, poco antes de morir.

Diego Rivera

2011-10-02T19:28:00.000-03:00

Autorretrato de Diego Rivera. 1930

Diego Rivera nació en Guanajuato el 8 de diciembre de 1886. A la edad de 11 años entró a la Academia de Bellas Artes. Le interesaron los grabados de Guadalupe Posada, cuyo taller se encontraba frente a la Academia. En 1907 partió para España. Le interesó Goya.

Antes de ser el fundador de una pintura nacional, Diego Rivera fue un curioso de todas las escuelas pictóricas que se arriesgaban por rutas desconocidas a descubrir nuevos continentes artísticos. El aventajado discípulo de la Academia de San Carlos llega a París a vivir con el inquieto grupo cosmopolita, en Montparnasse. Allí le tocó militar en las huestes cubistas que capitaneaba Picasso, del cual fue Diego brazo derecho. En el círculo esotérico del cubismo, Diego participó como uno de sus artífices más inteligentes. Un acontecimiento importante en la formación del pintor mexicano fue el descubrimiento de Cézanne, cuya obra lo impresionó tan fuertemente que cayó enfermo. Otra enseñanza decisiva la obtuvo durante una larga estancia en Italia, el año de 1920, en donde tuvo ocasión de estudiar las relaciones de la pintura con la vida y con otras artes plásticas, arquitectura y escultura.

Desnudo con girasoles. 1946

En conjunto, la pintura de Diego representa una nueva visión de la vida mexicana. La primera obra de Diego fue una pintura mural, a la encáustica, en el Anfiteatro de la Preparatoria. Aunque su estilo recuerda ciertas obras italianas de inspiración bizantina, ya es en su expresión netamente mexicano. La aparición de la obra de Diego fue, entre pintores y “amateurs”, la sensación del año de 1923. Entonces despertó en México el entusiasmo por la pintura mural.

Cuando Diego regresó a su patria, una vez concluido su aprendizaje, descubre un riquísimo material pictórico sin elaborar, como una selva virgen que la mano del hombre no ha cultivado. Al contacto de México, Diego se encuentra a sí mismo. Después de su largo contacto con la tradición pictórica europea y de ensayar los estilos nuevos, su espíritu había madurado y era dueño de su oficio; se sentía ahora capaz de edificar con aquella materia en bruto un nuevo mundo de imágenes.

Fiel al ideal estético de sus comienzos, en la nueva obra incorpora las esencias más sutiles del arte antiguo. En la obra misma hay que admirar la sabiduría con que el artista ha fundido las más selectas formas del clasicismo en los procedimientos actuales, de manera que no existe superposición de elementos, sino la más perfecta unidad de ellos.

Quien haga una atenta revisión de la obra completa de Diego, siguiendo su orden cronológico, advertirá que sus transformaciones obedecen a una lógica estricta. Nada parece casual o improvisado. Se advierte que al pintar los primeros frescos ya el artista tenía preconcebido el plan de toda su obra. Esta constituye, por su contenido, un mundo armónicamente desarrollado. Su consumada sabiduría de pintor es resultado de una milagrosa coincidencia entre el humanismo y el socialismo contemporáneo con el carácter original del pintor en el que predomina un sentido de la forma a la vez clásico y moderno.

Galería de pintores modernos mexicanos, número 1. Fuente: Milenio on line: http://impreso.milenio.com/node/9036030

José Miguel Varas

2011-09-26T11:02:00.002-03:00

Con boleros, folclor y poesía, despiden hoy a José Miguel Varas

Amigos como Joan Jara y Poli Délano, la Fundación Neruda y el PC, participarán en la ceremonia a las 10.30 en la casa Michoacán.

José Miguel Varas (1928-2011)
Premio Nacional de Literatura 2005

Por Gabriela García

A primera vista parecía un hombre serio. Sus cejas arqueadas y su voz ronca y pausada daban esa imagen. Sin embargo, quienes conocieron a José Miguel Varas saben que el escritor siempre tenía un chiste bajo la manga. A lo Buster Keaton. Ese ánimo con el que enfrentó hasta los más duros reveses, como fue su exilio durante el régimen militar ("la beca Pinochet", diría), acompaña ahora a su hija Cristina Varas Largo para despedirlo. "Lo recordaré como un papá divertido. Su risa... es algo que tengo grabada desde chica y que no voy a olvidar nunca. Siempre inventando bromas, siempre haciendo juego de palabras y chistes espontáneos", dice.

De ese espíritu estará teñida también la ceremonia que se realizará hoy a las 10.30 en la casa Michoacán de La Reina. Allí, el escritor es velado desde el sábado junto a sus libros y los audios de Radio Moscú, estación donde Varas condujo el programa Escucha Chile por 15 años. "Hemos querido que en este último adiós estén representados todos los intereses de mi papá. Sus amigos y su relación con los derechos humanos a través de las palabras de Joan Jara. Ellos se conocían de jóvenes, porque Patricio Bunster (primer marido de Jara) fue compañero de él en el Instituto Nacional", cuenta Cristina, quien vivió su infancia en Moscú.

En representación de los amigos estará el escritor Poli Délano. "Trataré de esbozar cómo nos conocimos y cómo fue nuestra amistad. Decir que, sobre todo, lo recordaré como un buen hombre, consecuente, con una dignidad profunda, y también como un escritor que persistió hasta el final", afirma.

Risas y lágrimas

En la ceremonia previa al funeral participarán también la Sociedad de Escritores de Chile, la Fundación Neruda, el Colegio de Periodistas, los familiares de detenidos desaparecidos y el Partido Comunista. Además, habrá música con Rebeca Godoy, quien entonará boleros y canciones de Violeta Parra, y Roberto Márquez, del grupo Illapu.

Los homenajes continuarán en el Parque del Recuerdo, en Huechuraba, hasta donde el cortejo se trasladará a eso de las 11.40. Allá, la periodista Mónica González y el arquitecto Miguel Lawner hablarán de su trabajo en medios como El Siglo y Revista Araucaria. A su vez, Paulo Slachevsky, director del sello Lom, se referirá a la relación de Varas con el mundo editorial. Para el cierre, el cantautor Manuel García entonará su canción El viejo comunista. "Desde que mi papá murió, he sido testigo de un desfile impresionante de gente. Su ataúd está florido porque el apoyo ha sido muy transversal. Personas de todos los colores y edades, demuestran lo amplio que era como ser humano", agrega Cristina Varas.

La sencillez es otra de las virtudes que destacaban al autor de Exclusivo. El escritor prefería los asados, el vodka y la conversación con amigos, antes que las entrevistas, las que aumentaron con la entrega del Premio Nacional en 2006. "No quiero ser un escritor oficial, mi apuesta es hacer una literatura accesible y cercana", decía. Esa es la labor que continuará su hija Cristina en la próxima Feria del Libro, cuando presente Debo decir sucede, el último libro de su padre que el sello Catalonia editó. "Es una recopilación de sus crónicas que lo tenía muy entusiasmado, así que la idea es mantener el lanzamiento, pero ahora como homenaje póstumo", explica Arturo Infante, director de la editorial.

Fuente: latercera.com

Picasso: La acróbata de la bola

2011-09-19T17:06:00.001-03:00

El Museo del Prado acoge desde hoy, y hasta el 18 de diciembre, La acróbata de la bola de Picasso, un óleo sobre lienzo de 147 x 95 cm, procedente del Museo Pushkin de Moscú (Rusia), considerado una obra clave del periodo rosa (1904-1905) del genio malagueño.

Esta pintura, adquirida por la escritora y coleccionista norteamericana Gertrude Stein, pasó a la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, quien en 1913 la vendió al coleccionista ruso Ivan Morozov. Tras la Revolución, la colección Morozov pasó a formar parte de las colecciones estatales distribuyéndose mayoritariamente entre los dos grandes museos públicos rusos: el Pushkin de Moscú, que gracias a esta adscripción ingresó esta obra de Picasso en sus colecciones, entre otras, en 1948; y el Hermitage de San Petersburgo, de cuyas obras procedentes de la importante colección Morozov habrá también significativos ejemplos en la exposición El Hermitage en el Prado, que al inaugurarse el próximo mes de noviembre dará lugar al reencuentro temporal en Madrid de estas pinturas con la obra procedente de Moscú.

Renovación de la pintura

Dada la relevancia de La acróbata de la bola para el Pushkin, para el que en opinión de su directora Irina Antónova “Picasso no es sólo un pintor” para su país “sino un reformador, la figura en torno a la que se concentró ese paso grandioso y dramático, la transición radical que representó la Vanguardia protagonizada en Rusia por figuras tan importantes como Malevich y Kandinsky”, la obra únicamente ha sido prestada por el museo ruso en cuatro ocasiones, siempre con motivo de grandes exposiciones internacionales siendo las más recientes las dedicadas al artista en la Tate Gallery de Londres en 1960 y la gran antológica inaugurada con motivo del 90 aniversario de Picasso en el Museo del Louvre de París en 1971.

Sobre la importancia de Picasso para Rusia, destaca también la gran sensación que causó la primera exposición que se le dedicó en este país en 1956, con obras enviadas por el propio Picasso y por el escritor ruso Iliá Erenburg, amigo personal del artista. Para Irina Antónova, esta exposición supuso la definitiva consagración de un artista hasta entonces bastante controvertido para los rusos como un “pintor brillante”.

Desde 1904, Picasso visitaba a menudo el Circo Medrano, instalado cerca del estudio que el artista tenía en el Bateau-Lavoir, en Montmartre. La afición al circo se había desarrollado ya entre los pintores impresionistas atraídos por su luz y su movimiento. Sin embargo, la aproximación de Picasso tiene un carácter más universal y profundo. A través de las simbólicas figuras del circo, el pintor realizó una reflexión sobre la vida del artista y la vinculó a su investigación sobre los problemas fundamentales de la pintura. Las dos figuras principales de esta obra revelan los polos del arte de Picasso, la creatividad y la fantasía, por un lado, y la seriedad y el rigor, por otro. La acróbata sobre la bola, presente también en otra pintura importante de ese momento, Los saltimbanquis (The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection), muestra el temperamento de juego propio del artista. Su amigo íntimo, el escritor Guillaume Apollinaire, la interpretó en términos de una danza estelar, alusiva a la radiante armonía del cosmos

La búsqueda de un estilo

Tras la intensa y melancólica expresividad de su época azul, en esta nueva etapa, desarrollada en París en 1905, Picasso indagó de un modo esencial sobre los aspectos más plásticos de la pintura: el dibujo, conciso y enérgico; la forma, cerrada y perfecta; y el volumen, muy marcado. Su búsqueda se orientó así hacia un rumbo muy distinto al de los jóvenes artistas franceses, fascinados por el colorido violento del fauvisme.

El artista malagueño, necesitado por entonces de materiales, reutilizó uno de sus lienzos grandes en el que había pintado un retrato del pintor Francisco Iturrino (1864-1924), del que existe testimonio fotográfico y radiográfico, y que se había expuesto en 1901 en la galería Ambroise Vollard, en París, durante la primera muestra de Picasso, que compartió con el propio Iturrino.

La composición de La acróbata de la bola, que estudió en varios dibujos preparatorios, revela un cuidado equilibrio entre la ligereza de la acróbata y el peso del atleta. La esfera y el cubo en los que, respectivamente, se apoyan, realzan aquellas cualidades y el consiguiente contraste entre ambas figuras. Por otra parte, son sólidos geométricos asociados desde antiguo, en la tradición platónica, a las características de perfección y estabilidad. Además, la muchacha aparece pintada casi en dos dimensiones, lo que resalta su ingravidez frente al volumen, modelado por las gradaciones de luz y sombra, del hombre. El color, con calidades de pintura mural en una gama restringida de rosas y ocres, y el depurado paisaje del fondo, que se ha relacionado con los de la infancia malagueña del artista, contribuyen de modo decisivo a la esencialidad de la obra.

Madrid. La obra invitada: La acróbata de la bola de Picasso. Museo del Prado.

Fuente: www.analitica.com

Lluvia de primavera

2011-09-11T21:03:00.004-03:00

Imagen adaptada de una fotografía de
Antonio J. Pizarro Méndez

Levemente nostálgica

levemente graciosa

lluvia breve

envolvente

los pájaros

a sus refugios tropicales

y yo

a mis sutilezas.

Liturgia

2011-09-04T22:46:00.003-03:00

Alzado el cáliz

el vitral se enciende

en el templo

las miradas sumisas buscan

lo terrestre

miro al cielo

como si nada

Reedición del libro: ARTE DE PÁJAROS

2011-08-31T12:08:00.001-03:00

En el auditorio de Codelco Chile en Santiago, fue presentada ayer la reedición del libro ARTE DE PÁJAROS, este acto contó con la presencia de Óscar Hahn, Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda 2011, Rodolfo Reyes, sobrino de Neruda, Bernardo Reyes, escritor y sobrino nieto del Premio Nobel de Literatura además de Juan José Fernández Reguera Presidente de Editorial Losada.

El libro fue publicado en Chile en 1966, por la Sociedad de Amigos del Arte Contemporáneo, en una edición limitada fuera de comercio. En 1973 fue impreso en Argentina por Editorial Losada y hoy se reedita en una versión idéntica a la original en formato de lujo ($35.000)

“Arte de pájaros” es un libro en formato grande, con ilustraciones únicas de dos pintores amigos de Pablo Neruda, Julio Escámez y Héctor Herrera. En él se presentan dos secciones de poemas: Pajarintos, que hace referencia aves reales, y Pajarantes, aves ficticias, fruto de la imaginación de Neruda.

El lanzamiento contó con una presentación musical alusiva a la obra de Pablo Neruda, a cargo del Coro de Cámara de Codelco que dirige Mauricio Cortés López.

Canto del macho anciano - Pablo de Rokha

2011-08-28T17:11:00.002-03:00

Pablo de Rokha

Canto del macho anciano

Sentado a la sombra inmortal de un sepulcro,

o enarbolando el gran anillo matrimonial herido a la manera de palomas

............... que se deshojan como congojas,

escarbo los últimos atardeceres.

Como quien arroja un libro de botellas tristes a la Mar-Océano

o una enorme piedra de humo echando sin embargo espanto a los acantilados

............... de la historia

o acaso un pájaro muerto que gotea llanto,

voy lanzando los peñascos inexorables del pretérito

contra la muralla negra.

Y como ya todo es inútil,

como los candados del infinito crujen en goznes mohosos,

su actitud llena la tierra de lamentos.

Escucho el regimiento de esqueletos del gran crepúsculo,

del gran crepúsculo cardíaco o demoníaco, maníaco de los enfurecidos ancianos,

la trompeta acusatoria de la desgracia acumulada,

el arriarse descomunal de todas las banderas, el ámbito terriblemente pálido

de los fusilamientos, la angustia

del soldado que agoniza entre tizanas y frazadas, a quinientas leguas abiertas

del campo de batalla, y sollozo como un pabellón antiguo.

Hay lágrimas de hierro amontonadas, pero

por adentro del invierno se levanta el hongo infernal del cataclismo personal,

............... y catástrofes de ciudades

que murieron y son polvo remoto, aúllan.

Ha llegado la hora vestida de pánico

en la cual todas las vidas carecen de sentido, carecen de destino, carecen de

estilo y de espada,

carecen de dirección, de voz, carecen

de todo lo rojo y terrible de las empresas o las epopeyas o las vivencias ecuménicas,

que justificarán la existencia como peligro y como suicidio; un mito enorme,

equivocado, rupestre, de rumiante

fue el existir; y restan las chaquetas solas del ágape inexorable, las risas caídas

y el arrepentimiento invernal de los excesos,

en aquel entonces antiquísimo con rasgos de santo y de demonio,

cuando yo era hermoso como un toro negro y tenía las mujeres que quería

y un revólver de hombre a la cintura.

Fallan las glándulas

y el varón genital intimidado por el yo rabioso, se recoge a la medida del abatimiento

............... o atardeciendo

araña la perdida felicidad en los escombros;

el amor nos agarró y nos estrujó como a limones desesperados;

yo ando lamiendo su ternura,

pero ella se diluye en la eternidad, se confunde en la eternidad, se destruye en

............... la eternidad y aunque existo porque batallo y 'mi poesia es mi

............... militancia',

todo lo eterno me rodea amenazándome y gritando desde la otra orilla.

Busco los musgos, las cosas usadas y estupefactas,

lo postpretérito y difícil, arado de pasado e infinitamente de olvido, polvoso

y mohoso como las panoplias de antaño, como las familias de antaño

                como las monedas de antaño,

con el resplandor de los ataúdes enfurecidos,

el gigante relincho de los sombreros muertos, o aquello únicamente aquello

que se está cayendo en las formas,

el yo público, la figura atronadora del ser

que se ahoga contradiciéndose.

Ahora la hembra domina, envenenada,

y el vino se burla de nosotros como un cómplice de nosotros, emborrachándonos,

...............cuando nos llevamos la copa a la boca dolorosa,

acorralándonos y aculatándonos contra nosotros mismos como mitos.

Estamos muy cansados de escribir universos sobre universos

y la inmortalidad que otrora tanto amaba el corazón adolescente, se arrastra

como una pobre puta envejeciendo;

sabemos que podemos escalar todas las montañas de la literatura como en la

                    juventud heroica, que nos aguanta el ánimo

el coraje suicida de los temerarios, y sin embargo yo,

definitivamente viudo, definitivamente solo, definitivamente viejo, y apuñalado

de padecimientos,

ejecutando la hazaña desesperada de sobrepujarme,

el autorretrato de todo lo heroico de la sociedad y la naturaleza me abruma;

¿qué les sucede a los ancianos con su propia ex-combatiente sombra?

se confunden con ella ardiendo y son fuego rugiendo sueño de sombra hecho de sombra,

lo sombrío definitivo y un ataúd que anda llorando sombra contra sombra.

Viviendo del recuerdo, amamantándome

del recuerdo, el recuerdo me envuelve y al retornar a la gran soledad de la adolescencia,

padre y abuelo, padre de innumerables familias,

rasguño los rescoldos, y la ceniza helada agranda la desesperación

en la que todos están muertos entre muertos,

y la más amada de las mujeres, retumba en la tumba de truenos y héroes

labrada con palancas universales o como bramando.

¿En qué bosques de fusiles nos esconderemos de aquestos pellejos ardiendo?

porque es terrible el seguirse a sí mismo cuando lo hicimos todo, lo quisimos

                todo, lo pudimos todo y se nos quebraron las manos,

las manos y los dientes mordiendo hierro con fuego;

y ahora como se desciende terriblemente de lo cuotidiano a lo infinito, ataúd por ataúd,

desbarrancándonos como peñascos o como caballos mundo abajo,

vamos con extraños, paso a paso y tranco a tranco midiendo el derrumbamiento general,

calculándolo, a la sordina,

y de ahí entonces la prudencia que es la derrota de la ancianidad;

vacías restan las botellas,

gastados los zapatos y desaparecidos los amigos más queridos, nuestro viejo tiempo, la época

y tu, Winétt, colosal e inexorable.

Todas las cosas van siguiendo mis pisadas, ladrando desesperadamente,

como un acompañamiento fúnebre, mordiendo el siniestro funeral del mundo,

............. como el entierro nacional

de las edades, y yo voy muerto andando.

Infinitamente cansado, desengañado, errado,

con la sensación categórica de haberme equivocado en lo ejecutado o desperdiciado

              o abandonado o atropellado al avatar del destino

en la inutilidad de existir y su gran carrera despedazada;

comprendo y admiro a los líderes,

pero soy el coordinador de la angustia del universo, el suicida que apostó su destino

                a la baraja

de la expresionalidad y lo ganó perdiendo el derecho a perderlo,

el hombre que rompe su época y arrasándola, le da categoría y régimen,

pero queda hecho pedazos y a la expectativa;

rompiente de jubilaciones, ariete y símbolo de piedra,

anhelo ya la antigua plaza de provincia

y la discusión con los pájaros, el vagabundaje y la retreta apolillada en los extramuros.

Está lloviendo, está lloviendo, está lloviendo,

¡ojalá siempre esté lloviendo, esté lloviendo siempre y el vendaval desenfrenado

              que yo soy íntegro, se asocie

a la personalidad popular del huracán!

A la manera de la estación de ferrocarriles,

mi situación está poblada de adioses y de ausencia, una gran lágrima enfurecida

derrama tiempo con sueño y águilas tristes;

cae la tarde en la literatura y no hicimos lo que pudimos,

cuando hicimos lo que quisimos con nuestro pellejo.

El aventurero de los océanos deshabitados,

el descubridor, el conquistador, el gobernador de naciones y el fundador de

..............ciudades tentaculares,

como un gran capitán frustrado,

rememorando lo soñado como errado y vil o trocando en el escarnio celestial del vocabulario

espadas por poemas, entregó la cuchilla rota del canto

al soñador que arrastraría adentro del pecho universal muerto, el cadáver de

             un conductor de pueblos,

con su bastón de mariscal tronchado y echando llamas.

Canto del macho anciano - 1961

Pablo de Rokha
Chile 17 de octubre de 1894 - 10 de septiembre de 1968

Aristóteles España - adiós poeta

2011-08-06T21:15:00.003-03:00

Aristóteles España

Avenida de la hembra

Siempre quisimos velocidad antes que delirio,

la única soledad era ésa y la hembra

que cruzó la estación por su nombre después;

en las proximidades de la guerra,

con parlantes que anunciaban

la llegada de más aviones

y muchas luces como en nuestra casa,

cánticos de embarcaciones perdidas;

con la hembra desnuda en la razón,

cotidianamente bella,

y los duros señores que miraban

los mapas internos:

y angustias, siempre esta última se impone

en el sueño de la calle;

la pesadilla de la hembra: axila y axila,

con nunca, con adiós en la avenida One.

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Detalles de la decadencia

Es el tiempo de los espejos que caminan,

de los señores feudales y los perros feudales,

el tiempo de la miseria individualista:

es el tiempo de las utopías escondidas en el armario,

de los objetos laicos sin pintura,

de calendarios que tienen color negro;

el tiempo de los pastores sin rebaños,

el de las tribus europeas con propaganda de jabón,

el tiempo de todo para mi, todo para mi, claro;

el tiempo de los ejércitos sin hipótesis ni balas,

el tiempo de los felices sin anestesia,

el tiempo de poemas para enfermos de amor;

es el tiempo de hojas que se pudren en casa,

el de mucha espera en las bibliotecas y bares,

el de reencuentros sin objetivos ni pasiones;

el tiempo de los grupos cerrados y las hormigas,

el de los apóstoles y héroes que no leen ni beben,

el de los Cristos hechos a la medida del paciente.

-----------------------------------------------------------------

del Poemario La entera noche llena

Ediciones La pata de liebre

1° Edición: septiembre de 2005

Biografía de Aristóteles España:

http://paginadearistotelesespana.blogspot.com/p/biografia.html

Castro, Chile, 05 de octubre de 1955 – Valparaíso, 5 de agosto 2011

OBRAS

- La Guitarra de mis sueños, Poesía (1975).
- Incendio en el silencio, Poesía (1978).
- Equilibrios en Incomunicaciones, Poesía (1980).
- Dawson, Poesía. 7 Ediciones(1985).
- Contra la corriente, Poesía (1989).
- El Sur de la Memoria, Poesía (1992).
- Fuera de la Fiesta (Antología; poetas de la Universidad de Magallanes) 1992.
- Antena Parabólica (Antología de poetas jóvenes de la Patagonia), 1993
- Los Pájaros de Post-Guerra, Poesía,(1994)
- Poesía Chilena, La Generación NN (1973-1990), Antología, 1994.
- Tardes Extranjeras, Poesía (1998)
- Materia de Eliminación, Poesía (1998),( Segunda Edición, 2002)
- La Entera Noche Llena, Poesía (2005)
-La Facultad Poética del Mundo Interior, Poesía, 2010
-Mariposa Uruguaya, Poesía, 2010

PREMIOS

- Premio "Gabriela Mistral", Municipalidad de Santiago, 1983.
- Premio "Rubén Darío", del Ministerio de Cultura de Nicaragua, 1985.
- Premio de Poesía de la Municipalidad de San Felipe, 1998.
- Premio "Alerce", Sociedad de Escritores de Chile, Consejo Nacional del Libro y la Lectura, 1998.
- Premio "Juegos Literarios Gabriela Mistral", Municipalidad de Vicuña, 2005.
- Premio de Literatura "Erasmo Bernales", Municipio de Chañaral, 2005.

MENCIONES EN ALGUNAS ANTOLOGIAS

1. Poesía Chilena Contemporánea, Roque Esteban Scarpa, Juan Antonio Massone, Miguel Arreche, Editorial Andrés Bello, Santiago, 1982.
2. Poetas Jóvenes de Chile, Esteban Navarro Editor, Ediciones de la Vicaría de la Vicaría de la Solidaridad, Santiago, 1983.
3. Poets of Chili (1965-1985), Steven White, Unicorn Press, USA, 1986.
4. Poesía en Chile, Ediciones Diario de Poesía, Compiladores Diana Bellesi y Daniel Freindenberg, Buenos Aires, 1988.
5. Poesía Escrita en las Cárceles de Chile, Pablo Varas, Cesoc Ediciones, Santiago, 1992.
6. Poesía Chilena, La Generación NN (1973 . 1990), Ediciones La Pata de Liebre, Santiago, 1993.
7. Juntémonos en Chile, Antología de Poetas Chilenos, Ediciones del Primer Encuentro Latinoamericano de Escritores, Santiago, 1993.
8. En El Ojo del Huracán, Poesía Chilena Nueva, Manuel Alcides Jofré, Santiago, 1994.
9. 14 Poetas Chilenos, Bruno Serrano, Heddy Navarro, Editorial Fértil Provincia, Santiago, 1994.
10. Antología In-Surgente, Poesía de Magallanes, Pavel Oyarzún, Juan Magal, Punta Arenas, 1998.
11. Antología del Grupo "Aumen" de Chiloé, Carlos Alberto Trujillo, Santiago, 1999.
12. Los Poetas y el General, Voces de Oposición en Chile bajo Augusto Pinochet (1973 . 1989), de Eva Goldschmidt Wyman, Lom Ediciones, Santiago,2002.

DIRECCION DE REVISTAS LITERARIAS

13. Revista de Poesía "La Gota Pura", junto a Ramón Díaz Eterovic, Santiago,1981.
14. Revista "Avance para Magallanes", Punta Arenas, 1992 . 1993.
15. Revista de Cultura "La Pata de Liebre", Santiago, 1986 - 2010
16. Versión actual en Internet: www.lapatadeliebre.cl
17. Blog: “www.aristotelesespana.blogspot.com”

DIRECCION DE TALLERES DE LITERATURA

18. Sociedad de Escritores de Chile, 1986
19. Municipalidad de San Miguel, 1986
20. Universidad de Buenos Aires, 1989
21. Universidad de Magallanes, 1992 . 1993
22. Centro Cultural Municipalidad de Castro, 1998
23. Universidad Arturo Prat, Calama 2002-2004

PARTICIPACION EN ALGUNOS ENCUENTROS INTERNACIONALES DE LITERATURA

- Universidad de York, Toronto, Canadá, 1985
- Universidad de Montreal, Canadá, 1986.
- Universidad de La Habana, Cuba, 1987.
- Universidad Mayor de San Andrés, La Paz, Bolivia, 1987.
- Universidad Autónoma de México, 1988.
- Universidad Nacional de Montevideo, Uruguay, 1988.
- Encuentros Latinoamericanos de Poetas, Universidad de Buenos Aires, Revista Ultimo Reino, Centro Cultural Liber - Arte, Buenos Aires, 1988, 1989.
- Juntémonos en Chile, Universidad de Santiago, 1990
- Encuentro de Escritores Latinoamericanos, México, 1991
Y otros eventos internaciones en América y Europa

CARGOS GREMIALES

- Director de la Sociedad de Escritores de Chile, 1986
- Vicepresidente de la Sociedad de Escritores de Chile 2006 . 2008

ESTUDIOS

24. Licenciatura en Ciencias Políticas y Comunicaciones, Universidad de Buenos Aires, 1987 -1991.
25. Licenciatura en Derechos Humanos, Instituto Argentino por los Derechos del Hombres, 1988 . 1991.
26. Guión Cinematográfico, Universidad de Buenos Aires, 1989 . 1991.
27. Licenciatura y Magister en Comunicación Social, Universidad UNIACC; Santiago, 2009.

CORRER EL TUPIDO VELO - La vida de José Donoso

2011-07-19T19:42:00.013-03:00

Libro recomendado.

2009 - Pilar Donoso
Alfaguara - Aguilar Chilena de Ediciones S.A.

Correr el tupido velo,
un libro sobre la vida del gran escritor chileno José Donoso escrito por su hija Pilar.

por Jorge Edwards

El libro de Pilar Donoso sobre su padre adoptivo, el novelista José Donoso, Correr el tupido velo, es duro, severo, por momentos patético, muchas veces apasionante, revelador en casi todas sus páginas. Su lectura es fascinante para novelistas, hombres de letras, artistas de cualquier parte: para todos los que quieren asomarse a los misterios –gozosos y dolorosos– de la creación literaria. José Donoso, el autor de El obsceno pájaro de la noche, de El lugar sin límites, de El jardín de al lado, entre muchos otros clásicos de la literatura contemporánea en lengua española, es un caso extremo, dramático, de ribetes personales que pueden resultar insoportables, pero nos concierne a todos. Es un espejo deformado y una posibilidad de vida de cualquier artista o aspirante a artista. Claro está, nuestros mundos latinoamericanos pequeños, arrinconados, destructivos y autodestructivos, constituyen un punto de partida difícil, y son, a su modo, para bien y más que nada para mal, un destino que no podemos eludir. Donoso vivió el problema con intensidad desgarradora, con una mezcla sorprendente de sabiduría y de ingenuidad, y arrastró en eso a todo su núcleo familiar. El libro de Pilar, su hija adoptiva, es una confesión, un documento, una bitácora excepcional: diario de viaje y diario de vida, examen y autoexamen.

En Correr el tupido velo la autora, que no es escritora profesional, usa con habilidad, con buen sentido de la medida y del ritmo, tres elementos centrales y complementarios: sus propias observaciones, recuerdos, reflexiones; los voluminosos diarios íntimos, apuntes y cartas de su padre; las cartas y notas autobiográficas de su madre adoptiva, María del Pilar Donoso. Desde luego, la obra narrativa y los ensayos y crónicas del novelista, el absorbente jefe de la familia, también forman parte del conjunto, pero entran al texto, por así decirlo, de un modo menos inmediato, como una referencia más bien lejana. Esto tiene una explicación: Pilar leyó la obra de su padre muy tarde y después de su muerte. Antes estuvo distanciada, bloqueada, abiertamente incómoda: uno adivina en diversos episodios que el gran rival, el enemigo potencial de las dos mujeres, la madre y la hija, era la obra del dueño de casa. El trabajo exigía, devoraba, se imponía sobre todo el resto, determinaba horas, salidas, viajes intempestivos, visitas impertinentes, y las dos mujeres de la familia sufrían las consecuencias. Era una situación reiterada, agobiadora, en cierto modo teatral, y ninguno de los tres personajes, desde la perspectiva de un triángulo de teatro, tenía desperdicio.

Hay que reconocer que Pilar Donoso aplicó a estos factores triangulares un manejo dramático incesante. Lo que ocurría, claro está, es que la tensión, las emociones al rojo vivo, en las residencias cambiantes del novelista, en sus diferentes y a menudo sorprendentes escenarios, no decaían nunca. No había que engañarse: ningún cambio de domicilio, ninguna ambientación nueva, podían ser definitivos. En el libro domina una sensación de permanente huida, de inadaptación progresiva y que siempre termina por volverse radical. Si creemos que los tres personajes, por fin, van a descansar, y que así vamos a descansar nosotros, nos equivocamos. Es una historia de ilusiones, de imaginaciones febriles, que tocan de cerca el delirio, y de decepciones. Todo termina y todo recomienza. Vemos al novelista en el proceso apasionado, algo enfermizo, de construir sus casas, sus interiores, sus jardines, y de reconstruirlos después en otra parte. Si toda novela es una arquitectura y todo relato breve una construcción en miniatura, en este libro vemos al novelista en una incansable tarea paralela de creación de interiores, de distribución de colores en un jardín, de elección de telas, estanterías, alfombras, vajillas. El único caso comparable que he conocido en mi vida, por lo menos entre escritores, es el de Pablo Neruda: Neruda llegaba a residir en un lugar y sentía la necesidad imperiosa de transformarlo, de adaptarlo a su estilo. Cuando tuvo que instalarse en el segundo piso de la mansión de la avenida de la Motte-Picquet, la embajada de Chile en París, no descansó hasta que las paredes decimonónicas adquirieron un aire de feria mexicana, de cachureo santiaguino, de juguetería de país de la imaginación. José Donoso era más clásico; a su modo, más exigente. Pero he conocido, desde luego, escritores indiferentes al ambiente, o capaces de convertir cualquier ambiente en acumulación heterogénea, indescriptible.

En muchos pasajes del libro Pilar Donoso nos entrega secretos interesantes, a menudo sorprendentes, de la cocina literaria de su padre. Nos cuenta cómo diseña a cada personaje, cómo concibe las situaciones y las desarrolla, cómo estructura cada texto en su comienzo, su mitad y su final. En esta línea, lo que más me interesó es la descripción de los hechos reales que llevaron a la escritura de “Los habitantes de una ruina inconclusa”, para mi gusto, uno de sus relatos breves más enigmáticos, más sugerentes. Parece que frente a su casa de la calle Galvarino Gallardo, la de su etapa final y probablemente más larga, la del regreso definitivo a Santiago, la ciudad de su nacimiento, había una casa de familia rica donde vivía un pariente canónigo. Como el canónigo se dedicaba a repartir donaciones en comida, en ropa usada, en pequeñas cantidades de dinero, la vereda pronto se vio invadida por los mendigos y los miserables del barrio. Uno podría sostener que se produjo, de manera espontánea, una proliferación donosiana, un crecimiento barroco, una corte de los milagros. En sus años finales el novelista tenía afición a las actitudes magisteriales o patriarcales, una tendencia a la gerontofilia, como me gustaba decirle. Pero esto no excluía su fijación anterior, obsesiva, en los seres de la noche, de las catacumbas. El clochard, el desharrapado, el sin casa, el recolector de basura o de cartones, era uno de los personajes recurrentes de sus galerías ficticias. El detalle de los mendigos de la vereda del frente de la casa de Galvarino Gallardo, que el novelista observaba con intensidad, con fijeza, tuvo un día un agregado mágico. Un atardecer salió con María Pilar a pasear el perro (el infaltable perro de la vida y de las novelas), y encontraron en la calle a un sujeto joven, alto, desgarbado, pálido, de mochila en la espalda, que les dirigió una mirada profunda, que retrocedió y en seguida los sobrepasó. Llegaron a la esquina y el joven estaba parado en el recodo, confundido con unas enredaderas. Pepe se acercó a preguntarle qué buscaba y tuvo la inmediata impresión de que el otro no entendía el castellano. Le habló en inglés y el de la mochila tampoco entendía. Pero el joven dijo, de repente, telephone. Lo llevaron entonces a la casa y le prestaron el teléfono. El sujeto marcó unos números y consiguió entrar en una agitada conversación en una lengua incomprensible.

Otro elemento que sirvió para desencadenar el relato era un libro de antiguas fotografías rusas que se encontraba en la biblioteca, detalle no extraño en un aficionado a la fotografía y a la literatura rusa del siglo XIX y comienzos del XX. Y otro, quizá decisivo: la estructura fantasmagórica de un edificio sin terminar, de obras paralizadas, una especie de ruina inconclusa, que el escritor miraba todo el día desde su estudio en un tercer piso. Todos estos elementos, donde hay una mezcla de

cercanía y a la vez de distancia, de algo incomprensible, se combinaron en el relato. El texto tiene un crecimiento gradual, un planteamiento disperso, un desarrollo y un desenlace a gran orquesta, en que los cabos aparentemente sueltos confluyen. En una parte, la voz narrativa relaciona a los caminantes rusos de la época de los zares con el joven desgarbado, cargado siempre con una mochila, y dice que vivían en la orilla misma del no vivir, pensamiento que Pilar considera clave en la obra de su padre, y estoy enteramente de acuerdo con ella. Donoso aspiró siempre a tener una casa hermosa, a rodearse de gente educada, refinada, de buenos libros, de objetos y cuadros de calidad estética, y uno siente aquí que lo consiguió a medias, con gran esfuerzo y, por encima de todo, con ansiedad, con angustia, con miedo permanente a perderlo. Uno puede pensar, desde lejos, que eran ansiedades perfectamente innecesarias, fantasmas mentales, más que cualquier otra cosa, pero ¿cómo liberarse? Si hubiera tenido más dinero, ¿se habría sentido más seguro, más tranquilo, más confiado? Es imposible saberlo, y queda en pie una gran pregunta: si hubiera tenido más seguridad en todo orden de cosas, ¿habría escrito mejor?

La conversación literaria con Pepe Donoso, que a menudo se iniciaba por teléfono en horas tempranas, era siempre estimulante, incitante, movilizadora. La curiosidad despertaba y uno corría a buscar libros, a escuchar determinadas obras musicales, a ver películas. Era más bien indiferente a la literatura española –no recuerdo que haya citado nunca el Quijote o a los grandes poetas del Siglo de Oro–, pero leía con apasionado fervor las literaturas inglesa, norteamericana, francesa, rusa. Una de sus novelas favoritas era Ana Karenina, de León Tolstói, y descubro en este libro que durante un viaje a Rusia visitó la finca y la tumba del autor en Yasnaia Poliana. Releía con frecuencia a Marcel Proust y era proclive a comparar a seres chilenos reales con personajes de la Recherche, lo cual se podía convertir con facilidad en un ejercicio malicioso y hasta insidioso, ya que el tema de la homosexualidad de algunos conocidos suyos entraba en juego. Eso le dio materia para un cuento de gente como Charles Swann, Odette de Crécy o el barón de Charlus, reunida en tugurios y salones santiaguinos de los años cincuenta. Al final de su vida era un gran aficionado a las biografías literarias, y eso le permitía hablar con una curiosa familiaridad de autores como Henry James, León Tolstói, Iván Turgueniev, Lord Byron o el propio Proust. Estaba, a su modo, en un interminable diálogo con escritores como ellos. Sus descubrimientos y redescubrimientos eran entusiastas y provocaban conversaciones, comentarios, que duraban días y semanas. Le gustaba estudiar la vejez de los artistas célebres, y parecía que eso le daba fuerzas para trabajar y no deprimirse en su edad avanzada. En sus últimos años descubrió con sorpresa ingenua Rayuela, de Julio Cortázar, que por algún motivo no había leído en la época de su salida. Su entusiasmo se parecía al de los que leímos la novela en el tiempo de su aparición, a fines de la década de los sesenta. Algunos habíamos perdido ese entusiasmo, al menos en parte, y él, con sus ojos azules, brillantes, lo resucitaba.

En un prólogo reciente a sus Poemas de un novelista hablé de la relación más bien intermitente, espaciada, contradictoria, de Donoso con la poesía. Pilar entrega algunos datos adicionales, sobre todo en lo que se refiere a poetas inglesas y a Rainer Maria Rilke. Creía que los grandes escenarios eran apropiados para la novela, no para la poesía, y por eso desconfiaba de la obra de John Milton. No estoy en absoluto de acuerdo, pero ahora pienso que hablamos poco de poesía y que nunca discutimos este punto. Sin escenarios vastos, cósmicos, de pura y desatada imaginación, no podría existir La Divina Comedia. Y declaró que durante algún tiempo se había aburrido con Rimbaud, cosa que me parece sorprendente. No creo que exista en la historia de la literatura un poeta menos aburrido que Jean-Arthur Rimbaud. Pero los juicios críticos de los escritores son casi siempre arbitrarios, parciales, adaptados a las necesidades de su propia obra.

En resumen, José Donoso era un lector nato que nunca en su larga vida perdió la curiosidad y dejó de leer, fenómeno que suele ocurrirle a otra gente del oficio, y fue un escritor literario por los cuatro costados. Tenía toda clase de aristas, obsesiones, paranoias, pero, al menos en mi experiencia personal, pienso que lo salvaba un gran sentido del humor. En 1962, cuando él estaba recién casado y yo partía con mi mujer a Francia, con un flamante nombramiento de secretario de embajada, me dio una cena de despedida. Al final de la reunión, entre risas y copas, me dijo lo siguiente: “Ahora te vas a París, vas a pasarlo formidablemente bien y no vas a escribir una sola línea más.” Parecía muy contento con esta perspectiva. Me dio un par de cartas de presentación, una de ellas a un ex compañero de la Universidad de Princeton, Aymé de Viry. En las elegantes fiestas de Aymé en un segundo piso del séptimo distrito, el Septième Arrondissement, había mujeres jóvenes, de grandes escotes y magníficas espaldas, y señoras mayores, bigotudas, que se sentaban en una esquina y fumaban enormes puros. Hablaban con acento extranjero, con erres marcadas, como miembros de la aristocracia rusa en el exilio. Pepe escribía cartas para cerciorarse de que yo asistía a esas fiestas y perdía mi tiempo en la forma esperada. Pero después, claro está, nos reíamos de esas tácticas y esos cálculos.

El libro de Pilar Donoso revela detalles interesantes, de primera mano, sobre las memorias de su padre, Conjeturas sobre la memoria de mi tribu, que provocaron una muy chilena indignación en algunos miembros de su familia y terminaron en un fenómeno frecuente en Chile: la autocensura, la ocultación de la memoria y quizá de la fantasía memoriosa. A Pepe le gustaba mucho contar la historia, verdadera o imaginaria, de una bisabuela suya, Enriqueta Ponce de León, la Peta Ponce, madre del famoso Eliodoro Yáñez, abuelo suyo por el lado materno, parlamentario liberal, eterno candidato a la presidencia de la República, fundador y dueño del diario La Nación. Alguien había inventado el término eliodorítico a propósito de los artículos y páginas editoriales de don Eliodoro: textos donde el autor se las ingeniaba para que no se conociera nunca su verdadera posición, para quedar bien con un lado y con el lado contrario. Pepe contaba que su bisabuela, doña Enriqueta, la Peta Ponce, en periodos de dificultades económicas, traía mujeres jóvenes del lado argentino de los Andes, alquilaba unas carretas con bueyes y, en compañía de los hijos suyos, se internaba en los campos de nuestro Valle Central y ofrecía estas jóvenes argentinas a los hacendados ricos. Donoso tuvo la ingenuidad de enviarle el manuscrito de estas memorias a un pariente cercano, descendiente también de doña Enriqueta y de don Eliodoro, y ardió Troya. Recibió cartas de violenta amenaza, de ruptura, y el anuncio de una querella criminal ante los tribunales. Habló conmigo, supongo que entre otras personas, me mostró el texto completo, y le dije que lo publicara tal cual y aguantara el chaparrón. Claro está, era más fácil decirlo que hacerlo. En Correr el tupido velo Pilar sostiene que las historias de la Peta Ponce eran ficción, imaginación pura, y que también le pidió a su padre que las publicara sin expurgar. Pero el novelista estaba cansado, enfermo, y no tenía carácter para dar estas batallas. Les confesó a sus íntimos que no podía, que no tenía fuerzas, y las Conjeturas fueron publicadas poco después de su muerte y con setenta páginas menos. Pensé, por mi parte, en los innumerables casos de censura y de autocensura que han existido en la literatura chilena: diarios íntimos, memorias y hasta novelas expurgados por las familias, quemados, hechos desaparecer de la manera más expedita posible. Álvaro Yáñez, tío del escritor, que firmaba sus escritos como Juan Emar (de la expresión francesa j’en ai marre, tengo fastidio), se salvó de la censura porque sus novelas de los años treinta del siglo pasado en adelante, cercanas al surrealismo, al género fantástico, resultaban ininteligibles para los inquisidores familiares. Hoy día es uno de los autores más estudiados y leídos de nuestra vanguardia estética, junto a su amigo Vicente Huidobro y al Neruda de Residencia en la tierra.

El libro nos habla de los amores otoñales del novelista con mujeres conocidas del Santiago de su vejez. Eran mujeres mundanas, elegantes, guapas, de buena compañía. En un caso, me habló de una señora buenamoza, separada de su marido, y me preguntó si sería posible para él. Me reí, me encogí de hombros y pregunté algo. Supe que la señora en cuestión, libre, pero católica fervorosa, tenía un amante secreto. Ahora no recuerdo si conseguí transmitirle la información a Pepe. A él le gustaba asistir a salones de té, a conciertos, a funciones de cine, en compañía femenina. Me parece que recibió mi información y cambió de inmediato, sin el menor drama, su proyecto con respecto a la señora observante y disimulada. El novelista había tenido amigas elegantes, aficionadas a la lectura, desde siempre. Con respecto a una de ellas, resolvió que era demasiado fría, demasiado perfecta, peligrosamente criticona, y tomó distancia. Su hija lo cuenta con algún detalle, no se sabe si con perfecta indiferencia o con sentido del humor. Era el lado Henry James de José Donoso, el lado Marcel Proust. Mantener ese lado en el remoto Santiago de Chile, con el esfuerzo y la perseverancia con que él lo mantenía, no dejaba de ser una hazaña social y humana.

Otro aspecto interesante de estas memorias de Pilar Donoso, ya que es un libro de memorias triples, unificadas por el tema de la escritura y el desarraigo, es el de la relación obsesiva del novelista con la enfermedad. Es, a la vez, un constante proyecto de ensayo de Donoso sobre el tema, una descripción de su hija, una memoria viva: la enfermedad en Thomas Mann, en Kafka, en Marcel Proust, en el propio Donoso. Le faltó hablar sobre la epilepsia de Dostoievski, de Gustave Flaubert, de Joaquim Maria Machado de Assis, pero anduvo muy cerca. Y el enfermo principal, de nuevo, era él mismo. Hasta extremos inverosímiles. Y salpicado de consultas informales con el padre y los dos hermanos médicos. Al final, luchó como un loco, en forma desesperada, quijotesca, para prolongar el tiempo de vida que le quedaba y seguir escribiendo, enriqueciendo su obra, como le escuché decir, y atendiendo compromisos literarios. En conclusión, José Donoso no descansó ni un minuto de su vida de su destino de escritor. Era su gloria y su cruz. Tuvo epifanías extraordinarias, minutos de inspiración, de felicidad, pero casi siempre trabajó y sufrió como un condenado a galeras.

El libro de Pilarcita, su hija, es descarnado, franco, y es, por contradictorio que esto parezca, un libro de amor: amor salpicado por el odio, en conflicto, en minutos de franca guerra hogareña, pero constante, apasionado. Pilar nos habla del egoísmo, de la paranoia, de la avaricia de su padre. Pero revela que Donoso era contradictorio hasta en la avaricia: cada vez que le exigían dinero, se cerraba como una ostra y se ponía furioso, pero después tenía gestos de magnanimidad, de generosidad enteramente gratuita. También nos habla, Pilar, de las tendencias homosexuales que José Donoso disimuló y ocultó a lo largo de su vida en forma tenaz. Hoy no habría escándalo, pero tenemos que entender el asunto que molestaba al novelista: odiaba, y con justa razón, que lo clasificaran, que le pusieran el rótulo de homosexual, sobre todo en el venenoso y envidioso mundillo chileno. Era más que eso, y era otra cosa, y defendió hasta el último suspiro (como habría dicho su amigo Luis Buñuel) su complejidad humana, su individualidad, su condición de artista independiente e inclasificable, en medio del coro homófobo, provinciano, reducidor, de sus coterráneos. En el testimonio de su hija, el novelista sale muy bien parado y el coro de la maledicencia nacional queda a la altura que merece, en las letrinas criollas.

Fuente: http://www.letraslibres.com/index.php?art=14419

Pintor Claudio Bravo

2011-06-25T21:36:00.002-03:00

Claudio Bravo - Autorretrato

Cajas

El velo

Una gran pérdida la muerte del pintor Claudio Bravo. El nombre de Chile se enalteció con su magistral obra. Es, sin duda, un grande de la pintura chilena, reconocido mundialmente.

El artista, que residía desde 1972 en el país africano, murió producto de un ataque de epilepsia. Recién este año se la había diagnosticado la enfermedad.

A raíz de un ataque de epilepsia, falleció a los 74 años de edad uno de los pintores chilenos más destacados internacionalmente, Claudio Bravo Camus. (UPI)

Según informó el sitio web del artista "ayer, 4 de junio de 2011, ha dejado de existir en su residencia de Taroudant, Marruecos, el pintor Claudio Bravo". Agregando que "desde ClaudioBravo.com las más sentidas condolencias a familiares y amigos".

El artista residía desde 1972 en el país africano y recién este año se la había diagnosticado la enfermedad, de la cual se estaba tratando médicamente.

Bravo nació el 8 de noviembre de 1936 en Valparaíso y se hizo mundialmente conocido por su técnica hiperrealista, siendo evaluadas sus obras en millones de dólares.

En la década de 1960 se estableció como retratista en Madrid, donde tuvo inmediato reconocimiento por su asombrosa capacidad de crear verosimilitud. Su habilidad para representar objetos y formas complejas recuerda a Velázquez.

Bravo se trasladó a Tánger en 1972, donde compró una mansión de tres pisos del siglo XIX. Allí derrumbó muchas de las paredes y pintó de color blanco las restantes para potenciar la luz mediterránea, la cual está muy presente en sus pinturas.

Fuente: www.nacion.cl

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Amado y odiado por la crítica, nunca rehuyó la polémica: “Soy ególatra, pero nunca tanto. Soy un tipo sin falsa modestia. La emperatriz Farah Diba, quien me visita continuamente en Taroudant, y otros miembros de la realeza me han dicho que me ven como a un príncipe. Yo no me siento muy lejos".

Víctima de dos infartos, falleció a los 74 años el pintor Claudio Bravo Camus, reconocido -junto con Roberto Matta- como uno de los artistas visuales chilenos contemporáneos más influyentes en el mundo.

Ícono del realismo, al momento de su muerte, el artista completaba casi 40 años de residencia en Marruecos, donde había decidido radicarse tras perfeccionarse en España y conseguir fama como retratista de la nobleza y las monarquías de Europa.

El creador nacido en Valparaíso alcanzó notoriedad internacional gracias a su capacidad para plasmar en la tela las luces y los detalles de la realidad, sobre todo en sus trabajos con naturaleza muerta, que mezcló con objetos exóticos y textiles.

Respecto de la esencia de su obra, Bravo siempre renegó del hiperrealismo, que suele inspirarse en fotografías. “No tengo nada que ver con los hiperrealistas. Yo exalto, exagero, idealizo y manipulo la realidad. A mi modelo, le borro las zonas oscuras y le rescato la belleza”, aclaró a El Mercurio.

Quizá por lo mismo fue que haya congregado en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago a al menos 200 mil de sus compatriotas en 1994. “Pocas veces he visto esas filas (...) La gente se sintió identificada con su pintura. Su obra fue exitosa por la sensibilidad que tenía de capturar la realidad. Objetos simples como melones, alcachofas, paños o muebles alcanzaban majestuosidad con su pincel", comentó a La Tercera el director del recinto, Milan Ivelic.

Amado y odiado por la crítica, nunca rehuyó la polémica: “Soy ególatra, pero nunca tanto. Soy un tipo sin falsa modestia. La emperatriz Farah Diba, quien me visita continuamente en Taroudant, y otros miembros de la realeza me han dicho que me ven como a un príncipe. Yo no me siento muy lejos".

Consultado sobre su influencia, tampoco fue diplomático: “Me siento muy por encima de todos los (pintores) latinoamericanos. Soy el más importante del continente y el más cotizado en el mercado internacional hace mucho tiempo. Está demostrado que, en el terreno artístico internacional, me como vivo a (Roberto) Matta”, señaló en 2008 al diario El Mercurio.

La representante en Chile de la casa de subastas Christie's, Denise Ratinoff, recordó que hace 15 años la obra Paquete azul se adjudicó en US$ 650 mil y que recientemente coleccionistas europeos y norteamericanos desembolsaron más de US$ 1 millón por algunos trabajos de esa misma serie, como Paquete blanco, según constató El Mercurio.

http://www.thisischile.cl/articles.aspx?id=6675&sec=288

Claudio Bravo
(Valparaíso, Chile 8.11.1936 - Taroudant, Marruecos, 4.6.2011)
http://www.claudiobravo.com/esp.html

Hoy

2011-05-23T10:53:00.001-03:00

Poema titulado HOY pero que quizás debió llamarse MIEDOS
(sobre títulos no hay nada escrito)

Hoy tengo ese gesto melancólico

de los que miran el pasado

como los árboles

visto de otoño

y tiemblan mis hojas

enarboladas de incertidumbre

recelo de las noches prohibidas

del silencio que no busco de mis

fantasmas que caminan dispersos

fustigando mi fantasía

miedo

de ese tiempo pretérito, del futuro incierto

de los posibles naufragios, de esos soles añejos

que huelen a pan de ayer

y se transforman en hambre de hoy.

Luisa García H.

Creado un 29 de octubre de 2006

Reciclado y corregido ayer 22 de mayo de 2011

De olvido y tiempo

2011-05-08T20:45:00.003-03:00

(Cabeza de vieja campesina con capa negra.
Nuenen, marzo de 1885.
Oleo sobre lienzo. Rijkmuseum Kröller-Müller, Otterlo)

De olvido y tiempo

Voy solitaria, más que nunca

por una calle olvidada mirando las vidrieras y en ellas

retratados mis años que alguna vez

(hace siglos)

fueron mozos

el abrigo raido y gris

luctuoso como las canas

que intento esconder a costa de tintura

me pesa

quizás con el tiempo

se alargó

o yo me empequeñecí

de decepciones y muertes varias

desconozco esta cara de papel amarillo

llena de nostalgias por los que no están

por los que me han olvidado

por lo que fui

los saludables maniquíes me miran indiferentes

tan lozanos

tan fríos

en su desalmada esbeltez.

Luisa García H.

Materia de Testamento

2011-05-06T15:41:00.003-03:00

Me pregunto si don Gonzalo Rojas (Q.E.P.D.) varió o aumentó su testamento antes de morir, aqui queda este poema publicado en 1988 en el libro del mismo nombre.

Materia de testamento

A mi padre, como corresponde, de Coquimbo a Lebu, todo el mar,

a mi madre la rotación de la Tierra,

al asma de Abraham Pizarro aunque no se me entienda un tren de humo,

a don Héctor el apellido May que le robaron,

a Débora su mujer el tercero día de las rosas,

a mis 5 hermanas la resurrección de las estrellas,

a Vallejo que no llega, la mesa puesta con un solo servicio,

a mi hermano Jacinto, el mejor de los conciertos,

al Torreón del Renegado donde no estoy nunca, Dios,

a mi infancia, ese potro colorado,

a la adolescencia, el abismo,

a Juan Rojas, un pez pescado en el remolino con su paciencia de santo,

a las mariposas los alerzales del sur,

a Hilda, l'amour fou, y ella está ahí durmiendo,

a Rodrigo Tomás mi primogénito el número áureo del coraje y el alumbramiento,

a Concepción un espejo roto,

a Gonzalo hijo el salto alto de la Poesía por encima de mi cabeza,

a Catalina y Valentina las bodas con hermosura y espero que me inviten,

a Valparaíso esa lágrima,

a mi Alonso de 12 años el nuevo automóvil siglo XXI listo para el vuelo,

a Santiago de Chile con sus 5 millones la mitología que le falta,

al año 73 la mierda,

al que calla y por lo visto otorga el Premio Nacional,

al exilio un par de zapatos sucios y un traje baleado,

a la nieve manchada con nuestra sangre otro Nüremberg,

a los desaparecidos la grandeza de haber sido hombres en el suplicio y haber muerto cantando,

al Lago Choshuenco la copa púrpura de sus aguas,

a las 300 a la vez, el riesgo,

a las adivinas, su esbeltez

a la calle 42 de New York City el paraíso,

a Wall Street un dólar cincuenta,

a la torrencialidad de estos días, nada,

a los vecinos con ese perro que no me deja dormir, ninguna cosa,

a los 200 mineros de El Orito a quienes enseñé a leer en el silabario de Heráclito, el encantamiento,

a Apollinaire la llave del infinito que le dejó Huidobro,

al surrealismo, él mismo,

a Buñuel el papel de rey que se sabía de memoria,

a la enumeración caótica el hastío,

a la Muerte un crucifijo grande de latón.

Gonzalo Rojas
Diciembre 20 de 1917 - Abril 25 de 2011

Ernesto Sabato: Argentina llora su muerte

2011-04-30T21:32:00.000-03:00

El duelo sigue en el mundo de las letras

Ernesto Sábato

Su país llora la muerte a los 99 años del escritor Ernesto Sábato, el último mito viviente de la literatura del país sudamericano y figura fundamental en la defensa de los derechos humanos.

Argentina llora la muerte a los 99 años del escritor Ernesto Sábato, el último mito viviente de la literatura del país sudamericano y figura fundamental en la defensa de los derechos humanos.

"Se ha ido un faro de la ética", resumió el ministro de Cultura de la ciudad de Buenos Aires, Hernán Lombardi, quien consideró que éste es un buen momento para reivindicar la obra del autor del "El Túnel" y "Sobre Héroes y Tumbas", entre otras.

Sábato es "esa clase de personajes que valen la pena mirar, aprender y encontrar refugio, aunque discrepes en algunas cosas", destacó en declaraciones a la prensa.

El reconocido escritor murió en la madrugada de hoy en su casa de Santos Lugares, a las afueras de Buenos Aires, donde permanecía recluido desde hacía años a raíz de sus problemas de salud.

Elvira González Fraga, la mujer que le acompañaba desde que Sábato enviudó, en 1998, dijo que en los últimos días una fuerte bronquitis terminó de complicar su delicado estado de salud.

Debido a su ceguera, el autor se había visto obligado en los últimos años a abandonar la lectura y la escritura, y a llenar su tiempo con la pintura y otras aficiones que practicaba en su vivienda.

Adolfo Pérez Esquivel, Premio Nobel de la Paz 1980, consideró que el escritor "tuvo una vida muy fructífera y muy participativa en los problemas sociales y humanitarios".

"Aportó mucho al país y a la humanidad con su responsabilidad social, cultural y política", señaló al aludir a su rol de presidente en 1984 de la Comisión Nacional sobre Desaparición de Personas (Conadep).

Este grupo redactó el informe "Nunca más", una obra clave que relató los horrores de la última dictadura militar argentina (1976-1983).

La dirigente política y escritora Graciela Fernández Meijide, quien integró la Conadep, destacó "el coraje y la ética" del galardonado con el Premio Cervantes en 1984.

"Ernesto era muy detallista. Quería que las cosas se hicieran muy bien y tenía mucha conciencia de la responsabilidad. Se enojaba con mucha facilidad", recordó.

El ensayista Abel Posse, con quien el fallecido escritor fundó la revista Crisis, subrayó la condición de "pensador que quiso dar solución a los problemas más complejos del mundo" de Ernesto Sábato, lo mismo que su "pasión por el tango y lo porteño".

"Intentó ser un escritor total. Tuvo el deseo de crear una gran novela argentina, como lo fue "Sobre Héroes y Tumbas". Animó la vida literaria y tuvo una apertura muy libre a los dos pensamientos de la época, el liberalismo y el marxismo", consideró.

Desde España, su amigo y colega Mario Muchnik recordó que conoció a Sábato a los 14 años y admitió que con el tiempo le llamó la atención que "la mayoría lo elogiaba en abstracto, sin saber por qué".

"Él fue mi universidad -continuó-. Me enseñó el escepticismo. No creía en nada. Me acuerdo que en una ocasión llegó una persona a una reunión en la que estábamos y comentó que estaba lloviendo, a lo que Sábato preguntó: ¿cómo lo sabe usted?".

Los organizadores de la Feria del Libro de Buenos Aires, que comenzó la semana pasada, tenían previsto realizar mañana, domingo, un homenaje a Ernesto Sábato, quien el próximo 24 de junio cumpliría 100 años.

Hace unos días, su hijo, el director de cine Mario Sábato, anunció a Efe que proyecta abrir un museo en la casa de Santos Lugares para cumplir un sueño de su padre.

La residencia "va a ser restaurada íntegramente para que puedan exhibirse los objetos de mi padre", aseguró Mario, quien el año pasado estrenó una película sobre la vida de quien en 2007 fuera propuesto como candidato al Nobel de Literatura.

Sábato será velado hoy en el club Defensores de Santos Lugares, como fue "su deseo de toda la vida", afirmó el hijo del escritor en breves declaraciones a los periodistas.

"Sé que todos comparten el dolor y la tristeza que sentimos", subrayó antes de agradecer el apoyo y la contención de sus vecinos.

"Mi padre no nos pertenecía sólo a nosotros, lo compartimos con mucha gente que lo quiso y lo necesitó. Él había dicho: "Cuando muera quiero que me velen acá para que la gente del barrio pueda acompañarme en este viaje final y recordarme como buen vecino"", aseguró.

Ernesto Sábato nació en la localidad bonaerense de Rojas el 24 de junio de 1911 y siempre ha reconocido que "el arte" le salvó del suicidio.

La fama internacional le llegó en 1961 con la novela "Sobre héroes y tumbas", y su consagración en 1974 con "Abaddón el exterminador", que fue premiada en Francia.

Esas dos obras completaron una trilogía junto a su primera novela "El túnel" (1948), que, desvalorizada en su día en Argentina, "maravilló" al novelista francés Albert Camus.

Entre los numerosos premios que recibió también figuran el Menéndez Pelayo (1997) y el Gabriela Mistral (1983), otorgado por la Organización de Estados Americanos (OEA).

Pero uno de los reconocimientos más emotivos de su vida le llegó en 2004, cuando fue homenajeado con reiteradas ovaciones durante el III Congreso de la Lengua que fue organizado en la ciudad argentina de Rosario.

Fuente: EFE

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El escritor, ensayista, físico y pintor argentino Ernesto Sabato iba a recibir un homenaje en la 37 Feria Internacional de Libro de Buenos Aires, este domingo.

Según informaron los organizadores a través la página web de la feria, el autor de “El túnel” iba a ser homenajeado mañana domingo por la tarde, en el Instituto Cultural de la Pcia. de Buenos Aires. Sin embargo, aseguraron que durante el día se confirmaría el evento.

Sabato murió este sábado 30 de abril a los 99 años en su casa de Santos Lugares, Buenos Aires, según confirmó su última esposa Elvira González Fraga. "Hace como 15 días tuvo una bronquitis y a su edad eso es terrible", señaló a los medios.

El destacado intelectual iba a cumplir 100 años, el próximo 24 de junio

Fuente:

http://www.rpp.com.pe/2011-04-30-ernesto-sabato-argentina-llora-su-muerte-noticia_360706.html

MURIÓ GONZALO ROJAS - Un grande de las letras

2011-04-25T12:05:00.000-03:00

Gonzalo Rojas

SANTIAGO - CHILE. El Gobierno decretó dos días de duelo oficial por el fallecimiento del destacado poeta Gonzalo Rojas, ocurrido esta mañana en Santiago, dos meses después de sufrir un accidente cerebrovascular.

Así lo informó el ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, quien agregó que a partir de las 17:00 horas de hoy los restos del vate serán velados en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta la mañana del miércoles, día en que se oficiará una ceremonia a las 10:00 de la mañana.

Luego, los restos del poeta serán trasladados hasta la ciudad de Chillán, donde Rojas estableció su residencia en Chile tras regresar en 1995, luego de 25 años viviendo en el extranjero, primero como diplomático y después exiliado por el régimen militar.

El ministro agregó que "el presidente Sebastián Piñera y su Gobierno lamentan profundamente su muerte y queremos manifestar a su familia todo el apoyo".

Cruz-Coke estaba acompañado por el ministro de Educación, Joaquín Lavín, quien dio las condolencias a la familia del poeta a nombre de su ministerio y aseguró que "nuestro país ha perdido a un 'gran gran' poeta y a una gran persona".

Gonzalo Rojas falleció a las 6:15 de esta mañana, a los 93 años de edad, aquejado por las consecuencias que le dejó un accidente cerebrovascular sufrido el pasado 22 de febrero. El vate fue inicialmente atendido en su casa de Chillán, hasta que el pasado 12 de marzo fue trasladado a un centro asistencial de Santiago, donde finalmente falleció acompañado por su familia.

Fuente: emol.com

Sucedió un 23 de abril

2011-04-23T21:46:00.000-03:00

Un 23 de abril nacieron figuras de la cultura como el compositor Sergei Prokofiev y los poetas Adalberto Sánchez Navarro y Vladimir Nabokov; murieron los escritores Miguel de Cervantes Saavedra, William Shakespeare y Garcilaso de la Vega.

Se declara el Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor.

1616.- Muere el novelista, poeta y dramaturgo español Miguel de Cervantes Saavedra, autor de la obra cumbre en lengua hispana "El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha". Nace el 29 de septiembre de 1547.

Miguel de Cervantes

1616.- Muere el dramaturgo y poeta británico William Shakespeare, uno de los mejores autores de la literatura universal, sobre todo por sus obras teatrales históricas y dramáticas, como "Hamlet" y "Macbeth", entre otras. Nace el 23 de abril de 1564.

William Shakespeare

1616.- Muere el escritor e historiador peruano Garcilaso de la Vega "El Inca", considerado el padre de las letras de América, deja un importante legado histórico con obras como "La Florida Inca". Nace el 12 de abril de 1539.

Garcilaso de la Vega

1775.- Nace el pintor británico Joseph Mallord William Turner, considerado como un artista romántico del paisaje inglés, cuyo estilo lo conduce a la fundación del Impresionismo. Muere el 19 de diciembre de 1851.

1791 - Nace el estadounidense James Buchanan, presidente de su país entre 1857 y 1861. Durante su mandato se presenta una depresión económica y no puede abolir la esclavitud. Muere el 1 de junio de 1868.

1850.- Muere el poeta británico William Wordsworth, pionero del romanticismo en su país y precursor de la escuela Lakista. Nace el 7 de abril de 1770.

1858.- Nace el físico alemán Max Planck. Alcanza fama mundial al descubrir la física cuántica. Muere el 3 de octubre de 1947.

1891.- Nace el pianista y compositor ruso Sergei Prokofiev. Recibe el Premio Rubinstein por su primer concierto para piano. Es autor de la pieza clásica infantil "Pedro y el lobo". Muere el 5 de marzo de 1953.

Sergei Prokofiev

1899.- Nace el escritor estadounidense, de origen ruso, Vladimir Nabokov, cuya obra incluye poesía, ficción, drama, autobiografía, ensayos, traducciones y crítica literaria; sobresale su novela "Lolita". Muere el 2 de julio de 1977.

Vladimir Nabokov

1902.- Nace el escritor islandés Halldr Laxness. Autor de más de 51 novelas, poemas, cuentos, obras de teatro y su biografía, que le valen el Premio Nobel de Literatura en 1955. Muere el 8 de febrero de 1998.

1918. Nace el escritor y poeta mexicano Adalberto Sánchez Navarro, quien destaca como literato, periodista y catedrático universitario. Autor de "Voz de ave", "Nocturno de la esposa" y "Pasión de la tierra". Muere el 4 de junio de 1987.

1918.- Nace el escritor francés Maurice Druon, su vasta obra le mereció importantes premios como el Goncourt, por su novela "Las grandes familias". El 8 de diciembre de 1966 es elegido miembro de la Academia francesa. Muere el 14 de abril de 2009.

1923.- Nace el escritor colombiano Manuel Meja Vallejo, cuentista, poeta, profesor, ensayista, prologuista y narrador en cuya obra describe la violencia civil de su país. Recibe el Premio Rómulo Gallegos en 1989 por su obra "Años de indulgencia". Muere el 23 de julio de 1998.

1967.- Muere el escritor, autor de teatro, director de cine y pintor español Edgar Neville, quien destaca por su labor creativa e innovadora que plasma en cada una de sus obras. Nace el 28 de diciembre de 1899.

1981.- Muere el escritor español, en lengua catalana, Josep Pla Casadevall. Autor de "Madrid", "La vida amarga" y "Notas para Isabel". Nace el 8 de marzo de 1897.

1995.- La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) declara El Día Mundial del Libro y el Derecho de Autor.

1996.- Muere la escritora australiana Pamela Lyndon Travers, autora del clásico infantil "Mary Poppins", llevado al cine, destaca también como bailarina y actriz. Nace el 9 de agosto de 1899.

2003.- El escritor español José Jiménez Lozano recibe el Premio Cervantes 2002, en reconocimiento a su extensa obra integrada por títulos como "Historia de un otoño", "El sambenito", "La salamandra" y "El grano de maíz rojo".

2004.- Muere la arqueóloga mexicana Guadalupe Mastache Flores, iniciadora de las investigaciones en la zona prehispánica de Tula, Hidalgo. Nace en 1943.

2005.- El escritor español Rafael Sánchez Ferlosio es galardonado con el Premio Cervantes, por el conjunto de su obra. Autor de "La homilía del ratón", "Campo de Marte" y "El alma y la vergüenza", entre otros.

2007.- Muere el escritor estadounidense Paul Erduman, cuya temática se centra en temas relacionados con finanzas internacionales y grandes corporaciones petroleras. Nace el 19 de mayo de 1932.

2010.- El escritor mexicano José Emilio Pacheco recibe, en España, el Premio Cervantes de las Letras.

Fuente: México, Notimex

Día mundial del libro - Invitación

2011-04-19T18:44:00.000-03:00

Celebración que se realizará el lunes 25 de abril a las 12:30 horas en la Plaza de Armas de Santiago - Chile

ZURDO PUERTAS AFUERA - Presentación libro

2011-04-14T10:26:00.002-03:00

Dante Cuadra y Luisa García en la presentación del libro "Zurdo puertas afuera"

Tras un año de ser publicado y con excelentes críticas que lo respaldan, el jueves 14 de abril a las 18:45 se presentará " Zurdo puertas afuera", el primer libro del escritor Dante Cuadra.

Jéssica Atal, periodista y poeta, y el escritor Jaime Valdivieso serán los encargados de presentar en sociedad este libro de poemas. "Es inexplicable que un poeta totalmente desconocido y pasados los cincuenta años haya irrumpido como un caso sorprendente tanto para los primeros que leímos sus poemas como para el propio autor que tampoco sabía nada antes de mostrar sus versos que, con mano maestra, acaparó la atención desde el primer momento de cuantos leímos o escuchamos ", dice Jaime Valdivieso en el prólogo.

Belleza, muerte, dolor son algunos componentes de los poemas de Dante Cuadra.

"La calidad poética de estos textos radica en la irónica sencillez de los mismos. Nada de exornación ni de artificios. Por el contrario solo talento y poesía...Yo me inclino ante este "zurdo puertas afuera", este Dante que solo se nos propone como un poeta incipiente y amateur, pero que es en realidad una nueva estrella de tiempo completo y todo terreno en el universo poético del idioma español".

Ignacio Rodríguez, enero 2011, Revista de Libros, El Mercurio.

Fuente:http://www.kulone.com/CL/Event/2081341-LANZAMIENTO-LIBRO-DE-POES%C3%8DA-DANTE-CUADRA

Invitación a presentación de libros

2011-04-12T12:56:00.001-03:00

Acuso recibo de invitaciones con motivo de la presentación de sus respectivos libros de los poetas María Beatriz Ortiz (Maizú) y Dante Cuadra, dos grandes y buenos amigos.

La Dibam (Chile) celebrará durante abril el Día Mundial del Libro

2011-04-06T11:44:00.004-03:00

La Dibam (Dirección de Bibliotecas Archivos y Museos) celebrará durante abril el Día Mundial del Libro

Visitando la Biblioteca Nacional

El acto central tendrá lugar en la inauguración del Bibliometro de la Estación Maipú, ceremonia en que también se extenderán en los módulos de los Dominicos e Irarrázaval.

Hace ya una década, el 23 de abril fue propuesto por la UNESCO como el Día Mundial del Libro y el Derecho de Autor. Ello, porque ese día se conmemora también la muerte de tres grandes de la literatura universal: Miguel de Cervantes, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega.

Las celebraciones se extienden, hace algunos años, durante todo el mes de abril y buscan estimular el gusto por la lectura, el fomento a la industria editorial, y la protección a la propiedad intelectual. Las actividades son planificadas por la Dibam conjuntamente con el Consejo del Libro y la Lectura, y la Dirección de Educación General del Ministerio de Educación.

Los panoramas se extenderán a todo el Sistema Nacional de Bibliotecas Públicas y tendrán una jornada de gran brillo cuando el próximo miércoles 6 de abril, Magdalena Krebs, directora de la Dibam, junto a autoridades regionales, inaugure la Biblioteca Pública de Trehuaco, localidad próxima a Ñuble, en la Octava Región.

Ese mismo día, pero a las 19:00 horas, se desarrollará en la Sala Ercilla de la Biblioteca Nacional el “Canto de los Poetas”, donde Juan Cameron, Andrés Morales, Manuel Silva Acevedo y el Premio Nacional de Literatura, Raúl Zurita, comentarán y leerán poemas del Canto General de Pablo Neruda.

El día jueves 7 de abril, en tanto, a las 19:00 horas, en la Sala América de la misma Biblioteca Nacional, se presentará el libro “La opción”, de David Rosenmann-Taub y el filme “Apresto”, de Alexis Moreno Burgos.

La Biblioteca Patrimonial de la Recoleta Dominica (Recoleta 683), exhibirá, entre el lunes 4 de abril y el 31 de mayo, la exposición: “El arte de la encuadernación y su historia”. Las visitas pueden realizarse entre las 10:00 y las 17:30 horas.

La Fundación Mustakkis no quiso estar ausente de estas celebraciones y el lunes 11 de abril donará a las Bibliotecas Escolares (Mineduc) y al Sistema Nacional de Bibliotecas Públicas (Dibam), ejemplares del libro “Chilemitos”, con el que se busca acercar al público juvenil a nuestros mitos y leyendas.

Todo el mes en todo Chile

Mientras tanto y durante abril, la Biblioteca Pública Nº 190 de Pirque (Carlos Vial Infante s/n; El Llano, interior del Estadio Municipal), presentará una Exposición de libros que podrá visitarse entre las 9:00 y las 17:00 horas. Esta idea también se hizo eco en la Biblioteca Pública Nº 313 de San Ramón (La Bandera 9696), que presentará durante abril una Exposición de libros nuevos (de 9:00 a 17:00 horas) mientras que la Biblioteca Pública Nº 413 (Independencia 1101) exhibirá (todo el mes), una “Muestra de libros del pasado”.

Encuentros con la Cultura y Literatura Mapuche se desarrollarán, todos los lunes abril en la Biblioteca Pública Nº11 (Av. La Estrella 962-B, Pudahuel). La cita es a partir de las 10:00 horas. En la Biblioteca Pública Nº 105 de Pudahuel (San Pablo 9078), una temática similar podrá ser abordada todos los lunes de abril (17:30 a 18:30 horas).

Canto General en la Biblioteca Nacional de Chile

Al mediodía del 19 de abril, en la Biblioteca Nacional, la Sociedad de Escritores de Chile (SECH) rendirá un Homenaje poético a Pablo Neruda; y el 20 de abril, a las 19:00 horas, se inaugurará la exposición “Se imprime: 200 años de la imprenta en Chile”. Ambas actividades serán en el Café Bicentenario.

Mientras tanto, el 20 de abril, en una acción simultánea cuyo epicentro estará en Maipú, tres nuevos puntos del programa Bibliometro serán oficialmente abiertos en las estaciones Los Dominicos, Irarrázaval y Plaza Maipú. En ese punto, el Consejo del Libro y la Lectura donará ejemplares de 46 títulos de autores chilenos (para toda la red) y durante todo abril las inscripciones a Bibliometro serán gratuitas.

El 20 de abril, organizada por la Biblioteca Pública Nº118 de Talagante, se realizará una Feria del libro usado en la Plaza de Armas de la ciudad. La actividad será entre las 10:00 y las 17:00 horas.

Fuente: Diario Financiero on line

Quién ha olvidado a Virginia Woolf?

2011-03-28T18:26:00.001-03:00

Fundadora de la novela moderna

Hoy se cumplen 70 años de la trágica desaparición de esta escritora inglesa que realizó importantes contribuciones a la literatura y a la mujer.

Virginia Woolf

por Marilú Ortiz de Rozas

Tras llenarse los bolsillos de piedras, Virginia Woolf dio sus últimos pasos y se arrojó al río Ouse. Era el 28 de marzo de 1941, y su tercera tentativa. La encontraron quince días después. La escena fue llevada al cine por Stephen Daldry en 2002, basada en la novela "Las Horas", de Michael Cunningham. Sin embargo, la obra de Woolf siguió caminando por sí misma, ajena a los tormentos interiores de su autora, hoy leyenda. Dejó dos cartas de despedida: una para su marido, León Woolf, también escritor y parte del grupo de Bloomsbury; la otra para su hermana, Vanessa Bell. Les explica que siente que va a enloquecer nuevamente, que volvió a "oír voces" y que esta vez no podrá soportarlo. Quentin Bell, hijo de Vanesa, fue uno de sus más acuciosos biógrafos.

Virginia Stephen (1882-1941) nació en el epicentro de la aristocracia intelectual británica, en el victorianismo tardío. Su primera novela data de 1915, pero inicia su actividad ensayística una década antes y su principal aporte en este género fue "Un cuarto propio" (1929), donde consignó su célebre sentencia: "Para escribir novelas, una mujer debe disponer de dinero y de un cuarto propio". Ella recibió la herencia de una tía paterna.

Como la mayoría de las mujeres de su época, no tuvo acceso a la universidad. Se formó en la biblioteca de su padre, Sir Leslie Stephen, tras cuya muerte la familia abandona el elegante barrio de Kensington y se muda a Bloomsbury, donde se crea un círculo frecuentado por escritores, filósofos y economistas. En este ambiente emerge Woolf, rodeada de criadas y excéntricos parientes.

Se considera que sus principales obras son "La señora Dalloway", "Al faro" y "Las olas". Woolf es una de las fundadoras de la novela moderna, en sintonía con Joyce y Proust. Sus aportes radican en el uso del monólogo interior, su prosa poético-onírica, y su manejo del tiempo.

En librerías chilenas

Woolf es la autora ícono de la editorial Cuarto Propio, que publicó el ensayo homónimo en 1993, y en 2010, una tercera edición. Random House Mondadori ha traído al menos siete títulos de ella (sello Lumen), entre ellos "Momentos de vida". "Los Años" (Debolsillo) llegará a Chile a fin de año. Figuran otras obras bajo el sello Alianza y "Una habitación propia" (Seix Barral). También hay biografías como "Medidas de la Vida", de Herbert Marder (Editorial Adriana Hidalgo) y la novela "Las Horas", de Michael Cunningham (Norma).

Fuente: http://diario.elmercurio.com

Skármeta gana el premio Planeta-Casamérica

2011-03-16T18:42:00.001-03:00

Antonio Skármeta

LOS DÍAS DEL ARCO IRIS es el título de la obra ganadora.

Antonio Skármeta ha resultado el ganador de la cuarta edición del Premio Planeta Casamérica por su novela ‘Los días del arcoíris’, una obra que gira en torno al cambio político en Chile después de 1989, cuando el general Pinochet perdió el referéndum sobre su continuidad en el poder. “Es un libro que está hecho de momentos dolorosos y de otros felices. Gracias a todos ellos los chilenos hemos encontrado un camino pacífico a la democracia”, explicó el autor, al que corresponden los 200.000 dólares (145.000 euros).

De 70 años, el escritor chileno, comprometido con el gobierno de Salvador Allende derrocado por el golpe militar de Pinochet en 1973, obtuvo su primer gran éxito con ‘El cartero de Neruda’, y ganó el premio Planeta en 2003 con ‘El baile de la victoria’. ‘Los días del arcoíris’ está contado en parte por un muchacho que está terminando la enseñanza secundaria, y que narra los hechos “con su punto de vista y sus palabras”. Skármeta ha destacado a uno de los personajes del libro, Roberto Parada, un actor amigo suyo al que comunicaron el “brutal asesinato” de su hijo cuando estaba en el descanso de una de sus funciones. El intérprete volvió al escenario, comunicó al público lo que había ocurrido y siguió con la obra. Aunque el fondo y algunos perfiles de los personajes sean reales, el escritor insistió en que ‘Los días del arcoíris’ es una “obra de ficción”.

Skármeta ha añadido que en esta novela hay “una épica modesta pero digna y necesaria, encarnada por toda la gente que trágicamente se quedó en el camino”. Y también aparece un elemento ético, representado por los chilenos que dijeron ‘no’ a Pinochet a pesar de que iba en contra de sus intereses.

Cuando Pinochet y los militares subieron al poder en 1973, el autor se exilió primero en Argentina y luego en Alemania, país al que volvió como embajador en 2000, cuando Ricardo Lagos asumió la presidencia de Chile. Durante su primera etapa en Alemania escribió ‘El cartero de Neruda’, primero como texto para la radio alemana, luego como guión cinematográfico y finalmente como libro, publicado en 1985 con el título de ‘Ardiente paciencia’.

En el jurado del Premio Planeta Casamérica han participado escritores como Álvaro Pombo, Guillermo Martínez y Ángela Becerra. Ésta fue la ganadora en 2009. Antes se habían alzado con el galardón Pablo de Santis y Jorge Edwards.

Fuente: Elcorreo.com - Edición Vizcaya

Selección de poemas de María Beatriz Ortíz (Maizú)

2011-03-15T12:04:00.001-03:00

Enlaza con el artículo anterior.

CUADROS DE NIÑOS

Los niños iraquíes

asomados al cielo de vidrios quebrados,

con medio cuerpo afuera

del marco vacío

tratan de imaginar el horizonte.

Sus enormes ojos sólo ven

las brumas de un mundo soterrado y

a un herido que brama

desangrado en lágrimas.

Estos rostros ocultos

bajo una máscara violeta

fingen una sonrisa.

Los desechos vivos,

hilvanados en el plan de la muerte

tienden sus brazos

en busca de un refugio que no encuentran.

Acurrucados en un charco sin salida

se balancean

al ritmo del desamor.

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UN PEQUEÑO ANARQUISTA

El más diagnosticado,

encerrado por contagio criminógeno

es un peligro público a los diez años.

Un amasijo de conspiraciones

sitúan en el submundo del delito

al pequeño anarquista

que dice cisarro en vez de cigarro,

que sueña con ser futbolista y

enfrenta la diferencia a fuerza de tropelías.

Sin un beso en la mejilla y

acechado

este paria al que nadie ve

asume taras nuevas en una esquina

donde su logo son las patadas y

el dedo del medio.

Su topografía aún no sabe adonde va.

Sentenciado a tres bocanadas diarias de Robotril,

alucina que su vida es otra.

_________________________________

HOMBRE DE LLUVIA

Alegrado de lluvia

vienes a mi encuentro.

Veo tus manos dibujadas

en el vidrio empañado,

una gota deslizándose,

hebras humedecidas que se enredan

en tu yema calurosa,

en la letra frágil

con que escribes mi nombre.

Arrastras la mirada,

un escalofrío me recorre.

Tratando de escuchar tu palabra

me escondo en inútiles asomos,

mi puerta está a punto de abrirse.

Cuantas lluvias han pasado

desde que tu voz

se encontró con mi oído

y tus ojos se acunaron entre mis pestañas.

Afuera, el frío,

el vapor de tu cuerpo

va tejiendo los hilos del aire

va tejiendo un territorio de entradas y salidas,

un desvanecer continuo de gotas

cayendo en la gran soledad.

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ENFOQUE PONIENTE

Las siluetas borrosas de la luna

y las rachas de nubes suspiradas clarean los ventanales

de pestañas quietas,

mientras yace apenas despierto

el roce y el bostezo imperceptible

del sexo.

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La Orilla - Primera Edición Febrero 2011
Registro de Propiedad Intelectual N° 200515
ISBN 978-956-345-167-2
Impreso en los talleres IGD Ltda.

MAIZÚ (María Beatriz Ortiz) y su primer libro LA ORILLA

2011-03-06T12:35:00.004-03:00

"Componer" un libro no es tarea fácil - implica un trabajo de hormiga: escribir, madurar, corregir, inscribir, tramitar, diseñar, editar y publicar y más encima invertir, porque en estos tiempos en nuestro país casi ninguna editorial publica (invierte) a nuevos poetas, porque dicen que la poesía no vende ... en parte es verdad -alguien dijo: la poesía no se vende porque no se vende. Después del largo camino recorrido por la autora, quiero presentar el primer libro de María Beatriz Ortíz Zúniga (Maizú), un poemario titulado LA ORILLA cuya presentación tuve el honor de escribir y que con autorización de la poeta dejo a consideración de ustedes:

María Beatriz Ortíz y Luisa García
en la presentación del libro La Orilla
en la Sociedad de Escritores de Chile 20.04.2011

PRESENTACIÓN

María Beatriz Ortíz (Santiago - Chile) constituye un ejemplo de perseverancia y disciplina. Ha hecho de la poesía un camino viable para la comunicación de su mundo interior y de sus reservadas vicisitudes, logrando llevarnos, con un lenguaje cuidadosamente seleccionado, por los especiales pasajes de su experiencia y sus sentires.

Maizú, su seudónimo, fue maestra por largos años, su profesión, sin duda, forjó su espíritu, su paciencia y dedicación, la ardua tarea de un profesor requiere de condiciones personales excepcionales y Maizú tiene a su haber extraordinarias capacidades.

Concluyó su labor educativa con niños y adolescentes del sector sur de Santiago el año 2005, al año siguiente comenzó a desarrollar su poética en el Taller Isla Negra en la Sociedad de Escritores de Chile. Actualmente es miembro activo del Círculo Literario de La Cisterna y del Ateneo de San Bernardo. El año 2010 participa como panelista estable del Programa Cultural “Historia de la Poesía” transmitido por Radio Palabra FM 107.9

Su poemario La Orilla es un reflejo del prolijo quehacer poético desarrollado a través de estos años, en su cosmogonía existe la infancia desvalida: en su poema dedicado a los niños iraquíes “Cuadro de Niños” su pesar es evidente:

“Sus enormes ojos sólo ven

Las brumas de un mundo soterrado y

A un herido que brama

Desangrado en lágrimas”

(de Cuadro de Niños)

O en sus versos dedicados al “Cisarro” un niño que nació bajo el signo de la miseria humana, sin futuro, sin luz ni apoyo, condenado por la sociedad que, tardíamente, se hace cargo de su infortunio:
“Este paria al que nadie ve

Asume taras nuevas en una esquina

Donde su logo son las patadas”

“Sentenciado a tres bocanadas diarias de Rabotril

Alucina que su vida es otra”

(de Pequeño Anarquista)

De temática variada: la pareja humana y -todo lo que conlleva esta asociación- la soledad, lo íntimo y quizás -lo de otro modo inexpresable en prosa- confluye clara y nítida en su poesía:
“Cuántas lluvias han pasado

Desde que tu voz

Se encontró con mi oído

Y tus ojos se acunaron entre mis pestañas”

(de Hombre de lluvia)

“En tu sangre corren chispas y

Una pasión enrollada

Martillea tus sienes

Aparezco,

Tiembla el vacío y te alargas

Como una escalera a la luna”

(de El encuentro y un beso)

La soledad y la espera, tantas veces descritas, tan presentes en poesía, registrada por Maizú de manera tan honesta:
“Transcurre más temprano que de costumbre

Miro la pared

Cuelgan las horas”

“Voy cayendo por detrás del reloj,

Sólo cuentan los instantes en que

Me encuentro contigo”

(de Cuando las agujas se detienen)

Tenemos en nuestras manos un libro extraordinario, un poemario para recorrer y disfrutar, un trabajo concienzudo, correcto y esmerado. Ahora, sólo nos queda transitar estos caminos de la mano de Maizú, la poeta de alas invisibles.

Luisa García H.
(lectora crítica y empedernida)

La Orilla - Primera Edición Febrero 2011
Registro de Propiedad Intelectual N° 200515
ISBN 978-956-345-167-2
Impreso en los talleres IGD Ltda.

GONZALO ROJAS entre la vida y la muerte

2011-03-01T10:05:00.002-03:00

El destacado poeta nacional Gonzalo Rojas, Premio Cervantes de Literatura 2003, permanece "estable dentro de su gravedad", tras sufrir un accidente cerebrovascular el pasado 22 de febrero.

Gonzalo Rojas

Así lo informó el domingo, a través de su sitio web, la Fundación que lleva su nombre: "Gonzalo Rojas continúa siendo monitoreado y apoyado médicamente en su residencia en Chillán. Su condición es grave, pero estable", señala el comunicado.

Debido a su edad (94 años; nació en 1917 en Lebu) y las características del cuadro que lo afecta, los médicos han considerado innecesario trasladarlo a un centro asistencial.

El autor de "Qué se ama cuando se ama" y "Contra la muerte" se encuentra "tranquilo, en estado de sopor, sin molestias significativas", acompañado por sus familiares más cercanos y recibiendo suero y apoyo de oxígeno, añadió la entidad.

El día sábado, el hijo homónimo del poeta, el psicólogo Gonzalo Rojas, calificó de "muy delicada" la situación de su padre, sin descartar que su deterioro sea "irreversible".

La Fundación -que emitió la información tras una reunión de los familiares del vate con los médicos que lo atienden- dijo que la familia "agradece todo el apoyo y muestras de cariño recibidos en las últimas horas" y añadió que, de no presentarse novedades importantes, se emitirá un nuevo informe sobre el estado de salud de Rojas hoy martes, 1 de marzo.

El también ganador del Premio Nacional de Literatura 1992 y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 1992, considerado junto con Nicanor Parra el poeta vivo más importante de Chile, permaneció hospitalizado una semana en septiembre del año pasado a raíz de una neumonía.

Fuente: El Diario de Cooperativa http://www.cooperativa.cl/

A un año del terremoto (Chile 2010)

2011-02-27T00:00:00.002-03:00

Fotografía tomada de http://sullca.com/terremoto-en-chile-2010-fotos-y-videos.html

Este no es un tema literario como acostumbro a tratar o publicar aquí, pero bien vale la ocasión para recordar este terrible fenómeno de la naturaleza ocurrido la madrugada (03:34) del 27 de febrero de 2010.

Fueron 2:45 minutos de terror y caos que han quedado grabados en el alma y en la memoria de los chilenos. Hoy, a un año de terremoto y posterior tsunami, muchas familias recordarán con regogimiento la desaparición de sus seres queridos, la pérdida de sus casas y sus fuentes de trabajo. Los que tuvimos la suerte de no perder algún familiar, estaremos también, acompañándolos en este dolor colectivo que aún está fresco en nuestras memorias.

En aquel entonces fuimos testigos de lo mejor y de lo peor que tenemos los seres humanos, existen tantos héroes anónimos que hicieron esfuerzos sobrehumanos para salvar vidas durante la emergencia, mientras otros se dedicaron a cometer actos indignos durante aquellas horas negras. Me quedo con lo mejor, como aquella madre que estaba en la maternidad de un hospital de la región más amagada, que ayudó a rescatar a otros cinco recién nacidos y junto a otras personas los subieron a un auto para resguardarlos, los protegió, les dió de mamar y los amparó durante aquella larga y oscura noche.

O como Martina Maturana, una jovencita de 12 años, que vivía en una de las localidades más golpeadas por la ola: el Archipiélago de Juan Fernández, un pequeño grupo de islas con una población cercana a los 600 habitantes. Por su distancia de más de 600 kilómetros de la costa chilena, en las islas no se sintió el sismo y sus habitantes desconocían el peligro de tsunami. Por suerte, Martina Maturana miró por la ventana y observó que los botes de la bahía saltaban y chocaban entre sí. Alertada, corrió hasta la plaza del pueblo e hizo sonar el gong instalado en el centro del parque para dar la alarma. Los vecinos se despertaron y corrieron hacia las zonas más altas, salvando así la vida de muchos lugareños. (*)

Muchos otros gestos heroícos se recordarán esta noche, gestos que enaltecen a los seres humanos y nos permiten mantener la fe y la confianza en el prójimo. Nunca se escuchó ni se practicó mas la solidaridad que aquella noche eterna y los días siguientes.

Mi afecto, mi adhesión y fraternidad para todos aquellos que lo perdieron todo y mis agradecimientos por la gran cantidad de correos de amigos extranjeros que recibí por aquellos días.

Luisa García

(*) http://www.thisischile.cl/frmNoticias.aspx?id=3024&sec=288&eje=&t=historias-de-heroes-tras-el-terremoto-)

Color de hormiga, mi poema surrealista

2011-02-18T22:12:00.000-03:00

Un ojo me guiña suspendido

en la telaraña de la inconsciencia

quizás quiera ver la mitad de lo que soy

no se si la mitad buena

o la mala

o quizás ambas

me es indiferente

a fin de cuentas soy un todo

y guardo mi propia percepción

(un poema reciclado)

Luisa García

Emily Dickinson - Dos libros: Poemas a la muerte - Las cartas de Emily Dickinson

2011-01-16T21:50:00.002-03:00

por María Ángeles Maeso.

Emily Dickinson nació 1830 en una pequeña población, Nueva Inglaterra, Amherst, donde transcurrió su vida de soltera entregada a la lectura y a la creación de una obra poética que no obtuvo lectores. Dos mil poemas, de los que sólo vio siete publicados, y un millar de cartas componen su legado literario. Murió en 1886, a los 56 años, en la misma casa en que nació y que compartía con su hermana, también soltera, en completo anonimato.

La vida en Amherst severa y monótona, sin bailes ni juegos, con sus damas vestidas de negro, era regida por la religión calvinista. La familia de Emily componía toda una institución puritana, el padre, educado en Yale, era un abogado que formó parte del Congreso de Washington; el abuelo, había fundado el College de Amherst guiado por la certeza de que era el medio más idóneo «para precipitar la conversión del mundo entero». Emily estudio en la Academia y posteriormente en el seminario femenino de South Hadley. Alguna vez viajó a Boston y a la sede del Congreso Americano. El resto es el extremado recogimiento con que se cerró al mundo.

Las biografías que incorporan anécdotas sobre sus fracasos sentimentales, tratando con ellas de explicar su férreo aislamiento, se contradicen y al parecer carecen de rigor. Apuntes biográficos como los de Ernestina Champourcín y Ernesto Domenchina, en su edición de 1946, recogen excentricidades de la poeta negándose a recibir visitas salvo que estas admitieran que Emily permaneciera como interlocutora fantasma en una sala oscura, invisible al visitantes; sin embargo, estos relatos parecen ser fruto más de leyenda que de realidad. Hace bien Rubén Martín en no perder el tiempo en su prólogo con estos supuestos.

Cierto es que la poeta se enluta, decidida a vestir de blanco, sin que se pueda afirmar que tal decisión partió del dolor que le supuso el traslado a California del pastor presbiteriano del que estaba platónicamente enamorada. Fuera por lo que fuera, no debió, en todo caso, resultarle muy difícil habitar la ausencia, ella ya había asumido algunos de los principios de la poética de Emerson, («las palabras son acciones también, y éstas son una especie de palabras») al que leyó guiada por Benjamín Kranklin, uno de los amigos de su padre. Vivir por y para la poesía es lo que ella decidió. Sus poemas son tan luminosos que nos permiten suponer esa apuesta por la libertad de pensamiento:

En el nº 486 explica:

«Allí podía coger la Hierbabuena

que no cesaba nunca de caer-

con sólo mi Canasta-

Dejad que piense- Sí, estoy segura-

De que eso era todo-

Nunca hablé -de no ser preguntada-

y respondía breve y levemente-

No soportaba vivir –vivir en voz alta-

me avergonzaba tanto el Alboroto-»

La soledad de su existencia fue pareja a la de su obra que no se editó íntegra hasta 1955. Ambas son extraordinarias. Cuando, en 1862, Thomas Higginson, el crítico literario de un periódico local recibió una carta y cuatro poemas de Emily Dickinson tuvo la impresión de estar ante un genio poético tremendamente original, imposible de clasificar. A tal extrañeza contribuiría la constante presencia de guiones, comillas o el uso caprichoso de las mayúsculas. Características tipográficas que vemos eliminadas en algunas ediciones y que respeta esta edición. Algo que no veríamos normalizado hasta bien entrado el siglo XX. Emily Dickinson era demasiado rara y tuvo que esperar a que la rareza se considerara un valor conjugable con lo sublime. En una de esas cartas al mismo crítico puede leerse: «Ellos (mi familia) son religiosos –excepto yo- y se dirigen a un eclipse, todas las mañanas, al que llaman Padre». Su poesía era extraña y hoy siguen sorprendiéndonos el laconismo de sus imágenes como relámpagos contundentes.

En su copiosa obra está presente el amor, la religión, la naturaleza y sus procesos, el pasmo ante la finitud de la vida o ante el más allá. Al ser recopilada se tituló Poemas y estos también carecieron de título. Las cifras que les identifican se ajustan a una mera ordenación cronológica. La reciente edición que ofrece Bartleby recoge 155 poemas de uno de los temas más tratados por ella: la muerte. Rubén Martín, en el prólogo, haciéndose eco de las palabras de Harold Bloom («exceptuando a Shakespeare, Dickinson demuestra más originalidad cognitiva que ningún otro poeta occidental desde Dante») precisa en qué radica el mérito y la originalidad de esta obra: una poesía de pensamiento que sin embargo indaga en lo que no puede ser pensado: la muerte, algo que jamás podremos conocer, salvo en sus alrededores, en las agonías como preliminares anunciadoras. Dickinson no desprecia nada para esta indagación condenada al fracaso: Observa el hecho en su materialidad, en su proceso biológico; prueba otros puntos de vista: Una foto religiosa, con fe en la inmortalidad incluida; otra sentimental, desesperada, examinando el abandono y el suicidio; otra con cierto distanciamiento irónico y humorístico… En todos los casos nos sacude llevándonos por los pasadizos del cerebro, más aterradores que cualquier mansión encantada, según dice ella en un poema. En su esforzada apuesta por el conocer nos lleva de la mano entregándonos constantemente una obsesión: caer, morir también lleva su tiempo, como advierte en el poema Nº 997:

«El desmoronamiento no es Acto de un instante

Una pausa esencial

El deterioro y sus procesos

Son como organizadas Decadencias.

Primero Telarañas en el Alma

Una Película de Polvo

Agujero en el Eje

o Elementales Óxidos-

La Ruina es ordenada –un trabajo diabólico,

consecutivo, lento-

Ningún hombre cayó en un solo instante

Deslizarse –es la ley que rige el Choque.»

El genio americano de esos días era Walth Whitmann. Su poesía dialéctica entre el ser consigo mismo y con el mundo obtuvo receptores con sed de optimismo. Pero los poemas de la Dickinson no presentan puente alguno que nos devuelva al exterior. No sirven para la épica. La Dickinson ha visto con estremecedora claridad que «nos enterramos a nosotros mismos con un dulce desdén». Esta antología bilingüe es un buen modo de comprobarlo.

Poemas a la muerte
Emily Dickinson
Selección, traducción y prólogo de Rubén Martín
207 páginas
Bartleby, 2010

Fuente: http://www.culturamas.es/blog/2010/04/13/poemas-a-la-muerte-de-emily-dickinson/

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Las cartas de Emily Dickinson

Emily Dickinson

"¿No es la distinción del Afecto casi un Reino suficiente?", anota en una de las 101 epístolas recopiladas en este volumen.

por Luis Vargas Saavedra

Rilke aconsejó que "Para escribir un sólo verso, hay que haber visto muchas ciudades, muchos hombres y muchas cosas; hay que conocer a los animales, hay que haber sentido el vuelo de los pájaros y saber qué movimientos hacen las flores al abrirse por la mañana. Hay que tener recuerdo de muchas noches de amor, todas distintas, de gritos de mujer con dolores de parto y de parturientas, ligeras, blancas y dormidas, volviéndose a cerrar. Y haber estado junto a moribundos, y al lado de un muerto, con la ventana abierta...".

Opuestamente, Emily Dickinson nació en Amherst, un pueblo chico, en 1830 y al final de sus cincuenta y seis años de vida se encerró en su casa, se vistió de blanco, y se apartó de la sociedad, no de las estaciones, las abejas, los pájaros: "La Naturaleza es una Casa Embrujada -pero el Arte- una Casa que trata de embrujarse".

Su musa era esa soledad voluntaria que recuerda la reclusión cautelosa de Jerome David Salinger. Tales polos de actitud demuestran que no hay ley causal para la inspiración y que cada artista halla su modus operandi.

Puesto que la literatura engendra literatura, Emily Dickinson leyó y absorbió a Poe, Emerson, Whitman, George Sand, Charlotte y Emily Brönte, Twain, Browning, Byron, Tennyson, Coleridge, Hawthorne, Irving, Dickens, Elizabeth Barret, Browning, Robert Browning, y Keats, su poeta preferido. Pero encima de todos, Shakespeare. En su último año de vida escribió a un amigo que debía viajar a Stratford-upon-Avon: "Toca a Shakespeare por mí".

Métrica, humor, vocabulario, variedad: todo eso le llegaba de esos autores y de los clásicos latinos, captados con incesante profundidad en la apacible vida de su aldea en New England, zona verde y húmeda de lluvias, donde las cuatro estaciones se ostentan.

Emily Dickinson creció en un ambiente de biblia y misionerismo, anteriores a la Guerra de Secesión y aunque la trabajaron sus maestras en Holyoke (un colegio femenino fundado en 1837) no consiguieron convertirla en misionera. Sabía que su misión era la poesía y que su fe no se ataba a iglesia ni a secta. Ironiza la certeza pedida por Santo Tomás: "La fe de Tomás en la anatomía es mayor que su fe en la Fe". Y en cuanto a la caminata de Pedro sobre el lago comenta: "Nosotros dignificamos nuestra fe cuando podemos cruzar el océano con ella, aunque la mayoría prefiere los barcos". Hay muchas cartas en que el tema es la posible inmortalidad en el cielo. Son meditaciones y dudas causadas por la secuencia de seres queridos que se le fueron muriendo. Pareciera que el último de tales zarpazos fue la muerte de un sobrinito, en 1883. Le expresa su dolor a Susan Gilbert Dickinson, su cuñada y madre del niño: "A Gilbert le regocijaban los Secretos. Su Vida latía con ellos - Con qué amenaza de Luz exclamó: 'No lo cuentes, Tía Emily'. Ahora mi Compañero de Juegos ascendido debe instruirme a mí. ¡Muéstranos sólo, Preceptor balbuciente, el camino hacia ti! No era ningún creciente esta Criatura - Viajaba desde lo Lleno".

Eso parece escrito por Rilke. Conste el uso de mayúsculas y de guiones, por dar majestad y ritmo.

No hay certezas en cuanto a su vida sexual. Le conjeturan dos amados a los cuales escribió cartas y de los cuales escribió poemas de amor. Uno le pidió la mano, ella rehusó. Nada más. Mejor así. Sobra enchapar en lo biográfico una poesía que ha trascendido el detalle, la anécdota, la revelación.

Las cartas juveniles de 1847 a 1857 son hogareñas, notician salud ajena, lecturas, encuentros, ausencias; son fáciles, carecen aún del giro original que tendrán las ulteriores, cuando esté cuajada la poeta. Interesa, como siempre, rastrear la génesis y el desarrollo de un genio... ¿Lo era? En los Estados Unidos se la ha tasado como tal, incluso decorándola con un viso de locura que acaso no sea más que una depresión creciente en alguien ya bipolar. Pero ¿lo era? Catando la vastedad de una obra que se desprende de la moda literaria de su tiempo, que se evade del protestantismo y que incluso gobierna una puntuación y un laconismo personales, habría que concordar en que Emily Dickinson fue un genio: alguien capaz de lograr sola lo que muchos asociados no podrían.

Los mayores obstáculos para entrar en estas 101 cartas (bien traducidas y anotadas como están) son el uso de metáforas en clave y el laconismo. Resulta entonces que la condensación de los significados, magnificada por el minimalismo sintáctico, da textos de poesía telegráfica, que serán maravillas o enigmas según quien los lea. Lo que sí es fascinante es presenciar los dos niveles en que vivía -o los cuatro. Vive caseramente con su hermana, su padre y su madre, y a la vez líricamente tanto con los objetos y tareas domésticas como con lo imaginario. Y este ámbito se bifurca en el amado y en la poesía. Incluso, dentro de la poesía, ella se divide entre la creación de los poemas, a la par con la creación de ella como poema, más la cautelosa y hábil constatación de qué efectos producía en sus escasos lectores. Pues buscaba el inevitable riego de la crítica. Por eso le escribió a Thomas W. Higginson, al que llamará su Maestro, preguntándole si sus poemas estaban vivos. Lástima que el Maestro no pudo apreciar la rara poesía que le iría confiando. Y por los consejos de rima y de ortografía que le diera, él se revela como disciplinado y ella como intrépida.

Las amorosas cartas a su cuñada Susie van más allá de un infatuamiento adolescente y se deslizan al amor y a lo erótico, de un modo platónico. "Mi vida ha sido demasiado sencilla y disciplinada para avergonzar a nadie".

Esta selección de cartas equilibra bien todas las modalidades amatorias de una artista defensiva en un medio exigente: no se casó, no tuvo hijos, no salió de su país, pero cultivó la correspondencia: "Una carta es una alegría de la Tierra - denegada a los Dioses". Más de mil veces se dio esa alegría.

Fuente: www.emol.com

Gabriela Mistral (Carta de Victoria Ocampo a su hermana Angélica)

2011-01-09T23:38:00.001-03:00

Con motivo de cumplirse un año más de la muerte de Gabriela Mistral, transcribo una interesante carta de Victoria Ocampo a su hermana Angélica en la que relata cómo vio a la poeta en sus últimos días de vida en su casa de N. York, esta misiva es parte de la nota 42 página 287 del libro "Gabriela Mistral - Victoria Ocampo - Esta América Nuestra - Correspondencia 1926 -1956"

Victoria Ocampo fue a Nueva York y visitó a Gabriela Mistral en su casa y luego en el hospital. En Diciembre de 1956 escribe una carta a su hermana Angélica describiendo la visita: “Ayer por la mañana fuimos con Victoria Kent y Louise (Crane) a Roslyn (Long Island) a ver a Gabriela. El lugar donde vive (donde se está muriendo), es precioso, lleno de árboles y de casitas suficientemente espacées para no molestarse mutuamente). La suya –la de Doris, que lleva junta a ella una vida de abnegación filial que rara vez se da en forma tan absoluta y está sobre a hill. De cada cuarto (con ventanas modernas que toman todo un “pan” de pared casi entero; otras están como a un metro 70 del suelo, son angostas y largas, y dan toda la vuelta del cuarto) se ven los bosques circundantes; en realidad son más bien plantación de árboles con espacio entre ellos, de modo que no se ahogan. A lo lejos, hay algo así como unas colinas …

La casa moderna, con su buen garage y un envidiable auto delante de él (Angélica averíguame si se puede llevar auto) está rodeada de un jardín sin verja, a la americana. Dentro, tiene cuartos de buen tamaño, excelente cocina y una calefacción de los mil demonios, como toda casa americana cuya temperatura he podido experimentar (yo me ahogo con esa calefacción de incubadora. En casa de Crane vivo abriendo mi ventana, la que deja entrar por cierto un chiflón glacial y viven cerrándomela en cuanto salgo de mi cuarto).

La flacura y debilidad de Gabriela son de campo de concentración. Estaba en cama, con un camisón de una especie de franela rosada. Un indio. Todo lo indio se le ha acentuado con la enfermedad: el color, la lentitud de los movimientos, la inmovilidad de la cara donde sólo la boca se entreabre con dificultad, parecería para dejar pasar una voz debilitada y palabras titubeantes.

Me vio con placer. Pero el tiempo ya no existe en su cabeza. Quiero decir que mezcla todas las épocas. Me preguntaba: “Dónde irá a parar Italia?”. Pensaba supongo en la Italia de Mussolini. Y a la otra Victoria le decía que en España acabarían por vencer (pero no recuerdo los términos).

Ha guardado su hablar pintoresco. De las cosas diarias puede conversar sin desvariar: la comida, que no tiene ganas de comer; el cigarrillo que quiere … y luego ni fuma; el gato, o la gata que es muy enamorada, etc. Tenía entre las manos un paquete de cigarrillos. Sacaba un cigarrillo tras otro, elle les roulait entre sus dedos y caían después sobre la colcha. Y volvía a sacar otro cigarrillo como si no de diera cuenta de que ya había sacado varios. Cuando encendió uno, de pronto lo tomó por el lado encendido, sin fijarse (es decir que casi puso la mano sobre la punta encendida). De pronto, se levanta lentamente de la cama y, en su camisón de franela rosada, con medias de lana rojas en lugar de zapatillas, empieza a vagar hierática por los cuartos. El camisón cae sobre el cuerpo como si el cuerpo no existiera y fuera sólo una percha con una cabeza en vez de gancho. El gato se trepa por la cama y ella lo mira como una sonámbula. No me preguntó por todo lo que había sucedido en la época de Perón. Ella que tanto quería saber cosas y que tanto pedía detalles… no hizo alusión a la cárcel. Me dijo que no salía nunca, que no se movía de la casa (hacía 4 días que había regresado de una clínica). En fin, es un espectáculo doloroso. Gabriela tiene esa inquietud propia de la gente que está próxima a la agonía. Pero no se da cuenta de nada. Claro que conoce a la gente (ayer por lo menos): me pidió que me quitara los anteojos para verme los ojos. Yo no sabía qué decirle, ni qué actitud tomar. I am no good with ill people. Me cohibo.

Almorzamos allí. Con esto quiero decir que Louise y Doris fueron a comprar unos de esos hamburgers, que detesto, un cake que parecía de perfumería (el tipo de cake americano incomible) y queso (el queso estaba bien). Comimos sentadas en el cuarto de Gabriela, pero como se cansó, fuimos a tomar el café al living room. Es realmente tristísimo que acabe así… un poco en la línea de sonambulismo de toda su vida, pero como en siniestra caricatura de sí misma. No quiere comer. No duerme (…)

A las 3 y media yo me volví a New York y Victoria K. y Louise siguieron a Connecticut, para pasar el domingo en la casa de campo de Louise. Yo no quise ir porque no quiero hacer las valijas por el momento. (Cartas a Angélica, 101-103)

Gabriela Mistral (Vicuña, Chile 7 de abril de 1889 - Nueva York 10 de enero de 1957)

Dostoievski y su doble

2011-01-05T22:57:00.000-03:00

Fiódor Dostoiesvski

Publicaciones Retorno al autor ruso:

Es uno de los grandes escritores del siglo XIX y, para algunos, de la literatura de todos los tiempos, con obras como "Crimen y castigo" o "Los hermanos Karamazov". El volumen inicial del proyecto de sus obras completas en castellano y el tomo final de la mayor biografía sobre el novelista ruso, junto a una edición de sus cuentos, son algunas muestras de la renovada atención por Dostoievski.

por Patricio Tapia

En 1846, el mismo año en que aparece su primer libro, la novela "Pobres gentes", el joven ingeniero militar que se perfila como una estrella literaria en ascenso, Fiódor M. Dostoievski, publica una nouvelle , "El doble", en la que el protagonista -un funcionario llamado Goliadkin- conoce a un hombre idéntico a él que comienza a generarle problemas de toda índole y, poco a poco, a usurpar su vida. La idea del "doble" será recurrente en su obra posterior (está, por ejemplo, en el asesino Raskólnikov, de "Crimen y castigo", quien no sabe si considerarse un Napoleón o un piojo; también en Iván Karamazov, quien habla con más de un "otro yo", entre ellos, el diablo).

Esa capacidad de desdoblamiento, de adoptar distintos puntos de vista, incluso contradictorios, entre personajes o en un mismo personaje, es una característica de Dostoievski, que uno de sus críticos más perspicaces, Mijaíl Bajtín, llamó "polifonía": diversas voces y perspectivas que se entrelazan y a veces chocan. Pero esta dualidad no es la única en relación a Dostoievski. Está la existente entre su vida y su obra, íntimamente ligadas. Y a ésta hay que agregar la dualidad entre su verdadera vida y la imagen que de ella se han formado por afirmaciones, exageraciones o ataques surgidos del propio escritor, sus contemporáneos o sus críticos. Por último, hacia el final de su vida, se presenta la dualidad entre sus escritos políticos y periodísticos del día a día y sus ambiciosas novelas que buscan aprehender grandes verdades.

Vidas y obras

Para desentrañar todas estas cuestiones, probablemente nadie ha hecho más que Joseph Frank (1918), profesor emérito en Princeton y Stanford, con su proyecto Dostoievski, una de las grandes, y no sólo por su tamaño, biografías del siglo XX. El Dostoievski de Joseph Frank, cuyos primeros cuatro volúmenes -invariablemente saludados como magistrales, conformando una empresa monumental- aparecieron entre 1976 y 1995. El volumen final (y más extenso) apareció en 2002, y ahora en castellano. La característica principal de Frank es que traza la evolución del hombre, del artista y de su época. Mezcla de biografía, crítica literaria e historia cultural, intenta comprender las obras del ruso sin trivializarlas, con un interés que va de la obra a la vida y no al revés, poniendo sus libros en contexto, al interior de los debates filosóficos, artísticos, políticos y religiosos de su época. Los tomos de Frank son tan ricos en anécdotas personales y en detalles de historia social, que bien pueden servir como una introducción a la historia intelectual de la Rusia del siglo XIX.

En la vida de Dostoievski hay hechos conocidos que reaparecen en su obra: su madre murió de tuberculosis en 1837 y un año después su padre, aparentemente a manos de sus propios siervos. De joven se involucró con revolucionarios y socialistas utópicos (los "petrachevistas"), lo que lo llevó a ser detenido y encarcelado en la prisión más siniestra del imperio, donde empeora su salud y aumentan sus ataques de epilepsia. Luego es condenado a muerte a los 28 años y debe enfrentar un simulacro de ejecución (aparentemente una broma del zar) en 1849. Se le conmuta la pena por 4 años de trabajos forzados -que pasó en Siberia, día y noche con grilletes, haciendo los trabajos más duros y repugnantes- y más tarde el servicio como soldado raso por 6 años, cerca de la frontera con China, donde se casaría con su primer gran amor, tan ardiente como desdichado, el primero de una serie de relaciones tormentosas, que culminarían con Anna Grigórievna, a la que conocería como taquígrafa (le dictó en un mes "El jugador") y que se convertiría en su esposa en 1867. Editaría revistas, se endeudaría, se entregaría al juego, recorrería Europa, y escribiría sus libros, siempre acuciado por la necesidad de dinero y contra los plazos, a veces imposibles, de entrega.

Mucho de su biografía se transmuta en narraciones: el recuento de la prisión en "Apuntes de la Casa Muerta", la evocación de los minutos previos a morir en "El idiota"... Dostoievski fue hijo de un matrimonio infeliz, cuya impronta recrea en "Nétochka Nezvánova" o en "Humillados y ofendidos", y su amor por el campesino ruso se remonta a su infancia (su padre tuvo una propiedad en el campo): el recuerdo de un siervo que lo calmó en un momento de inquietud, de niño, inspira su relato tardío "El mujik Maréi".

Esta amalgama entre vida y obra, sin embargo -junto a los dichos del propio Dostoievski, los de sus amigos y enemigos-, ha llevado a dar toques espeluznantes a la vida del escritor ruso, con su mundo subterráneo de humillaciones, afrentas, de culpa y asesinatos, con su mezcla de lo sublime y lo vil (en las novelas, de manera típica, las conversaciones más emocionantes suelen tener lugar en los lugares más sórdidos, donde "crujen las cucarachas"). Pero los tomos de la biografía de Dostoievski de Frank le quitan énfasis a la imagen melodramática del escritor: el gran sufriente, pecador, ludópata, sádico, masoquista, fanático religioso y pedigüeño, el rival bilioso que cae al suelo entre convulsiones epilépticas. La imagen que da Frank es la de un sujeto más bien amable, devoto, vulnerable, marido cariñoso y padre tan lleno de dulzura como de sufrimiento (dos de sus hijos murieron pequeños), amigo leal y editor paciente, que trabaja, ciertamente, en las condiciones menos deseables, con dolencias físicas, morales y financieras.

Evolución

El proyecto de Frank disponible hasta ahora en castellano recorría los sorprendentes cambios de fortuna de Dostoievski y su evolución tan contradictoria como sincera: desde la burla a los eslavófilos y la admiración a los socialistas utópicos hasta la defensa del nacionalismo eslavo. Partía con "las semillas de la rebelión", en su primer volumen, con el joven Dostoievski, el de "Noches blancas" y "Pobres gentes", participando de unas ideas cristianas cercanas al socialismo y un sentimiento de piedad hacia los humillados, buscando entrar en la sensibilidad de los humildes, denunciando la opresión burocrática. (Las obras que escribe entonces están en el primer volumen de otro gran proyecto, la edición castellana de las "obras completas" del ruso). Y llega hasta los "años milagrosos", cuando, entre 1865 y 1871, escribe tres grandes novelas: "Crimen y castigo", "El idiota" y "Los demonios" y dos importantes nouvelles , "El jugador" y "El eterno marido".

Si el individuo que surge de los volúmenes previos de Frank es notoriamente menos explosivo e incontrolable que lo que suele señalarse, el último tomo de su biografía, "El manto del profeta", que cubre la última década de la vida de Dostoievski, contrapesa esa imagen, en la que tal vez cargó demasiado las tintas positivas, mostrando su irritabilidad y su carácter imprevisible, su capacidad para la sátira, la crueldad y el odio.

El profeta

El libro comienza cuando Dostoievski regresa a Rusia tras una ausencia de 4 años en Europa, viaje motivado en parte buscando tratamiento para su epilepsia y en parte escapando de sus acreedores (lo que vio de Europa no le gustó: la sociedad occidental le parece demasiado individualista y racionalista). Es un período relativamente feliz para el escritor: su joven y práctica esposa se encarga de aplacar a sus acreedores, es presentado al zar Alejandro II, edita una revista, escribe una columna que luego se convertirá en "El diario de un escritor" y completa la que muchos, entre ellos Frank, consideran su obra maestra, "Los hermanos Karamazov". Esos son los dos grandes proyectos finales de Dostoievski, y Frank los pone en el centro de su libro.

En "El diario de un escritor" (ver detalles en E 4), Frank debe reconocer los exabruptos xenófobos de Dostoievski. Al escribir su diario, va aumentando su nacionalismo mesiánico: apoya la guerra contra Turquía, en lo que no vio una aventura imperialista sino una liberación eslava; se muestra crecientemente antieuropeo, anticatólico y antisemita.

Aún mejor es su tratamiento de "Los hermanos Karamazov", citando cartas y notas para aclarar las intenciones del autor y cómo ese libro refleja muchas de sus preocupaciones mayores: el conflicto entre razón y fe, la debilidad familiar. El libro es un estudio sobre los conflictos y afinidades de una familia inestable y apasionada, una aproximación a la rebelión contra el padre y contra Dios. En la novela, el patriarca es asesinado y sus hijos alguna vez quisieron asesinarlo. El capítulo más famoso, y que a veces se publica por separado, es la "leyenda del Gran Inquisidor", que uno de los hermanos, el ateo Iván (pero un ateo que está muy cerca de la fe), cuenta a otro, el muy creyente Aliosha.

Ambas obras, "El diario de un escritor" y "Los hermanos Karamazov", confirmaron en lo que ya antes Dostoievski se había empezado a transformar: una figura nacional, un líder espiritual y un consejero moral. En 1880 es invitado a participar en la inauguración del monumento a Pushkin en Moscú: acto de gran importancia social, en que Dostoievski ofrece un discurso deslumbrante, seguido por aplausos y vítores de media hora (y donde se eleva sobre su eterno rival Turgénev). Casi un mes después de publicado como libro "Los hermanos Karamazov", Dostoievski muere pacíficamente, en el sueño. Su funeral fue multitudinario (30.000 personas), con honras sin precedente.

Las novelas y relatos de Dostoievski, muchas veces como alucinaciones o fantasmagorías, son representaciones de las luchas al interior del ser humano. Él fue capaz de escenificar las ideas de su tiempo (el romanticismo social en la década de 1840; el nihilismo, en la de 1860; el populismo, en la de 1870), ideas que parecen lacerar a sus grandes personajes con su visión de la familia como un campo de batalla, con su creencia en el poder santificador del sufrimiento y con su hambre, nunca saciada, de lo absoluto.

Mucho de la biografía de Dostoievski, se transmuta en sus narraciones y novelas: el recuento de la prisión en "Apuntes de la Casa Muerta", la evocación de los minutos previos a morir en "El idiota"...

Las novelas y relatos de Dostoievski, muchas veces como alucinaciones o fantasmagorías, son representaciones de las luchas al interior del ser humano.

Libros comentados

Dostoievski. El manto del profeta

Joseph Frank

Traducción de Juan José Utrilla, Editorial FCE, México, 2010, 965 páginas.

Obras completas I

F. M. Dostoyevski

Edición de Ricardo San Vicente, Editorial Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores, Barcelona, 2009, 1.196 páginas.

Cuentos completos

F. M. Dostoievski

Traducción y edición de Bela Martinova, Editorial FCE / Siruela, México, 2010, 519 páginas.

Obras completas y cuentos completos

Está disponible el tomo I de unas "Obras completas" (proyectadas en 8), de Dostoievski, editadas por Ricardo San Vicente. Este tomo contempla una introducción de Augusto Vidal y 13 obras escritas antes de su detención y condena, desde "Pobres gentes" y "El doble" (1846) hasta "Nétochka Nezvánova" (1849), su primera novela sobre niños. Más "El pequeño héroe", escrito ya en la cárcel. A cargo de Bela Martinova hay una edición de "Cuentos completos": coincide con muchos títulos anteriores, pero no es clara su postura ante el problema entomológico de distinguir entre cuentos y nouvelles (y por qué incluye "Noches blancas" y no "El doble"). Avanza en relatos posteriores, destacando trazos humorísticos y satíricos, o de crítica social: "El cocodrilo" (1865), adelanto kafkiano en que parodia las ideas liberales o el humor sádico en "Un episodio vergonzoso" (1862). Y los relatos incluidos en "Diario de un escritor": como "Bobok" (1873), "La sumisa" (1876) o "El sueño de un hombre ridículo" (1877).

Fuente: El Mercurio

Saludo de fin de año

2010-12-29T15:14:00.000-03:00

Marta Brunet en la fértil provincia

2010-12-26T16:08:00.000-03:00

Marta Brunet en la fértil provincia

Por Diamela Eltit

Tomando distancia del criollismo, esta singular escritora organizó una poética de la soledad y del desamparo más radical, y abordó el transcurrir de las vidas provincianas sometidas a duras normativas laborales y a las convenciones religioso-políticas de su tiempo. Varias de sus obras pueden encontrarse en librerías.

Durante la primera parte del siglo XX, justo en el tiempo en que un sector de la escritura literaria chilena se impregnó de la libertad estilística que recorría a las vanguardias europeas, la escritora Marta Brunet (1897-1967) se negó al cosmopolitanismo para concentrarse, de manera absorta, en plasmar los dilemas locales de una sociedad todavía atada, en gran medida, a la producción agrícola.

El pueblo y el campo fueron sus sedes literarias más frecuentadas. Allí, Marta Brunet organizó una poética no sólo de la soledad, sino también del desamparo más radical. Desde esas poéticas abordó los modos en que transcurrían las vidas provincianas o campesinas, sometidas a duras normativas laborales y a fuertes represiones simbólicas dictadas por las convenciones religioso-políticas de su tiempo.

La literatura de Marta Brunet buscó poner de manifiesto la arbitrariedad que portan las convenciones. Mostró una superficie social asfixiante que a menudo sólo ocasionaba infelicidad y opresiones en los habitantes de los poblados, o provocaba dramas marcados por el fantasma del incesto en familias aisladas en casas que parecían no pertenecer a ninguna parte.

Marta Brunet nació en Chillán, pero vivió parte de su infancia y primera juventud en el fundo Pailahueque en la localidad de Victoria. Cuando tenía catorce años, en plena adolescencia, viajó con sus padres por Europa para retornar a Chile después de tres años. Debido a la considerable distancia que la separaba de la escuela, fue educada por institutrices y profesores particulares. Luego de la muerte de su padre su situación económica cambió de manera abrupta y, para sostenerse junto a su madre, se dedicó, entre otros oficios, según algunas fuentes, a la quiromancia, y según otras, a la grafología. Se radicó en Santiago y junto a María Luisa Bombal participaron en una compañía teatral de aficionados que representó numerosas obras.

Colaboró en la revista Familia, de la que llegó a ser su directora. Más adelante, Marta Brunet, quien fue adherente aunque no militante del Partido Radical, sirvió por varios años como diplomática en Buenos Aires y Montevideo. Allí entabló relaciones con la poderosa intelectualidad rioplatense de su época. Obtuvo el Premio Nacional de Literatura en 1961.

Del criollismo a la introspección

Sus inicios literarios ( Montaña adentro, 1923) estuvieron marcados por su pertenencia al movimiento criollista, una corriente que homologó la potencia de la naturaleza con el psiquismo de sus habitantes, y cuyo exponente chileno más consolidado fue Mariano Latorre con su reconocida novela Zurzulita. Sin embargo, el proyecto literario de Marta Brunet iba a modificarse mediante el desplazamiento de formas descriptivas hacia una paulatina pero sostenida introspección. En su viaje literario por las técnicas y los signos fue escribiendo, de manera todavía inédita en la literatura chilena, las condiciones del sujeto femenino: sus estrategias y sus difíciles formas de sobrevivencia en un espacio social que le resultaba adverso.

Desde diversas perspectivas, Marta Brunet se abocó a textualizar el "signo mujer". Ya en 1927, en su obra María Rosa, Flor de Quillén, reescribió y reformuló el texto canónico Don Juan Tenorio, y mediante el humor, el burlador de la honra de las mujeres resultó burlado. Esta vuelta de tuerca no fue ensayada en la España del Siglo de Oro, sino en el sur de Chile, en medio de un mundo agrario, estrecho, regido por el predominio del trabajador agrícola, en donde María Rosa, la protagonista, se iba a convertir en el botín del don Juan local. Sin embargo, luego de consumado el encuentro sexual entre ambos, María Rosa consiguió ocultar, mediante una convincente argucia, lo sucedido, y, de esa manera, sometió al ridículo ante sus pares al don Juan campesino.

Ya en este texto primigenio y acaso primordial, Marta Brunet puso de manifiesto los elementos que más adelante iban a ordenar no sólo su ruta literaria, sino también su intensa incursión en la subjetividad femenina. Porque lo que su personaje María Rosa operó frente al engaño que la iba a destruir fue la negación del romanticismo como centro estructural del sujeto femenino. Lo negó cuando María Rosa comprendió que sólo formaba parte de una apuesta entre hombres y, más que victimizarse o condolerse ante la burla, sencillamente ocupó su inteligencia para superar la pérdida de su honra, salir indemne ante su comunidad y, pese a todo, conservar su aura de pureza.

Desde otra perspectiva, en su poderoso relato "Soledad de la Sangre", publicado en 1943, mostró el "sentimentalismo femenino" como agudo instrumento de dominación y alienación. La protagonista de este relato, sometida a una vida rutinaria, relegada junto a su esposo en una casa en medio del campo, huye de su realidad mediante un gramófono que le permite fugarse de sí a través de la música. Acude hasta sus recuerdos de infancia y especialmente hacia un idealizado amor adolescente. El gramófono entonces es el elemento que la separa de su contingencia para conducirla a un mundo irreal, pleno de fantasías de perfección. Hasta que estalla la violencia y el gramófono se rompe o, desde otra perspectiva, ella se enfrenta a su propia vida. Allí se somete a la disyuntiva de irse o permanecer en su casa, aceptar su cuasi vida, a ese marido. Se queda en su casa.

Su decisión, desde una perspectiva superficial, podría ser analizada como una derrota, pero también admite otras hipótesis, como la capacidad de adquirir una necesaria lucidez en torno a su propia vida y despojarla de ese romanticismo cegador. Hacerse cargo de un transcurso no perfecto, pero que obedece a su propia construcción. Y esa autoconciencia es la que pulveriza la alienación que antes velaba todo su presente y la expropiaba de sí misma.

Marta Brunet no se propuso la redención del sujeto mujer, sino más bien señaló críticamente cómo la sociedad "producía" lo femenino, sometido a espejismos y fantasmas emotivos cursis, que ensombrecían su vida más material y concreta. Pero en su relato "Soledad de la Sangre" también exploró la cuestión del poder. Demostró que a pesar de que la protagonista generaba recursos económicos que incrementaban los ingresos familiares y ese aporte le otorgaba una cuota de poder en el interior de la casa, el problema de la desigualdad persistía porque radicaba principalmente en factores simbólicos encargados de operar y reproducir la jerarquización de los cuerpos.

María Nadie, la amenaza de la mujer emancipada

En su novela María Nadie (1957), Marta Brunet escribió y describió plenamente a la mujer moderna encarnada en María, una mujer que trabajaba en el servicio público, soltera, que llegó al pueblo a desempeñar sus funciones. Su independencia se transformó en una amenaza para las múltiples convenciones imperantes. De allí que el espacio provinciano tomó un derrotero alegórico y el pueblo entonces se erigió en un discurso cultural ultraconservador. Voces sociales que se oponían férreamente a los cambios, un pueblo que observaba en María el desorden de sus normativas y el riesgo de su posible disolución.

El pueblo alcanza en la obra el estatuto del miedo, la represión y hasta el terror frente a la otredad moderna. Allí estallan todas sus pulsiones más hostiles. La comunidad se une en contra de la "extraña" que con su sola presencia llega a proclamar una autonomía que perfora el orden. Una "forastera" que incomoda tanto a hombres como a mujeres porque afecta sus certezas y puede debilitar las estructuras de un comportamiento agudamente disciplinar.

El viaje de María desde la capital a la periferia provinciana parece ser una inmersión en los centros neurálgicos de los estereotipos y de las represiones sociales. Su fisonomía moderna lastima las tramas duramente tejidas por la historia cultural. De manera irremediable, María es expulsada del lugar. Su permanencia allí resulta imposible porque augura un cambio que no puede ser incorporado por una sociedad petrificada. Pero, a pesar de todo, María cuenta con un empleo y un salario que le permite obtener un "lugar en el mundo", un lugar que radica en la posibilidad nómada del desplazamiento, del ejercicio de una constante movilidad frente a un espacio social local formado por voces centristas, hegemónicas y perfectamente articuladas entre sí. En suma, María Nadie (a pesar de su nombre elocuente) sobrevive de manera precaria porque puede desplazarse y vagar por los códigos sociales, desde la libertad que le otorga no sólo su deliberada soltería, sino amparada además por su trabajo remunerado por el Estado (laico).

Parece necesario insistir en la prolongada batalla con los signos literarios que mantuvo Marta Brunet. A lo largo de más de cuarenta años de una sostenida producción consiguió imprimir su aguda inteligencia mediante la construcción de relatos que se fundaban en atmósferas cargadas de sugerencias e hilos inacabados, de finales abiertos, de personajes que se debatían tensamente contra el espesor más íntimo de ellos mismos. Parapetada en la provincia, logró instalar psiquismos complejos, dotados de vueltas y revueltas, de resignaciones y vaivenes. De esa manera, esta singular escritora chilena no sólo presagió parte de la obra de José Donoso ( Humo hacia el Sur, 1946), sino que además pensó y repensó a los cuerpos cautivos por mandatos angustiosos que se dedicó audazmente a develar y quizás (por qué no) a aliviar.

Fuente: Revista de Libros de El Mercurio. http://letras.s5.com/de170910.html

Patrimonio Literario: Identidad Cultural de la II Región de Chile

2010-12-26T02:06:00.000-03:00

Eduardo Díaz Espinoza

En pleno desarrollo está el proyecto "Identidad Cultural de la II Región: a través de los Creadores Literarios en el Bicentenario", que la Agrupación Artística Altazor de Antofagasta, ejecuta gracias al fondo del 2% de Cultura, del Consejo Regional.

La iniciativa consiste en la finalización de un libro de 200 páginas, que constituirá la cristalización del trabajo investigativo que dejó casi finalizado el desaparecido escritor Eduardo Díaz Espinoza, quien rescató por décadas la obra de poetas y escritores de nuestra región -o de paso en ella-, desde el siglo XIX en adelante.

La idea primordial del proyecto consiste en rescatar la producción literaria de la zona, esto es, en traer a la memoria colectiva, no sólo a los escritores más famosos, de moda o tradicionalmente conocidos, sino también aquellos anónimos, o perdidos en el tiempo, incluyendo aquellos más contestatarios que supieron no sólo de las duras vivencias en el trabajo de la pampa, en la explotación del cobre, del salitre y del hombre y la mujer nortina, sino que también fueron testigos de la aparición del feminismo y de los movimientos sociales en nuestra zona.

RECORRIDO

Según Álvaro López Bustamante - a quien la familia Díaz Monterrey y la Agrupación Altazor encargaron reconstruir, restaurar y finalizar el texto incompleto de Eduardo Díaz Espinoza - se trata de "un recorrido panorámico, que abarca la literatura local desde sus comienzos, en el siglo XIX, hasta la actividad más reciente, ya en el XXI, y constituye un aporte fundamental de Eduardo Díaz al conocimiento de la historia literaria de nuestra ciudad".

El libro se lanzará durante el verano de 2011, de acuerdo a los editores responsables del proyecto.

Fuente: El Mercurio de Antofagasta 18.12.2010

Estética - El proceso de la creación artística

2010-12-13T00:33:00.003-03:00

Humberto Díaz Casanueva

Cada poeta tiene sus rituales ante la página blanca. Schiller olía manzanas podridas, perfumes fuertes. La estadística de tales síntomas o hábitos es atrayente, pero insignificante.

II.

La circunstancia más fortuita o el motivo más fútil pueden despertar la voracidad creadora. Pero conviene no olvidar que la manzana para Newton fue sólo la gota que desbordó el vaso. El poeta logra concentrarse en el acto creador porque ya está grávido.

III.

Hay que escrutar la personalidad plena del poeta y no únicamente su éxtasis creador; es decir, su sistema de creencias y valores, sus experiencias, su concepción del hombre, del mundo, de la poesía. Como se trata más bien de un proceso de fermentación que escapa en gran parte a su dominio, habrá que aplicar un sondeo parecido al psicoanálisis; pero éste, al menos por ahora, sólo ha podido encontrar en los poetas el complejo de Edipo o la regresión narcisista, determinantes simbólicos demasiado generales y que explican sin esclarecer.

IV.

Lo que otros llaman inspiración y que para ellos es facilidad jugosa, es para mi plenitud tanto de mis dones como de mi impotencia. Tal vez me suceda esto porque no escribo para agradar sino para explorar. La experiencia poética me interesa como una manera de transparentar el fondo de la existencia humana.

A veces siento una facilidad sospechosa y me invaden ritmos y hasta rimas. Al amasar tal material que resulta de un desborde, me salen poemas que rehúyo porque no son hijos legítimos del rigor de mi espíritu. En realidad sólo tengo un libro de poemas (Vigilia por dentro). Mis otros libros son acumulaciones orquestales dominadas por una figura simbólica obsesiva, una intención dramática, un fantasma especulativo y casi imposible, y que me acompaña por meses y por años (El aventurero; el blasfemo; la Madre muerta; la Estatua de sal; la Hija Viva).

VI.

Algunos han dicho que yo transcribo filosofía en mis poemas. Jamás he podido escribir con planes abstractos e ideas metafísicas deliberadas. Todo se inicia en un estado de ánimo que se va expandiendo en asociaciones.

VII.

Hay un deleite en la inspiración, pero para un artista orgulloso hay también un desafío en la esterilidad. Esta no es sólo la fuente seca: es un sufrimiento, una inhibición, una terquedad del espíritu que no quiere despojarse de sus velos. Para vencer la esterilidad he recurrido a menudo al desvarío.

VIII.

El desvarío e s un abandono, un método pasivo que relaja la facultad consciente. Advierto entonces mi complacencia por lo imaginativo, lo insólito, lo maravilloso y hasta lo absurdo. Intuyo extrañas analogías y me extravían presentimientos oscuros. Quiero en tal caso encaminar la espontaneidad caótica hacia zonas lúcidas. Trato de respetar la lógica recóndita que puede haber en el azar del espíritu y, al mismo tiempo, transmutar esa abundancia, esas imágenes espasmódicas en sentido y en significación. Rechazo la imagen gratuita y busco el símbolo que asocie la emoción y el pensamiento.

IX.

En estas condiciones el trabajo poético es un ejercicio órfico. Siento a Eurídice en mis brazos, pero si la miro, la mato. Huye la visión si el pensamiento ilumina demasiado su desnudez. Para mi el poema ha sido siempre una lucha, una agonía, un amargo juego dialéctico.

Todo se resuelve en las palabras. Cuando tengo confianza en ellas, todo va bien. Me fascina el interior de las palabras y encontrar, aún en las más desahuciadas, valores emotivos y asociativos. Las palabras me producen un frenesí casi físico: las masco, las saboreo. Creo que el lenguaje poético de mi tiempo es un poder todavía virgen capaz de producir mayor revelación del ser humano. Aunque tentación tan grande supone una constante pugna entre la ambición de revelar y la necesidad de comunicar.

(El Mercurio 25 de marzo de 1956)

Estética - Non Serviam

2010-12-12T23:43:00.001-03:00

Non Serviam *

Vicente Huidobro

Y he aquí que una buena mañana, después de una noche de preciosos sueños y delicadas pesadillas, el poeta se levanta y grita a la madre Natura: Non serviam.

Con toda la fuerza de sus pulmones, un eco traductor y optimista repite en las lejanías: «No te serviré».

La madre Natura iba ya a fulminar al joven poeta rebelde, cuando éste, quitándose el sombrero y haciendo un gracioso gesto, exclamó: «Eres una viejecita encantadora».

Ese non serviam quedó grabado en una mañana de la historia del mundo. No era un grito caprichoso, no era un acto de rebeldía superficial. Era el resultado de toda una evolución, la suma de múltiples experiencias.

El poeta, en plena conciencia de su pasado y de su futuro, lanzaba al mundo la declaración de su independencia frente a la Naturaleza.

Ya no quiere servirla más en calidad de esclavo.

El poeta dice a sus hermanos: «Hasta ahora no hemos hecho otra cosa que imitar al mundo en sus aspectos, no hemos creado nada. ¿Qué ha salido de nosotros que no estuviera antes parado ante nosotros, rodeando nuestros ojos, desafiando nuestros pies o nuestras manos?

»Hemos cantado a la Naturaleza (cosa que a ella bien poco le importa). Nunca hemos creado realidades propias, como ella lo hace o lo hizo en tiempos pasados, cuando era joven y llena de impulsos creadores.

»Hemos aceptado, sin mayor reflexión, el hecho de que no puede haber otras realidades que las que nos rodean, y no hemos pensado que nosotros también podemos crear realidades en un mundo nuestro, en un mundo que espera su fauna y su flora propias. Flora y fauna que sólo el poeta puede crear, por ese don especial que le dio la misma madre Naturaleza a él y únicamente a él».

Non serviam. No he de ser tu esclavo, madre Natura; seré tu amo. Te servirás de mí; está bien. No quiero y no puedo evitarlo; pero yo también me serviré de ti. Yo tendré mis árboles que no serán como los tuyos, tendré mis montañas, tendré mis ríos y mis mares, tendré mi cielo y mis estrellas.

Y ya no podrás decirme: «Ese árbol está mal, no me gusta ese cielo.... los míos son mejores».

Yo te responderé que mis cielos y mis árboles son los míos y no los tuyos y que no tienen por qué parecerse. Ya no podrás aplastar a nadie con tus pretensiones exageradas de vieja chocha y regalona. Ya nos escapamos de tu trampa.

Adiós, viejecita encantadora; adiós, madre y madrastra, no reniego ni te maldigo por los años de esclavitud a tu servicio. Ellos fueron la más preciosa enseñanza. Lo único que deseo es no olvidar nunca tus lecciones, pero ya tengo edad para andar solo por estos mundos. Por los tuyos y por los míos.

* Es considerado el primer manifiesto de Vicente Huidobro. Fue leído en 1914 en el Ateneo de Santiago de Chile.

Estética - Artes Poéticas

2010-12-12T22:12:00.000-03:00

Pablo Neruda (1938)

Es muy conveniente, en ciertas horas del día o de la noche, observar profundamente los objetos en descanso: las ruedas que han recorrido largas, polvorientas distancias, soportando grandes cargas vegetales o minerales, los sacos de las carbonerías, los barriles, las cestas, los mangos y asas de los instrumentos del carpintero. De ellos se desprende el contacto con el hombre y de la tierra como una lección para el torturado poeta lírico. Las superficies usadas, el gasto que las manos han infligido a las cosas, la atmósfera a menudo trágica y siempre patética de estos objetos, infunde una especie de atracción no despreciable hacia la realidad del mundo. La confusa impureza de los seres humanos se percibe en ellos, la agrupación, uso y desuso de los materiales, las huellas del pie y de los dedos, la constancia de una atmósfera humana inundando las cosas desde lo interno y lo externo. Así sea la poesía que buscamos, gastada como por un ácido por los deberes de la mano, penetrada por el sudor y el humo, oliente a orina y a azucena salpicada por las diversas profesiones que se ejercen dentro y fuera de la ley. Una poesía impura como traje, como un cuerpo, con manchas de nutrición, y actitudes vergonzosas, con arrugas, observaciones, sueños, vigilia, profecías, declaraciones de amor y de odio, bestias, sacudidas, idilios, creencias políticas, negaciones, dudas, afirmaciones, impuestos. La sagrada ley del madrigal y los decretos del tacto, olfato, gusto, vista, oído, el deseo de justicia, el deseo sexual, el ruido del océano, sin excluir deliberadamente nada, sin aceptar deliberadamente nada, la entrada en la profundidad de las cosas en un acto de arrebatado amor, y el producto poesía manchado de palomas digitales, con huellas de dientes y hielo, roído tal vez levemente por el sudor y el uso. Hasta alcanzar esa dulce superficie del instrumento tocado sin descanso, esa suavidad durísima de la madera manejada, del orgulloso hierro. La flor, el trigo, el agua tienen también esa consistencia especial, ese recurso de un magnífico acto. Y no olvidemos nunca la melancolía, el gastado sentimentalismo, perfectos frutos impuros de maravillosa calidad olvidada, dejados atrás por el frenético libresco: la luz de la luna, el cisne en el anochecer, “corazón mío” son sin duda lo poético elemental e imprescindible. Quien huye del mal gusto cae en el hielo.

CONDUCTA Y POESÍA

Cuando el tiempo nos va comiendo con su cotidiano decisivo relámpago, y las actitudes fundadas, las confianzas, la fe ciega se precipitan y la elevación del poeta tiende a caer como el más triste nácar estúpido, nos preguntamos si ha llegado ya la hora de envilecernos.

La dolorida hora de mirar cómo se sostiene el hombre a puro diente, a puras uñas, a puros intereses. Y cómo entran en la casa de la poesía los dientes y las uñas y las ramas del feroz árbol del odio.

Es el poder de la edad o es, tal vez, la inercia que hace retroceder las frutas en el borde mismo del corazón, o tal vez lo «artístico» se apodera del poeta y en vez del canto salobre que las profundas olas deben hacer saltar, vemos cada día al miserable ser humano defendiendo su miserable tesoro de persona preferida?

Ay, el tiempo avanza con ceniza, con aire y con agua! La piedra que han mordido el légamo y la angustia florece de pronto con estruendo de mar, y la pequeña rosa vuelve a su delicada tumba de corola. El tiempo lava y desenvuelve, ordena y continúa.

Y entonces, qué queda de las pequeñas podredumbres, de las pequeñas conspiraciones del silencio, de los pequeños fríos sucios de la hostilidad? Nada, y en la casa de la poesía no permanece nada sino lo que fue escrito con sangre para ser escuchado por la sangre.

En Caballo verde para la Poesía, núm. 3. Madrid, diciembre de 1935.

Poesía de Chile en el metro de Moscú

2010-11-17T17:33:00.002-03:00

En Moscú, en una de las estaciones del Metro tuvo lugar la ceremonia solemne del primer “tren poético”. Desde el exterior de sus vagones miran a los pasajeros los rostros de los poetas chilenos Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Gonzalo Rojas, Vicente Huidobro y Nicanor Parra, junto a los que es posible leer líneas de sus versos y reseñas biográficas en ruso y en español.

El director adjunto del Metro de Moscú, Igor Ermolenko, en la inauguración solemne de este suceso expresó:

-Hoy inauguramos un nuevo proyecto, destinado a dar a conocer alos pasajeros del Metro a los mejores poetas de distintos países. Se denomina “El tren de la poesía”, destacó Ermolenko. En este tren poético se presentan reseñas biográficas y fragmentos de las obras de los grandes maestros de la palabra, que con su vida y obra hicieron un invaluable aporte al arte mundial y fueron estrellas rutilantes del firmamento.

Nuestro primer tren poético está dedicado a la obra de cinco grandes poetas de la república de Chile, la que en 2010 celebró el bicentenario de la proclamación de la Independencia. Estamos seguros de que este proyecto servirá al desarrollo de las relaciones multilaterales entre Rusia y Chile, concluyó.

En la creación del proyecto, dedicado a poetas de Chile, tuvo una activa participación la embajada del país sudamericano en Rusia. El titular de la misión diplomática, Juan Eduardo Eguiguren, expresó en la ceremonia:

Y bien, la poesía de Chile comenzó su recorrido por el metro de Moscú, aportando hermosas notas poéticas en la vida cotidiana de sus pasajeros.

Fuente: http://spanish.ruvr.ru/2010/11/17/35047324.html

Confirmación

2010-11-12T22:36:00.004-03:00

Esta noche

la luna clandestina

y húmeda

tan azulmente enigmática

viene

a cerciorarse de

mi ausencia.

Luisa García

Los cien años de un poeta. Homenaje a Miguel Hernández

2010-11-11T10:39:00.002-03:00

En la Feria Internacional del Libro de Santiago

JUEVES 11 (19:00 Hrs.) Acto Inaugural "Los Cien Años de un Poeta: Homenaje a Miguel Hernández

VIERNES 12 (18:30 Hrs.) "Conversaciones sobre Miguel Hernández.

Serie de cuatro coloquios hernandianos con la participación de un destacado panel de especialistas internacionales y nacionales.

1° Coloquio "Miguel Hernández en el contexto literario español de los años 30" (18:30 Hrs.)

2° Coloquio "La relación de Pablo Neruda y Miguel Hernández" (20:00 Hrs.)

SÁBADO 13 (11:30 Hrs.) "Conversaciones sobre Miguel Hernández"

3° Coloquio "Miguel Hernández ante la poesía latinoamericana" (11:30 Hrs.)

4° Coloquio "Sobre el significado y el valor de la obra de Miguel Hernández ( 12:30 Hrs.)

Premio Pablo Neruda 2010

2010-11-11T09:30:00.000-03:00

El poeta chileno Christian Formoso, nacido en 1971 en Punta Arenas, sur de Chile, obtuvo hoy el Premio Pablo Neruda 2010 "en razón de la originalidad de su obra, donde se conjugan lo histórico, lo étnico, lo indígena y lo intimista".

"Se destaca en su trabajo el universo patagónico y su visión profunda y poética de ese mundo", indica el acta del jurado que otorgó el premio por unanimidad. Formoso es licenciado en Educación en la especialidad inglés de la Universidad de Magallanes y realizó una maestría en Estudios Hispánicos, mención literatura, en la Villanova University, de Philadelphia, Estados Unidos.

Es autor, entre otros poemarios, de "El Odio o la Ciudad Invertida" (1997); "Estaciones cercanas al sueño/Los coros desterrados" (2003); "Puerto de Hambre" (2005) y "El Cementerio más Hermoso de Chile" (2008). Formoso obtuvo el Premio Binacional Literario Chileno-Argentino de la Patagonia, versiones 1998 y 2000.

El jurado que lo galardonó estaba integrado por Edmundo Herrera, de la Sociedad de Escritores de Chile; Matías Rafide, de la Academia Chilena de la Lengua; Oscar Hahn, de la Fundación Pablo Neruda; y Manuel Jofré, de la Universidad de Chile, El premio, en su vigésimo tercera versión, está dedicado a poetas menores de 40 años y entrega 6.000 dólares en una ceremonia que se realiza los 10 de diciembre, fecha que conmemora la entrega del Premio Nobel a Neruda, en 1971. DFB

SANTIAGO DE CHILE, 10 (ANSA)

http://www.ansa.it/ansalatina/notizie/rubriche/cultura/20101110202935174503.html

Publican cartas inéditas del intelectual Italo Calvino

2010-11-07T16:03:00.000-03:00

Italo Calvino

MADRID.- Italo Calvino, además de ser uno de los narradores más singulares por su mirada mágica y fabuladora de la realidad, fue un gran intelectual, periodista, editor y teórico cuyo pensamiento se puede conocer por su correspondencia, en su mayoría inédita en castellano, que se publica ahora en un libro.

Se trata de un volumen, editado por Siruela, que bajo el título de "Correspondencia (1940-1985)" reúne 240 cartas del escritor italiano dirigidas a su padre, a amigos como el periodista Eugenio Scalfari o a creadores como Alberto Moravia, Cesare Pavese, Natalia Ginzburg, Elsa Morante, Pier Paolo Pasolini, Leonardo Sciascia o Umberto Eco, seleccionadas por el poeta español Antonio Colinas.

Una correspondencia que es todo un material revelador sobre el panorama social, político y literario de la Italia de la segunda mitad del siglo XX.

El compromiso ético y político de Italo Calvino (Cuba, 1923-Italia, 1985) y su inquebrantable defensa de la libertad, mezclados con los acontecimientos y vaivenes que marcaron su vida, quedan patentes en estas cartas, que hacen del autor de "Los amores difíciles" una de las miradas más lúcidas y verdaderas del panorama intelectual.

"Esta correspondencia es la historia de la narrativa italiana de los años 50 y 60 y su contenido informativo y anecdótico hace de ellas un material teórico y didáctico de primera magnitud", afirma a Efe Colinas, premio Nacional de Traducción en Italia por verter al castellano toda la obra poética de Salvatore Quasimodo.

Colinas, que ha trabajado sobre la edición italiana, que es amplísima, explica que ha hecho una selección por bloques, entre ellos el dedicado a poetas, editores, profesores y figuras del cine, y, entre las misivas, destaca una dirigida a Esther Benítez, la primera en traducir al español a Calvino y a quien, entre otras cosas, muestra sus dudas sobre cómo traducir "El barón rampante".

Otro de los bloques está dedicado al punto de vista sociológico y político de Calvino, "con una fuerte tensión ideológica", añade Colinas. "Aquí se hallan las primera cartas en las que se van viendo la disidencias con el Partido Comunista, en 1944, a partir de la invasión de Hungría por parte de la Unión Soviética", precisa el poeta y narrador.

Calvino luego explica por qué abandonó su militancia en el Partido Comunista Italiano en 1956, con cartas a la dirección del partido o a los trabajadores de la FIAT.

Unos sucesos que acontecen en paralelo a la escritura de su famosa trilogía, "El barón rampante", "El vizconde demediado" y "El caballero inexistente", libros "todos ellos -precisa Colinas- en los que se ve su sustrato ideológico, su vocación pedagógica y su posición rebelde e independiente contra cualquier abuso de poder".

Fuente: www.emol.com

La herida abierta - Selección de prosas y poesía de Gabriela Mistral

2010-11-07T14:18:00.000-03:00

La herida abierta, selección de prosas y poesías de la Premio Nóbel de Literatura Gabriela Mistral, es un libro que su editor Esteban Llorach, ofrece con toda la vitalidad y apasionamiento de su autora.

El texto preparado por Llorach, Premio Nacional de Edición 2003, fue presentado hoy en el Sábado del Libro, realizado en La Calle de Madera de la Plaza de Armas, en esta capital.

Enrique Pérez Díaz, director de la editorial Gente Nueva, institución a cargo de esta publicación, afirmó que el compilador se renovó al entrar en contacto con la obra de la gran chilena, de lo que resultó uno de esos volúmenes que el lector agradece.

Llorach confesó que entre los muchos textos trabajados en su vida, La herida abierta es el que mayor satisfacción le produce.

Entre las virtudes de esta entrega señaló la diversidad de géneros y la inclusión de Lecturas para mujeres, poco publicada y hecha a solicitud del ministro de Educación José Vasconcelos, a raíz de la Revolución Mexicana, considerada una rareza en el mundo porque incluye autores de casi todas las lenguas.

También citó los trabajos sobre Cuba y Martí, cuya obra conoció tardíamente e influyó mucho en el curso de su trayectoria personal.

Otro de los grandes temas presentes en La herida abierta es el de la unidad latinoamericana, con los antecedentes de Martí y Bolívar con los cuales ella entronca.

Como otra perspectiva esencial está la militancia de esa gran mujer en causas como la defensa de los derechos de la mujer, los niños y los indígenas, y su posición radical ante las injusticias, como cuando se enfrentó al presidente estadounidense Harry Truman en favor de Latinoamérica.

Entre los logros de esta compilación figura una cronología elaborada con los manuscritos, libros, entrevistas y otros documentos de la Mistral, mediante la cual, con sus propias palabras, puede seguirse su realización humana, desarrollo e ideología.

(Octavio Borges Pérez / AIN) La Habana, 6 nov. Fuente: http://www.tvcamaguey.co.cu/index.php?option=com_content&view=article&id=5088:gabriela-mistral-vital-y-apasionada-en-la-herida-abierta&catid=42:cultura&Itemid=83

Feria Internacional del Libro de Santiago 2010

2010-11-01T21:25:00.000-03:00

Centro Cultural Estación Mapocho - Santiago de Chile

CHILE ES EL GRAN HOMENAJEADO EN LA 30ª FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO DE SANTIAGO

Un atractivo programa que considera la participación de 220 empresas, 700 sellos editoriales, una cifra record de al menos 600 actividades culturales, la presentación de una serie de charlas, talleres, exposiciones, mesas redondas y el lanzamiento de nuevos libros, es parte de la oferta que para este año tiene prevista la 30ª Feria Internacional del Libro de Santiago que además celebra sus 30 años de existencia.

La muestra, abrió sus puertas el viernes 29 de octubre y se extenderá por 16 días hasta el 14 de noviembre inclusive, en el Centro Cultural Estación Mapocho.

Todos los pormenores de lo que será esta fiesta literaria fueron dados a conocer en el marco de una conferencia de prensa celebrada esta mañana en el café Bicentenario de la Biblioteca Nacional.

En el encuentro con la prensa se encontraban presentes el presidente de la Cámara Chilena del Libro, Eduardo Castillo, el escritor y titular de la Fundación Gabriela Mistral, Jaime Quezada y el vicepresidente de la Sociedad de Escritores de Chile, Víctor Sáez.

En el marco del Bicentenario de nuestro país, FILSA tiene este año a Chile como Invitado de Honor, organizando un encuentro nacional sin precedentes donde todas las regiones del país se darán cita para participar en la muestra y en el programa cultural.

En dicho contexto, el Directorio de la Cámara, cursó una invitación oficial a las máximas autoridades del país con el objeto que encabezaran la ceremonia inaugural el 29 de octubre.

De esta forma, desde Arica a Puerto Williams, cada una de las regiones se harán presentes con una variada muestra editorial, la participación de una importante gama de autores y las más diversas manifestaciones culturales entre las que destacan su literatura, artes visuales, sus costumbres y principalmente su música.

Junto a este evento literario, se desarrollarán las 15ª Jornadas Profesionales, oportunidad en la que se congregarán profesionales del libro de todo el país y del extranjero, las 13ª Jornadas de Educación y la XV Conferencia de Bibliotecarios.

El presidente de la Cámara del Libro dio cuenta que, entre los invitados más importantes con los que cuenta esta 30ª versión, destaca el escritor nacional y autor de “La danza de la realidad”, Alejandro Jodorowsky y el Premio Cervantes, Jorge Edwards.

Asimismo, autores como Alberto Fuguet, José Miguel Varas y Patricio Manns también presentarán sus obras más recientes tales como “Aeropuerto”, “Los tenaces” y “El lento silbido de los sables”.

En el plano internacional, resalta el afamado escritor peruano, Alonso Cueto, quien exhibirá en nuestro país su más reciente trabajo policial “La venganza del silencio”. Junto a él también participará su par nacional, Gustavo Rodríguez, autor de la gran novela “La semana tiene 7 mujeres”, el cual le valió la final del premio Planeta-Casamérica 2009. De igual forma, el afamado poeta Antonio Cisneros, será parte de esta importante embajada cultural.

Asimismo y con la presencia de profesionales y empresarios del rubro, los días 27,28 y 29 de octubre, se realizó el Octavo Congreso Iberoamericano de Editores.

El evento, que es organizado por el Grupo Iberoamericano de Editores y la Cámara Chilena del Libro, se desarrollará en el marco de la 30ª Feria Internacional del Libro de Santiago y reunirá a las más diversas federaciones y asociaciones gremiales del libro en lengua española y portuguesa, además de los profesionales del sector y su industria.

Se le dará un lugar especial en la feria al reciente Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa, y a su nueva obra “El sueño del celta”. Por otro lado, también habrá novedades en el Fondo de Cultura Económico, ya que se presentará la nueva novela juvenil, Recklees, de la aclamada escritora alemana Cornelia Funke.

Norteamérica también dirá presente de la mano de Bret Easton Ellis y su obra “Suites imperiales”, la que contará con el respaldo de la editorial Random House para su puesta en escena. Esta última también ofrecerá “La tierra dorada” de Bárbara Wood y “Siete vidas” de John Grisham, que corresponden a sus últimos trabajos.

DIA DEL ADULTO MAYOR

El día lunes 8 de Noviembre, la feria estará dedicada al Día del Adulto Mayor y por tanto, los adultos mayores se verán favorecidos en esa fecha con entrada liberada.

DIAS DE LA MUJER

Los días miércoles 3 y 10 de noviembre, la Feria estará dedicada a la mujer y por tanto -en ambas fechas- tendrán entrada liberada

PRECIOS DE LAS ENTRADAS

Los precios de las entradas tendrán un valor de $1500 general de lunes a jueves y $1000 para estudiantes. Viernes, sábado, domingo y festivos los precios serán de $2000 normal y $1500 para alumnos. Los menores hasta 12 años de edad tendrán entrada gratuita.

La Feria abre sus puertas de las 14:00 hasta las 22:00 hrs. de lunes a jueves y los viernes del mediodía hasta las 22.00, al igual que los fines de semana.

Fuente: Cámara Chilena del Libro

Pablo de Rokha

2010-10-31T21:36:00.001-03:00

Pablo de Rokha

Por Naín Nómez

Resulta un lugar común señalar la marginalidad que tuvo la obra literaria y poética de Pablo de Rokha en la tradición literaria chilena. Nacido en 1894 en el oscuro pueblo de Licantén, provincia de Curicó, el poeta asumió desde sus inicios allá por 1916 con sus Versos de infancia publicados en la famosa antología Selva Lírica de Molina y Segura, el destino del relegado, del maldito, del extraño, del desaforado, del que escribe fuera del cánon. De sus 38 libros autopublicados en su mayoría y desaparecidos de bibliotecas y librerías, queda un testimonio de vida y escritura enfrentados a una realidad cultural provinciana, que no supo ver las rupturas estéticas y epistemológicas que proponía el poeta. Las tragedias familiares (muerte de su mujer-musa Winétt de un cáncer en 1951, muerte de su hijo Carlos en 1962, suicidio de su hijo Pablo y de algunos de sus mejores amigos como Joaquín Edwards Bello), y su propio suicidio un 1 de septiembre de 1968, sólo vinieron a completar un periplo de desmesuras incomprendidas y represiones históricas que ponen en cuestión no sólo lo que se entiende por una tradición cultural, sino el destino mismo de sus representantes.

Pablo de Rokha perteneció a un grupo de productores literarios (Neruda, Huidobro, Mistral; Pezoa Véliz), que vivió directamente la contradicción de una modernidad transferida desde Europa a las élites continentales, ligada al progreso desde el siglo XIX, pero también es una marginalidad anunciada estrepitosamente con la estética modernista y reforzada por el tremendismo fragmentario y la crítica a ultranza de los vanguardismos. Frente a un nudo representado y vivido desde un progreso cientificista y tecnológico, que se constituyó cada vez más en un mito altisonante que desgarraba a la sociedad en dos concepciones irreductibles, los poetas buscaron sus orígenes en lo estético y trataron de refundar la historia desde el lenguaje. En este sentido, los discursos rokhianos se instalan en las antípodas candentes de su época, al nuclearse en un discurso movible, caótico y cambiante que buscaba articular vida y escritura, totalidad y sujeto, acción y pensamiento, emoción y razón. Este carácter oscilatorio y "a-rracional" de sus proposiciones discursivas, impidió que la obra de Pablo de Rokha pudiera ser analizada de una manera convincente por una crítica apegada a la funcionalidad de la tradición impresionista, positiva y formalista, cuyo canon era europeo y cuya base estética se apoyaba en géneros establecidos: la lírica, la épica o la dramática. El poeta que nació con el nombre de Carlos Díaz Loyola, fue uno de los precursores de la vanguardia chilena e hispanoamericana. Entre 1916 y 1930 desarrolló una escritura, que a pesar de la influencia de románticos y modernistas, se corrobora con atisbos del simbolismo francés, las reflexiones anarquistas tamizadas por el voluntarismo de la filosofía de Schopenhauer y el mesianismo nietzscheano, a lo que se puede agregar su experiencia de vida ligada a la zona central del país con sus mitos nacionalistas y rurales.

En los textos más relevantes de esos años -Los gemidos (1922), U (1926), Sudamérica (1927) o Escritura de Raimundo Contreras (1929)-, se conforman las formas escriturales y los contenidos que reaparecen como obsesiones permanentes en toda la producción rokhiana: la desmesura y exageración de discursos y temas, la visión grotesca del mundo y de la naturaleza, la crítica social y política del mundo, la visión degradada de la historia humana, la necesidad de una ruptura discursiva para enfrentar la misión suprahumana del vate todavía romántico y maldito, el carácter dialógico de las formas literarias incluyendo los géneros marginales como la diatriba, el discurso político y el testimonio y también discursos orales y épicos. En el segundo período que se despliega entre 1930 y 1950, se desenvuelve el tono épico ratificado por un compromiso político con los republicanos españoles y el comunismo de la Unión Soviética. Escribe poemas, artículos de opinión, ataca a los "enemigos del pueblo" y pretende convertirse en el gran poeta popular de su época. A partir de 1939 y frente al "ninguneo" de la crítica oficial, inicia su propia revista, Multitud; impresa en gran formato con letras rojas y negras, impregnada del altisonante y batallador estilo rokhiano. En el efervescente clima del Frente Popular de los años 30 y 40, la producción literaria del poeta se integra vitalmente a su vida privada y a sus acciones, todo lo cual conforma una suma cuya finalidad es la búsqueda de la igualdad social, y una sociedad más justa, Desde Jesucristo (1933) hasta Arenga sobre el arte (1949), la obra rokhiana se abre por un lado a los cantos de trinchera, mientras por otro incorpora acontecimientos, personajes y lenguajes populares que buscan crear un mito de lo nacional-popular, que tendrá características únicas en la poesía chilena del siglo. Un ejemplo notable de este tipo es el poema "Epopeya de las comidas y las bebidas de Chile".

Si bien la etapa de creación que va de 1950 a 1968, repite en lo fundamental los temas y formas discursivas anteriores del poeta, también va delineando algunas obsesiones ligadas a las angustias de sus últimos días. Elegías como Fuego negro (1953) dedicada a Winétt o cantos doloridos dedicados a sí mismos, como "Canto del macho anciano" de 1961, darán la tónica a un momento en que el poeta siente que la sociedad lo aisla, que su obra no es comprendida y que el Mito Colectivo que quiso plasmar en sus poemas, culmina a veces en un canto desesperado teñido por el dolor y la muerte.

Si se quiere hacer un sucinto de sus aportes fundamentales a la tradición poética chilena e hispanoamericana, éstos no son pocos. Textos surrealistas como Suramérica del 27, integraciones del cubismo y del futurismo en U y Satanás, el carácter suprapoético de lo nacional-popular como categoría de un arquetipo en la "Epopeya", "Campeonato de rayuela", "Rotología del poroto", el intento histórico de unir lo singular con lo universal en la mixtura de épica y lírica, el uso de formas de escritura híbridas e impuras que van desde la diatriba y el panfleto hasta las formas epopéyicas, etc. Pablo de Rokha se salta los géneros de la tradición europea y construye un texto complejo, caótico, fragmentado, multidisciplinario y contradictorio, cuya estética representa una nueva realidad siempre en plasmación. Su escritura es como una herida siempre abierta, manchada, contaminada, cicatrizada y vuelta a abrir, desde la cual manan tanto las diatribas como los cantos de amor, los odios y los encantos, los rojos violentos de la sangre como los venenos de la oscuridad.

Fue nuestro padre violento como solía decir Humberto Díaz Casanueva, fue también un blasfemo como dijo cierto crítico, pero por sobre todo un gran poeta desmesurado, de esos bardos de la tribu que son los testigos dolorosos de su época, que pagan la escritura con la muerte. Treinta años después de su holocausto, lo recordamos como el vanguardista utópico, como el patriarca mesiánico, como el militante incansable, como el terrible y torrencial maldecidor que nos dejó la utopía aferrada a la memoria para que no olvidemos.

Pablo de Rokha - 30 años después. Rocinante, Nov 1998.
http://www.letras.s5.com/archivonomez.htm

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Estética

Ecuación

Al poema como al candado, es menester echarle llave, al poema,

Como a la flor, o a la mujer, o a la ciudad, que es la entrada del hombre;

Al poema, como al sexo, o al cielo.

Que nunca el canto se parezca a nada, ni a un hombre, ni a un alma,

Ni a un canto.

¿Qué canta el canto? Nada. El canto canta, el canto canta, no como

El pájaro, sino como el canto del pájaro.

Seguramente, arden grandes mares rojos, y un sol de piedra, negro,

Por ejemplo, hincha la soledad astronómica con su enorme fruto duro,

Tal vez la tierra es un gran cristal triangular, otra vida y otro tiempo

Gravitan; crecen, demuestran su presencia, atornillados a la arquitectura

Que canta su orden inaudito.

Cojo un tomate, adquiero la vieja moneda del otoño, tomo un cinema,

Voy organizando aquel beso y aquel verso que anidó en aquellas pestañas inmensas.

¿Edificio de intuiciones? Edificio de imágenes, si, edificio de imágenes, que son productos

Químicamente puros del no-consciente.

Escoged un material cualquiera, si, un material cualquiera; no obstante, un material cualquiera determina la biología del poeta; la diagnostica; escoged un material cualquiera, como quien escoge estrellas entre gusanos…

Porque hay un material auténtico, como la aceituna del soltero, la empanada del casado, o lo mismo que el vino del día lluvioso, que es la guitarra del calendario, y un material de estafa, de escarnio, que se parece a las locomotoras en el templo, al militar que seduce garzas claras con la espada, gimiendo hacia adentro aquellas violetas enfermas de tiempo y pianos sin aureola, a la higuera que produce lirios.

Pero se trabaja exactamente con barro y con sueño…

Sólo que la alegría de la golondrina depende de la primera gota de agua---

Cuando Dios estaba aún azul adentro del hombre…

Que el poema haga reír y haga llorar como una mujer rubia o un hermoso caballo.

Y, además, que se ría solo y llore solo, y llore solo como la más morena de las colegialas, sacándose la camisa.

El canto, como el sueño, ha de estar cruzado de larvas.

El canto, como el mundo.

El canto, como el genio, ha de crear atmósferas, temperatura, medida del universo, ambiente, luz, que irradie de soles personales.

Medio a medio de la poesía, Tú, lo mismo que el sexo, medio a medio.

(Fragmento de Ecuación. Canto de la fórmula estética, publicado en 1929)